Críticas

Esse é o meu favorito da série Alien. Até senti um pouco de simpatia pelo xenomorfo humanizado no final. O xenomorfo recém-nascido lembra o monstro de Frankenstein, criado por humanos, apenas para ser rejeitado, temido e abandonado, antes de ser morto. Essa pobre criatura, rejeitada por seu criador e que nunca aprendeu as regras deste mundo, foi julgada como um monstro desde o início.

A falha típica da série Predador é o acúmulo excessivo: a ação só começa de fato na segunda metade. A introdução dos xenomorfos parece um pouco forçada, pois os mundos do Predador e do Alien não se alinham por completo. Mas, no geral, é divertido, sem a necessidade de analisar o enredo. A formação de equipe entre a heroína e um Predador foi abrupta e, embora ela seja uma lutadora forte, sua presença não é muito satisfatória.

Olhando para trás, como fã de Alien, a única coisa que esse filme fez foi ajudar a impulsionar a evolução da espécie xenomorfo. A criação do híbrido Alien-Predador acrescentou uma reviravolta interessante à história, mas todas as outras subtramas foram um desastre total.

Em comparação com os filmes da Marvel, o enredo de Batman Eternamente é muito abstrato, deixando o público perplexo em alguns momentos. Combinado com a atmosfera sombria do filme, ele também induz ao sono. Mas, se você o encarar de outra forma, ou tratá-lo como um filme peculiar, ele tem seu charme. Por exemplo, os vilões são sempre perturbados, e a protagonista é inegavelmente deslumbrante.

Apesar de eu gostar da atuação de George Clooney como Batman, esse filme ainda é uma bagunça. O personagem de Arnold Schwarzenegger não poderia ser mais ridículo, com uma motivação risível. A Hera Venenosa de Uma Thurman, com sua estética estranha, quase rural, também não ajuda. Robin arrasta a história, e a adição da Batgirl pareceu totalmente sem sentido.

Com esse filme, terminei de assistir a toda a obra de David Fincher. Neste, faltam as reviravoltas chocantes que definem muitos de seus outros filmes, e o final pareceu um pouco apressado. Porém, isso não diminui a tensão de roer as unhas durante todo o filme, tornando-o um exemplo perfeito de um thriller claustrofóbico.

Esse filme é um clássico inteligente e bem-humorado de Hitchcock. A dinâmica entre os dois protagonistas é icônica, e o uso que é a marca registrada de Hitchcock de espelhar o início e o fim para revelar a reviravolta na trama foi uma surpresa agradável. As limitações da tecnologia de câmera dos anos 1930 são evidentes, mas a maestria de Hitchcock por trás das lentes mais do que compensa isso.

A icônica cena do copo de leite de Hitchcock, com uma lâmpada escondida dentro para fazê-lo brilhar ameaçadoramente, combinada com o toque de suspense em um tema romântico, é puro brilho. É o tipo de detalhe que os fãs de cinema não param de falar sobre.

O enredo é relativamente fraco, com as mensagens ideológicas excessivamente pesadas. No entanto, o conceito de prender diversos personagens em um espaço confinado lançou as bases para muitos filmes subsequentes do gênero. É um clássico no sentido de que é mais inspirador do que puramente divertido.

O suspense fica em segundo plano neste filme, com Hitchcock se concentrando em uma linguagem cinematográfica refinada. Imagens como a silhueta de um barco entrando em uma caverna e o reflexo enganoso em um par de óculos são visualmente deslumbrantes. A edição paralela no terceiro ato – alternando entre uma partida de tênis e a recuperação de um isqueiro – é feita com maestria, e a cena final do carrossel é um destaque.

Eu não poderia ter imaginado como três atores, trabalhando em um único cenário fixo, poderiam dar vida à extensa história de três gerações ao longo de 160 anos. A interação entre as histórias principais e secundárias é tratada com muita delicadeza, e as transições dos atores entre as dezenas de personagens são perfeitas.

Esse é um dos filmes de guerra mais singulares de todos, pois não trata apenas da guerra em si, mas do impacto de uma guerra sem sentido nos soldados e na própria humanidade. Ele também aborda as lutas universais da vida, embora se passe em uma zona de guerra. Não há batalhas épicas, triunfos heroicos nem vitórias pessoais. Os momentos finais, quando os fuzileiros navais retornam à cidade, mas não conseguem se reintegrar à vida civil, são realmente brutais, já que alguns recorrem ao suicídio.

Aparentemente, essa é uma comédia familiar leve, mas aborda temas mais sérios e instigantes. Sam Mendes evitou propositalmente escalar estrelas de renome para que a história parecesse mais fundamentada na vida cotidiana. A jornada culmina em um final esperançoso, deixando o público com uma sensação de aconchego.

Trata-se de um thriller policial de baixo nível, com um processo de investigação monótono do início ao fim, sustentado apenas pelo diálogo. As reviravoltas de suspense foram bem cronometradas e as atuações foram críveis, mas a reviravolta final foi desanimadora, entregando uma verdade seca e insatisfatória.

A lógica da trama é confusa, mas mantém você fascinado. Seguindo o espetáculo visual de Aterrorizados, o diretor adota um novo estilo. Em vez de depender de sustos, o medo é criado em torno da propagação da maldição sob o efeito de uma praga. Ambos os aspectos invisíveis e visíveis da escuridão são onipresentes. O filme é repleto de visuais em grande escala, desenfreados e fisicamente desconfortáveis, apresentando corpos despedaçados, carne grotesca, cenas explícitas de acidentes de carro, sequências de hackers, respingos de sangue e muco, crianças sendo operadas, crianças empunhando machados e esparramando cérebros de adultos — tudo desafiando os limites físicos do público. É um afastamento total dos principais filmes de Hollywood. O filme é assumidamente intenso. Além da investida visual, o diretor cria com maestria uma atmosfera de mal-estar. Os gritos das mulheres, a teimosia dos homens, os murmúrios da criança autista, os latidos do cachorro louco — envolvente e avassalador, você é absorvido pela narrativa do filme. A capacidade do diretor de controlar e improvisar nesse frenesi é excelente, criando uma experiência única e envolvente no âmbito do cinema latino-americano, caracterizada por seu brilho imaginativo.

Como um reboot do clássico A Profecia de 1974, este filme se mantém, proporcionando uma atmosfera de terror em abundância. As cenas de terror estilizadas carregam uma sensação de pavor que lembra os filmes do gênero giallo. Destaca-se entre os filmes de terror do início de 2024. Os visuais são meticulosamente elaborados, com imagens assustadoras, como dentes afiados de bestas em escadas e cabeças de Medusa, tudo contribuindo para uma sensação generalizada de mau presságio.

Embora os aspectos técnicos sejam, sem dúvida, de primeira linha, o enredo fracassa. A alta taxa de quadros e a apresentação 3D estabelecem um novo padrão em efeitos visuais, mas não importa o quão impressionante seja visualmente, essa emoção dura apenas um curto período. Depois disso, ficar sentado por quase três horas em uma trama rasa torna-se insuportável. Do desenvolvimento do personagem à estrutura do enredo e à batalha climática, tudo parece um rebaixamento em relação ao primeiro filme. Se você está aqui pelo visual, experimente, mas se você se preocupa com a narrativa, nem perca seu tempo.

Quando criança, eu não entendia totalmente e apenas notava a pesada atmosfera gótica. Ao assisti-lo novamente quando adulta, fica claro que as lutas internas do Pinguim e da Mulher-Gato são o que Tim Burton realmente queria destacar. O Pinguim, abandonado quando criança, só quer recuperar seu nome, enquanto a Mulher-Gato, quebrada pela sociedade, se transforma em uma figura vingativa. Ambos são produtos de uma sociedade distorcida.

Este não é apenas um filme biográfico sobre o pior diretor da história, mas uma história mais ampla sobre as lutas enfrentadas por cineastas em todos os lugares. Tim Burton faz uma comparação entre Ed Wood e Orson Welles, mostrando que não importa se você é um gênio ou um tolo, perseguir seu sonho como diretor traz os mesmos desafios e frustrações.