Críticas

No Festival de Cinema de Cannes de 2023, a cena de dois idosos pisando nas sombras à beira do rio à noite foi uma das mais belas representações de personagens masculinos que vi nos últimos anos...Wim Wenders sempre se destaca na captura daquilo que é pequeno, detalhes muitas vezes esquecidos nas relações interpessoais que são profundamente comoventes. Embora o filme pareça uma obra promocional, continua sendo uma experiência cinematográfica muito reconfortante.

Esse filme é único, pois é o primeiro filme LGBTQ+ canadense com um protagonista chinês. Ele quebra o estereótipo de indivíduos chineses mansos e introvertidos ao retratar um menino chinês saudável e atlético que cativa tanto as meninas quanto os meninos mais procurados da escola. Por outro lado, também investiga a vida de uma família de imigrantes chineses. O filme também vai além das histórias do campus para incluir os pais e a irmã do menino, abordando o crescimento e as complexidades de duas gerações de imigrantes em Vancouver.

O amor é um compromisso eterno. Missie, que cresceu sob a tutela do amante de livros Marty, torna-se professora. Marty e Clark têm os próprios filhos, Aaron e Annie, mas o foco continua em Missie e Willie, que fugiram de sua cidade natal após a morte do irmão. Guiado pela voz interior, Willie procura e encontra o amor verdadeiro. A jornada deles reflete a natureza duradoura do amor e a busca pela realização pessoal.

A sequência de abertura mostra casas geminadas, parques e igrejas; além de veículos e pedestres dentro de um quarteirão. O protagonista aparece como um observador no último andar, acostumado com o apoio da comunidade e com a banalidade do cotidiano; ele também protege ferozmente seu território, que neste caso são os laços comunitários do conjunto habitacional. Logo após o funeral da mãe, ele assume o papel de cuidador, cuidando dos filhos dos membros da gangue após um roubo fracassado do carro de um príncipe árabe e uma seguinte tentativa de assassinato em sua garagem. O detetive contratado para a vingança tem a mesma perspectiva privilegiada do protagonista – sua subida ao último andar, com planos aéreos identificando o alvo da vingança, reflete isso. Quando um membro preso de uma gangue é assassinado, o enquadramento da cena é dividido pelo primeiro plano das grades da prisão – é como a imagem de um animal moribundo em uma armadilha. Mas ninguém tem certeza de quem é o caçador e quem é a presa; isso se reflete quando o príncipe árabe na parte inferior do prédio se torna a presa antes que o protagonista se vingue puxando o gatilho. A narrativa é fraca, diluindo os acontecimentos dramáticos e os comentários sociais.

A série é baseada em conceitos, apresentando um carrossel de personagens em estilo antológico. Suas motivações são convincentes: 1) Como quebrar o ciclo a cada episódio, 2) Quais são os pecados que devem corrigir, e 3) Como juntar todas as memórias para viver uma vida nova. Até agora, estes aspectos parecem desafiadores, ou mesmo estagnados, na progressão. Embora o conceito e o cenário sejam interessantes, pode deixar de ser novidade após sete episódios. Ainda assim, quero ver o que vem por aí.

Gostei mais do que esperava. Acho que prima pela nostalgia, com sua caça ao tesouro, perseguições e humor; tem muita raiz nos anos 80, charmoso à sua maneira antiquada. A cena do trem traz Jones de volta ao seu auge e é cheia de nostalgia, fazendo lamentar que Ford não tenha conseguido mostrar mais sua agilidade quando era jovem. Em um cinema vazio, a poeira nos assentos tinha um cheiro estranhamente agradável; eu era o único assistindo a aventura de Indiana Jones e parecia que eu também havia viajado no tempo. Ah, como eu gostaria de poder ficar no passado.

O mundo de chocolate de Willy Wonka traz um toque de alegria e bondade ao nosso mundo. Timothée Chalamet interpreta um jovem chocolatier que tenta conquistar um nicho numa cidade europeia dominada por um monopólio do chocolate. Repleto de imaginação, é a aventura de fantasia mais deliciosa e saborosa deste ano.

Essa história de amor, tão clichê que até mesmo os dramas a evitariam, torna-se totalmente cativante e comovente pela profunda habilidade de Kaurismäki. Folhas de Outono parece uma variação de Tempos Modernos, centrado no tema da alienação na sociedade moderna, tendo a solidão como base e a comédia como fachada. Ao contrário da comédia física de Chaplin, Kaurismäki apresenta falas em um estilo quase de uma só linha, com frieza e precisão, com um timing impecável que dá reviravoltas na trama a cada frase, criando efeitos cômicos inesperados. Na minha opinião, é digno do prêmio de "Melhor Diretor".

Terrorismo, dependência da mídia, inteligência artificial e hostilidade comunitária — o filme reúne uma variedade de ansiedades sociais em um espetáculo visual e sonoro, tendo como pano de fundo o conservadorismo global e a realidade pós-pandemia, mas acaba parecendo vazio e desarticulado. Nenhuma cinematografia extravagante consegue disfarçar sua estética de série de TV. Por que recorrer à edição paralela exagerada e sem sentido para provocar emoções? O que poderia ter sido uma pequena parábola intrigante se perde no show.

Em um único dia, assisti a Reboot: Os Guardiões do Sistema e The Last of Us. O primeiro é um exemplo requintado da estética do drama japonês, enquanto a outra incorpora o ápice da estética da TV americana. Ambas são séries cinco estrelas aos meus olhos, mas não poderiam ser mais diferentes em estilo, cada uma residindo em extremos de seu respectivo espectro estético. Reboot: Os Guardiões do Sistema retrata a morte de maneira profundamente sentimental, apresentando um mundo de facilidade e constância, caracterizado por diálogos finamente detalhados e contidos. Em contraste, The Last of Us mergulha no sombrio e sórdido, ambientado em um deserto pós-apocalíptico onde a narrativa avança como uma bomba incendiária, culminando em uma intensa luz branca ofuscante. No entanto, é possivelmente o show mais emocionante que assisti desde Game of Thrones, provando mais uma vez que a HBO sabe como causar um impacto.

Esse road film de comédia coreana tem todos os elementos esperados. As narrativas paralelas entre uma fuga e sentimentos familiares são bem equilibradas, proporcionando humor e momentos de ternura. Mas não importa a justificativa, é difícil simpatizar com alguém que vende secretamente o carro do chefe e depois foge. O diretor parece ciente desse enigma moral, introduzindo sutilmente uma subtrama envolvendo tráfico de drogas. Isso racionaliza a moral questionável do protagonista. Não notei nenhum humor forçado, mas certamente houve momentos de sentimentalismo que pareciam pouco naturais. Isso não é surpreendente, já que o cinema coreano muitas vezes retrata enfaticamente o "amor paterno", refletindo seus valores patriarcais arraigados, que não são facilmente alterados. No geral, o filme é bastante divertido e é uma boa opção para assistir depois do jantar.

Solidão semelhante a Wall-E, sobrevivência que lembra Náufrago, otimismo semelhante a Robinson Crusoé e aventuras como Gravidade...não tão vasto quanto Interestelar, um pequeno Marte parece um universo em si. O elemento cômico não atende às expectativas da obra e se inclina mais para a ficção científica hard e a exposição em estilo documentário. Para ser honesto, depois de três anos consecutivos de ficção científica com tema espacial, há um certo cansaço e, embora seja bem elaborado, carece daqueles momentos inspiradores e não se qualifica como uma obra-prima.

A longa abordagem de Spielberg sobre o empoderamento das mulheres se inclina para uma perspectiva afro-americana, ao mesmo tempo que mantém seu ritmo característico de contar histórias. Não costumo gostar de histórias inventadas, mas fiquei comovida com o poder discreto desse filme. A representação de Shug como uma figura forte e independente acaba influenciando Celie, com foco na busca persistente de Celie por laços fraternos. Mas a narrativa dá detalhes insuficientes ao enredo da irmã e o final parece um tanto apressado, perdendo a sutileza anterior.

Às vezes, a capacidade de Hollywood de transformar uma história realmente me surpreende. A narrativa desse filme, que mostra o sucesso do comercialismo sobre a paixão e a derrota do espírito esportivo pelas estratégias empresariais, é inesperadamente transformada em uma emocionante história de fraternidade. As duas horas e meia de duração voaram, com cada detalhe parecendo essencial (a corrida em si dura apenas a última meia hora). É uma experiência de cinema comercial satisfatória. Tanto Bale quanto Damon têm um carisma irresistível!

O filme narra uma história em que os fortes atacam os fracos, que acabam virando o jogo. Um grupo de meninas que faz uma festa em uma casa isolada é atacado por traficantes em busca de dinheiro, levando a um confronto final. O filme tem falhas, principalmente na representação da superação de adversários mais fortes. Essas vitórias costumam exigir astúcia, estratégia, trabalho em equipe e um pouco de sorte. Mas esses elementos estão em grande parte ausentes aqui. Em vez disso, o filme se apoia no heroísmo individual de Maggie Q, que infelizmente não é muito convincente.

Esse filme estreou no Festival Internacional de Cinema de Veneza. Eu adoro Cruzada, de Ridley Scott, e nunca imaginei que o veria dirigir outro filme histórico durante minha vida. As ações dos homens são motivadas pela busca da honra e do poder, com pouca preocupação pelas mulheres que são prejudicadas no processo. Suas palavras são consideradas indignas de confiança e seu destino não pode ser controlado por elas.

Este filme parece ter sido adaptado de um jogo de fantasia, quase transformando a obra de Alexandre Dumas em uma piada. No entanto, a direção artística e a mistura eclética de figurinos são intrigantes, desafiando a categorização padrão de “bom” ou “ruim”, mas certamente são divertidas. Embora use a estrutura da história original e incorpore várias desconstruções, os elementos de ação e aventura são medíocres. As verdadeiras atrações são os diversos efeitos especiais que compõem o ambiente e os adereços. Notavelmente, a inclusão da canção When We Were Young no final é muito energizante!

Acabei de assistir Jogos Vorazes: A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes. Como prequela, supera a tetralogia original. A mudança de estilo para um thriller psicológico focado nos orquestradores da Capital é assustadoramente eficaz. Ele eleva os temas centrais da franquia a novos patamares e, apesar dos destinos conhecidos, ainda dá ao público uma sensação de incerteza, assim como os easter eggs que são gratificantes para os fãs. A atuação da protagonista pode ser sua única falha. No geral, destaca-se como o auge da série.

Ver o nome de Hayao Miyazaki nos créditos finais foi particularmente comovente, fazendo com que eu sentisse que este poderia ser seu último filme. O que um criador pensa no final da vida? Como ele enfrenta a morte? Essas questões são retratadas de uma maneira peculiar na segunda metade do filme. O Studio Ghibli parece uma pilha instável de blocos, que pode desmoronar no momento em que ele partir. O seu mundo criado é magnífico, mas o futuro pertence, em essência, aos jovens.

É aceitável como um filme de entretenimento japonês. Porém, aborda de maneira superficial as questões mais profundas, oferecendo reflexões rasas sem se aprofundar na raiz do problema. O filme mantém uma perspectiva unilateral com Godzilla como único antagonista.