Reseñas

Dirigida por Robert Rodríguez, Planet Terror es una carta de amor al cine grindhouse y a las películas de serie B de los 70, pero pasada por el filtro frenético y delirante del director. Desde los primeros minutos, sabes que entraste a un universo donde la sangre es arte y el absurdo tiene ritmo.

Rose McGowan brilla como Cherry Darling, una bailarina que pierde una pierna y la reemplaza con una ametralladora (sí, y funciona increíblemente bien). Detrás del exceso y la risa, hay algo más: una sátira sobre la masculinidad tóxica, la obsesión militar y el cine que no se toma en serio pero sabe perfectamente lo que hace.

Visualmente, Rodríguez juega con el grano, los cortes falsos y los colores quemados como si el celuloide estuviera poseído. Planet Terror es sucio, sexy, ridículo y glorioso. Un homenaje a lo grotesco que no pide permiso para divertir.

💉 Es cine que huele a gasolina, sudor y libertad

La amo

No lo se

El 2024 fue un buen año para el cine español, y en este caso, La virgen roja no es excepción de ello y también conforma ese selecto grupo de películas que le brindaron un buen colchón de soporte cinéfilo a la industria del país europeo, algunas de ellas gustando a modo personal más que otras, pero lo que deja en claro específicamente la película de la directora Paula Ortiz, es que no pasa desapercibida y no deja a nadie indiferente ante su experiencia, con sus aciertos que por totalidad no dejan que caiga y con sus errores que la marcan bastante, puede ser certera en gran parte en su afán de transferir hacia las sensaciones que se van suscitando durante su desarrollo con un contenido bastante firme y consciente de ello.

Su valor más grande como obra es que encuentra la elegancia para poder sortear el desafío de no caer fácilmente en alguna de sus posiciones ideológicas retratadas, en un contexto social, político y feminista bastante delicado, por lo que estamos hablando de una película de época perteneciente al género de drama, esto le incluía en sus conflictos, la posibilidad de tomar partido o bandera, cuestión que por suerte para ella, no termina optando por eso, siendo así consecuente, noble y crítica para con sus esferas constructivas de las que se permite tocarlas y desarrollarlas, pero teniendo la facilidad de salir ilesa de cada una de ellas con el objetivo de transparentarse y plantear esos distintos puntos de vista para luego sacar sus conclusiones.

Su mayor dificultad es hacer pie inicialmente para poder extenderse, con unos fallidos 30 minutos a mi consideración, arranca con un ritmo que desde un principio parece dubitativo y fatigado, sin demasiado contenido a priori de provecho para poder explotar una vitalidad necesaria para atrapar desde el minuto uno, esto le puede jugar en contra, puesto que quizás haya algunos espectadores que si no se sienten atraídos por ella de inmediato, la dejen a medias, afortunadamente a partir de allí empieza una cierta escalada en su energía y en su tensión a medida que vamos conociendo y nos vamos adaptando a su dinámica y a sus distintas aristas por las que irá desandando su camino, una intensidad que casi no la abandonará sino hasta el mismísimo final.

Un impulso fundamental para ella es la banda sonora que firman Guille Galván y Juanma Latorre, un sonido sumamente inmersivo y que simula tener la función de guía por encima de todos los demás componentes y para con ellos, algo así como si su trama se planteara a través de lo que suena, es interesante como está va asumiendo sus roles de mutación dependiendo de lo que la escena vaya necesitando a nivel sonoro y como su eficacia transporta y sumerge a esas tensiones que por momentos alcanza grados bastante grandes, haciendo en ello evidente cuando esta logra alcanzar su tope de ímpetu, los cuales son términos utilizados casi de manera brillante y que dejan la sensación de haber sido utilizados al máximo en sus pretensiones.

Mucho se habla de la interpretación de Najwa Nimri y si, es una muy buena interpretación de un personaje de aquellos malos a los cuales uno inevitablemente le resultan una especie de barrera rechazable, entremezclando su choque constructivo como personaje con el de Alba Planas, en quien a medida que avanzamos logramos percibir un mayor roce y crecimiento como persona dentro de su personaje, lo cual nos veremos impulsados por si nosotros, tomar partido por las situaciones que va frecuentando su protagonista, de sus figuras se sirve para lograr ese planteo que nos invita a tomarlo a modo de leerla y analizarla, para que de ella podamos considerar como el fanatismo ahoga en una doctrina tóxica a las personas por lo que les nubla el pensamiento y no les permite ver más allá de sus hombros, que por cierto, un tema tan actual como inacabable pareciera para la raza humana.

A La virgen roja, la marcan para todo el viaje sus fallidos primeros minutos, siente ese golpe asestado en sus 30 minutos principales, aunque luego encuentra un sostén en principalmente su inmersiva banda sonora que a mi gusto es lo mejor de la película y allí si se permite sostenerse de pie para evitar una caída por el resto del tiempo que le queda por delante, atmosféricamente es mayormente correcta, nos traslada a los sucesos y las presiones de una cuerda que nos va avisando constantemente que tarde o temprano se romperá, una de esas películas que no terminan bien, porque claro, en el cine no todo es necesario que termine bien, y eso también se debe asumir, por lo mismo es certera en el saber amargo y la movilización que nos genera el planteo hacia un rumbo que parece inevitable como desenlace.

Calificación: 6.7

Dirige, escribe y protagoniza Jesse Eisenberg, una historia que busca y vaya si lo logra, generar cualquier tipo de sensaciones encontradas en el espectador, con un margen energético que por momentos es caótico y dinámico donde también allí puede encontrar mucho aterrizaje para meterse en la introspección de su dúo protagónico, es además una película que juega mucho con lo que no se dice y con aquello que deja percibirse de ella, porque es un film de sentimientos claros y nobles, a pesar de que no todo el tiempo pueda generar una línea de creatividad que vaya de la mano con un terreno estable desde el punto de vista de su guion, lo que si será de A Real Pain, es la tela que dejará por cortar luego de experimentarla, un proyecto que se presta a reflexionarlo y analizarlo.

Lo primero que puedo decir sobre A Real Pain y al menos a modo personal, es que me hizo sentir incomodo en todo momento, no encontré en ningún trayecto un terreno firme y no me dejó adaptarme a ninguna de sus formas, curiosamente y quizás, todo esto como una de sus virtudes, una película sumamente mutando, que va cambiando de piel y de estados constantemente, pasajes en los que me ha hecho reír, por otros espacios me hizo reflexionar, mientras que durante otros momentos se vuelve un tratado sensible, pero todo conformado por un vaivén caótico e indomable, propio y congruente con el tacto que se le brindará a la estructura de sus personajes.

En tiempos de películas donde a muchas se les complica sensibilizarse a si mismas para tratar temas delicados, la creación de Eisenberg puede decirse que encuentra una estabilidad armoniosa, sensible y respetuosa para tratar las cuestiones delicadas que trata de trasfondo como lo son las enfermedades y los diagnósticos mentales, algo que acertadamente juega mucho con el subtexto, allí donde no se nos dice las cosas exactamente pero se intuyen en ese contexto y que incluso le brinda al espectador la posibilidad acertada de la ambigüedad para poder leerla, lo que bajo el mismo punto abarca su propio final, o su propio inicio, como cada uno quiera analizar esa profunda y más que interesante escena.

El espíritu de su trayecto es sin dudas y en gran parte además de un consistente guion, las actuaciones de la dupla Jesse Eisenberg - Kieran Culkin, sobre todo este último quien le aporta una frescura y un torrente de energía a la película en la que con ella, él es quien irá mutando y mostrando distintas facetas constructivas alrededor de su personaje, para consigo mismo y para con el resto de los personajes, sirviendo así el personaje de Eisenberg como si se tratara de una especie de contención de esas tormentas de energías que desata su compañero de elenco, Culkin.

A Real Pain, de manera personal, me ha dejado a medias tintas, quizás sus virtudes de inestabilidad me hicieron sentir un tanto incomodo en un terreno movedizo que está en constante cambio y rumbo, virtuosas actuaciones que le dan un buen corazón a ese motor que es el guion que está escrito de modo muy correcto y es consecuente para dicha contundencia que abarca esa potente intensidad que contiene por dentro y que las busca a explotar al máximo en ese turbulento viaje hacia el interior de la psicología humana.

Calificación: 6.6

Atrás en el tiempo, quizás bastante lejano en el tiempo quedaron los laureles de Ridley Scott que le hicieron un nombre como director, y justamente Gladiador II no termina siendo la excepción a la debacle larga que carga consigo en estos últimos tiempo, donde pareciera que su última correcta película fue "El último duelo", y como si fuera poco solo discreta, aquí se embarca a una nueva entrega de una de sus creaciones maestras y obra clave del cine épico, nueva entrega que para mi gusto, y seguramente para el de varios, resulta enormemente innecesaria y más si se tiene en cuenta que el cineasta no pasa su mejor momento como realizador y bien podía dejar su propia buena huella en una cuerda floja, que es lo que finalmente termina resultando esta fallida e innecesaria Gladiador II.

El problema con el segundo proyecto de Gladiador, es su inevitable comparación con aquel producto del año 2000 y del mismo Scott, a comparación de aquellos años de estado de gracia suya, parece que esta nueva entrega queda pequeña en absolutamente todos los sentidos, incluso con la paradoja de que quizás esta por lo menos, haya sido superior en cuanto a su presupuesto, pero desde luego que ni siquiera en eso logra prevalecer en los estándares planteados, como si una película épica si, pero de contexturas, presupuestos y magnitudes lejanamente inferiores fuera en esos y todos los distintos aspectos que componen todos esos núcleos constructivos.

Implementa en su entorno un guion que carece de sabiduría para poder volar en los momentos en que lo debería requerir, algo que pronto se torna en predecible sin siquiera poder hacer uso de sus giros argumentales, hecho perjudiciales han sido sus tráiler previos, promociones que develaban ya demasiado información y que resultaban bastante mal manejados para poder captar así la atención del público, un problema grande en sus aspectos de película épica es que en sus pasajes de batallas, estas sola están correctas y no más, y cuando busca asentarse para nutrirse como historia, esta rápidamente es intrascendente y vacua, hecho por el cual solo es un desarrollo que camina, pero que al tratarse de Gladiador, exigiremos que tome un vuelo que no puede encontrar nunca en sus más de dos horas de duración.

En otro de los puntos claves donde cojea de una pierna es en la elección de su elenco, desde un principio no me llenaba de satisfacción la consideración de Paul Mescal y de Pedro Pascal como dúo protagónico, y mis dudas al contrario de disiparse finalmente se han confirmado, un Paul Mescal que carece de porte y de espiritualidad para cargarse semejante magnitud de película al hombro, por más que ni esta contenga tales proporciones, a tal punto de sobrepasar en importancia por sus figuras el mismo Pedro Pascal y hasta Denzel Washington, quien este último termina siendo el más preponderante interpretativamente en todo el film, un relato que si carece de las virtudes energéticas de sus actores, poco quedará de ella al final del viaje.

Una de las ausencias que se hacen notar demasiado y le son imposibles de ocultar, es la falta del talento del grandísimo Hans Zimmer al mando de la banda sonora, en este caso tenemos a Harry Gregson-Williams quien no puede acoplar nunca su sonido a los sucesos y mucho menos darle a esos sucesos una identidad sonora propia, en un intento solo de lanzar notas de epicidad que quedan navegando en el aire sin rumbo, mencionando que las notas de Zimmer en aquella Gladiador del 2000 se zambullía por completo en la historia de manera plena en la guerra hasta que por otros momentos se sumergía en las profundidades de la melancolía que dejaban esas guerras virtuosas a su paso.

Gladiador 2, si no existía estábamos bien y ni siquiera Scott nos la debía, ni siquiera se la debía a si mismo ni a sus fans más acérrimos, otra mancha más al tigre y contando, Ridley no levanta cabeza y aquí es muestra sobrada de eso, un guion que se queda a pie y en contrario de tratar de envalentonar las cosas, las arrastra bastante abajo, por lo que sus deficientes componentes, empezando por las actuaciones, ni siquiera hacen en mínimo esfuerzo (y tampoco lo tienen) para poder darle fuerza a una película que como su antecesora lo marca, se lo hubiese merecido, en El Coliseo de Ridley Scott se filtra agua por doquier hasta inundarlo todo casi por completo, como al fin y al cabo quizás, era predecible.

Calificación: 6.4

Película centrada en un lugar llamado "Ciudad de Dios", paradójicamente un sitio al que parece que Dios, los abandonó hace rato, un reino de sangre y de guerra constante por liderar, en ese terreno nos planta Fernando Meirelles dirigiendo la que es una de las películas claves de este lado del mundo, un diamante de Brasil amasado de barro, sangre y balas, una historia de violentos y salvajes, de héroes, villanos y resilientes allí donde rige la ley de la selva de la que pocos pretenden salir y de los que salen, cuentan esas historias llenas de tensión y adrenalina, cargadísima de belleza audiovisual y tecnica sin perder el foco en el concepto durísimo y cruel que plantea el director brasileño.

El planteo funcional que hace Meirelles es apabullantemente dinámico, una energía y una vitalidad para contarse enormemente aplastante, conteniendo en ella una certeza sobre cuales son sus intenciones y cuales son los caminos que debe tomar para arribar a ellas, maneja un aura de suspenso y tensión que asfixia en plenitud constante, haciendo que rápidamente uno empatice con los protagonistas a los que uno les toma cariño en un sitio donde es deporte nacional el sobrevivir, sus fundamentos y sus elementos utilizables tienen un gran componente en su haber para aferrarse al éxito como relato del cual trataré de desprender algunos de esos componentes que la hacen fuerte y casi persistente ante el paso del tiempo.

Sus juegos temporales son altamente eficiente para contar el proceso y el crecimiento a lo largo de los años de esa violencia empleada como medio de dominación, manejando unos vaivenes en el tiempo magníficos con ese montaje que saca brillo a cada situación que lo amerita, acompañando todo tipo de planos y una cámara que se encuentra en permanente mutación, con planos que podemos encontrar como los cenitales, primeros planos, ángulo picado y contrapicado, por otros momentos una cámara que se alza en mano para otorgarle esa sensación temblorosa a las situaciones de más rigidez cuando esta lo amerita, todo un combo excepcional a la hora de trabajar le disposición estética y narrativa de lo que vemos, de lo que está en el guion y su ejecución en pantalla.

Sus interpretes en gran mayoría son super carismáticos y tienen muchísima personalidad para llevar a cabo sus personajes, tanto los que adoptaremos como héroes, así como los villanos de esta película, una gran elección de casting que le brindan mucho corazón casi en plenitud de las vivencias que allí ocurren, entre tantos, puedo individualizar a una joven Alice Braga que pegaría luego el salto a la gran industria, el joven Alexandre Rodrigues es otro de los que aporta muchas características de acople en armonía con su historia y con lo que le toca nutrirla a esta interpretativamente.

Ciudad de Dios es una película que muestra el lado B de Río de Janeiro, super visceral, llena de adrenalina, hermosas imágenes y utilización de la cámara, y carga de esa denuncia, de ese cine social tan característico de Sudamérica, una crítica punzante a la violencia sin fin y al clasismo social, bien plantea Meirelles un elemento final en el que todo parece girar alrededor de una ruleta que no tiene fin, porque bien, nada ha cambiado, allí en esa ciudad ficticia llamada Ciudad de Dios o en cualquier suburbio brasileño o latinoamericano, allí donde manda la violencia, Dios no está presente.

Calificación: 10

Una película de las varias que retratan los hechos ocurridos durante los Juegos Olímpicos de Múnich 1972, donde un grupo de terroristas atentó contra los deportistas israelíes, esta vez, narrado desde un punto de vista periodístico en el que se aleja lo máximo posible de cualquier visión política de los trágicos sucesos como fuente de acierto para transparentarla, un desarrollo que expulsa adrenalina por sus poros de manera súper sofocante y equilibrada con la alta tensión de lo que allí se va relatando, una función que la ejerce casi a la perfección teniendo en cuenta su corta duración, y que justamente su flaqueza, es el tiempo, puesto que a modo de entretenimiento podría haber durado un poco más para así implementar un desarrollo un poco más alto y aventurándose al mismo éxito atmosférico que posee.

El director suizo Tim Fehlbaum, le saca jugo al máximo a esta historia en la que fomenta un entorno cargadísimo de intensidad y dinamismo que arranca desde el mismísimo primer minuto hasta el último suspiro de su desarrollo, como ya decimos, Fehlbaum marca territorio apenas arranca el film y así nos hace saber de como se regirá el ritmo a partir de su minuto inicial, con escenas que competen propiamente a los Juegos Olímpicos que están llenas de acción y potencia, un rasgo vehemente a la hora de concretarlas, haciendo de September 5 una presentación con grandes dosis de energía y una rigurosa exaltación.

La introducción hacia su historia y hacia sus personajes es rápidamente exitosa, puesto que estaremos presenciando una especie de entretelones de las coberturas periodistas, es decir, la cocina detrás de todo lo que finalmente el espectador termina viendo en televisión, hecho que durante esta temporada ya habíamos presenciado al menos una película con características similares aunque alejada de tal trama como lo fue Saturday Night, aunque a gusto personal, la película del suizo me sedujo mucho más y la veo aún más exitosa en la misma introducción como relato y en cuanto a las figuras que presenta, además de poseer la propiedad de encontrar un buen punto de inmersión para con el espectador.

Cuando su avance toma el giro correspondiente para darle una vuelta de tuerca a las circunstancias, nos estaremos colocando en la piel de unos periodistas que se ven obligados a mutar y demostrar su poder de adaptación a las circunstancias, algo que pondrá en tela de juicio de valores un juego muy fino donde la moral y la ética de estos penderá de un hilo, con decisiones más que criticables y diferentes puntos de vista de como conllevar tales situaciones en los avatares por prevalecer en el medio informativo en el afán de no ser apartados de tales acontecimientos, aventuras periodísticas que no necesariamente terminan bien, y eso es correcto, puesto a que traza una línea muy delgada entre lo íntegro y los riesgos que se toman a la hora de tomar un fierro caliente en esas situaciones y contextos.

Un elemento muy necesario para September 5 es el aporte de su grupo actoral, un elenco magnifico y muy fuerte que se ponen a sus espaldas la necesidad de ejecutar y transmitir ese guion tan potente, a la cabeza de ellos para destacar se encuentran John Magaro y Leonie Benesch, dejando mención de que además es un conjunto de interpretes bastante grande en cantidad y que, curiosamente, todos ellos aportan en el mismo nivel de intensidad para nutrir a la trama, algo que habla bien del cineasta a la hora de ejercer un buen manejo hacia sus dirigidos, permitiéndoles de cada uno demuestre sus capacidades y les brinde la posibilidad de aportar al desarrollo y de que cada una de esas intervenciones el espectador las note interesantes y necesarias.

Esta joyita alemana maneja de principio a fin un dinamismo y una contundencia de alto voltaje, bajo la órbita de un montaje súper activo, puede arribar a buen puerto las resoluciones de su nutrido elenco, una película que absorbe todos los elementos necesarios en su, a mi gusto, poco tiempo de duración, con un tiempo de tan solo 1 hora y 35 minutos que justamente, si tendría que buscarle un punto flojito, sería esa poca duración, por la cual podría haberse aventurado a extender un poco más ese tiempo para poder desarrollar mejor algunas pequeñas cuestiones y con el optimismo de que hubiese tenido el mismo buen funcionamiento que este producto final, que a final de cuentas resulta ser un largometraje imperdible y más que recomendable.

Calificación: 7.1

Debut en el formato de largometraje para la directora india Payal Kapadia, luego de su incursión en un documental y algunos cortos, puede decirse que es una primera experiencia bastante auspiciosa para la cineasta asiática en el que demuestra rasgos de mucha sensibilidad para componer su historia en una India con sus caos, penas y euforias sociales, algo así como un reflejo sociocultural de su país, y de hecho genera en su haber un estreno muy favorable que será una realizadora a tener en cuenta de cara al futuro en los proyectos que vaya consolidando en lo que le queda de recorrido aun en la industria cinematográfica.

Payal Kapadia hace radiografía social del país asiático que, con un manto de feminismo observa los pormenores socioculturales que allí tienen lugar, un sitio que se muestra visiblemente humilde, sobrepoblado a extremos y con todos los conflictos asociados a la pobreza a los que se asemeja el gigante asiático, así mismo cinematográficamente se ve bastante modesta, no lo sé si es por el caso de querer adentrarnos aun más en contexto sin tantas capas estilísticas o si deviene por una cuestión de falta de recursos a la hora de poder desarrollar la película y contar con importantes equipos técnicos que hicieran notar esa realización estética.

Mencionábamos que "La luz que imaginamos" atrae consigo cierto estrato feminista, ya que serán sus personajes femeninos quienes sean las encargadas de brindarnos su planteo óptico de aquella sociedad, una mirada de los conflictos por los que las mujeres deben de sortear como obstáculos, una cultural que viene de generación en generación y que por consecuencia las tira para atrás en sus determinaciones de libertad individuales, una visual de ella hacia la exposición con la miseria, con los pocos recursos, una alegoría hacia el amor y los sentimientos a flor de piel de un circulo femenino que desea liberarse de esos estándares sociales.

Eficientemente puede acaparar todos sus elementos a una energía que le genera una especie de sostén y que es quien la va dirigiendo en ese rumbo con llegada a no sabremos donde hasta muy entrada la película y con una espiritualidad super envolvente, porque de hecho, no es solo lo que cuenta, sino como lo cuenta, abarcando en si misma una cierta aura mística de aquellas tierras desconocidas para nosotros en la que solo pareciera que el afán de sus habitantes es nada más que sobrevivir y poner buena cara ante esa proposición destinada a ser y pertenecer.

Sus protagonistas se acoplan a la perfección con el relato, se logran ver unas interpretaciones muy buenas y con una naturalidad que es muy acogedora, es interesante notar como en momentos iniciales donde el relato se va amasando vemos un nutrido grupo actoral hasta que cuando la película va avanzando, ese elenco se reduce en considerable cantidad mediante las cuales esas piezas serán las encargadas de plantear el punto de vista determinado, pocas apariciones de actores hombres que intervengan plenamente en la película si, pero es interesante notar que cuando estos pocos figuran logran generar una amena complementación para con el desarrollo y no se ven vistos como una mayor interferencia para con esta.

Payal Kapadia contorneando y espiritualizando su debut en largometrajes es más que eficiente, con una estructura tecnica que es casi de lo único que deja haciendo un poco de ruido pero que no le es mayor conflicto a la hora de poder arribar a buen puerto de un relato optimista que saca provecho de la desidia y de las barreras que implica una sociedad y una cultura que a los golpes busca encontrar un equilibrio de equidad en medio de aquella carencia de recursos, un pueblo donde el pan de cada día se busca a como dé lugar con personas que de la misma forma buscan la felicidad como agua en el desierto.

Calificación: 7.2

Hoy 14 de febrero, día de los enamorados, el director estadounidense Scott Derrickson, lanza un nuevo film que, curiosamente enlaza los acontecimientos de esta fecha en una interesante mezcla de acción, romance y conspiraciones, una película que desborda de elementos correctos y que, por lo mismo deriva en sus propias flaquezas, puestos que esos buenos componentes no logra llevarlos a una explosión máxima de sus cualidades, sumando ciertas decisiones erráticas que culminan haciendo con The Gorge un proyecto un tanto tibio en el que cabía tenerle un poco más de firmeza para poder controlarla, convirtiendo toda esa mezcolanza entre aciertos e infortunios en un huracán que la hace tambalear constantemente en sus propuestas.

Con una duración de 2 horas y 7 minutos, es un film que por sus primeros 40 minutos, que casi casi que se transforman en 1 hora de proyección, arranca muy bien y con muchas promesas a su alrededor, durante esos minutos en los que decisivamente empieza a marcar el terreno por el cual nos moveremos y sus pautas establecidas, una buena presentación de sus personajes principales, exposición que prácticamente los muestra capa por capa muy acertadamente, poniendo quizás énfasis en alguno más que otro puesto que uno necesitará más tiempo para que podamos empatizar con él, mientras que la otra parte en solo una pequeña fracción ya le habremos sugerido nuestra amabilidad como espectadores.

Transcurriendo el trayecto en el que ya pasa su primera hora, las cosas empiezan poco a poco a decaer en sus intenciones, condicionante que demuestra sus debilidades en la imposibilidad de explotar principios propios del género de acción y de terror que no le hubiesen venido nada mal, siendo que en un primer acto esas piezas encajan muy bien y prometiendo aún más brillo de esos ingredientes que luego no puede cumplir, a todo esto se le suma una serie de desaciertos que le dificultan las cosas y hacen desvanecer su esencia constructiva, sobre todo lo que se estructuró alrededor de sus personajes y esa energía cautivante que sobrevolaba los aires durante ese primer periodo.

Las escenas de acción están desarrolladas de forma muy correcta, tanto en los duelos a distancia con armas como en los combates cuerpo a cuerpo, están bien coreografiadas y bien filmadas, hecho que le son fundamentales a escenas de este tipo en el que podemos visualizar que está sucediendo en todo momento y sin problemas en el intercambio constante de montaje de estas situaciones, destacando que quienes se encargan de la banda sonora son Trent Reznor y Atticus Ross, quienes los conocimos destacadamente en la temporada pasada durante la película "Challengers" de Luca Guadagnino, en este caso, el trabajo de Reznor y Ross me ha resultado de manera dispar, por momentos si pudiendo acoplar esas notas con lo que iba contando la trama mientras que por otros momentos se generaba cierta inconsistencia entre una parte y la otra, como que lo que estaba sonando no estaba en total sintonía con las cosas que íbamos viendo.

Sus personajes, encarnados por Milles Teller y Anya Taylor-Joy están correctos, bastante más correcto me ha parecido el desempeño de la actriz argentino-estadounidense, es atractiva la fabricación de figuras que hay sobre ellos en un principio, demostrando en ambos conflictos personales, soledades, tristezas y karmas que los definen de entrada como factores individuales, es seductor el ambiente que los separa en un momento, esa energía romántica entre ambos que vuela en esos alrededores con momentos de muchas frescura y algunas toques de descontractura que rozan eficazmente la comedia, pero al momento del contacto físico es cuando las cosas y esa química empieza a flaquear, contextualizando que, el color interpretativo de Anya Taylor-Joy, sus capacidades actorales, su carácter y su forma de ser, terminan comiéndose a Teller e intempestivamente alejándolo de lo que de ellos en un momento generaba buena conexión.

The Gorge es extrañamente de esas películas en las que cada uno y más que nunca, sacará sus propias conclusiones, en la balanza están puestas sus certezas, habilidades y sus triunfos, pero también están ahí sus dificultades, sus fragilidades y sus desaciertos, de ahí, dependerá de como cada uno quiera realizar su lectura, su ganan más sus puntos a favor, o si ganan más sus puntos flacos, a gusto personal es un "aprobado" quizás a duras penas, pero aprobado al fin, como cuestión de quiebre, le faltó encender una llama espiritual en su ser de lo que solo es una fogata.

Calificación: 6.2

Basada en una historia policial de España que nos relata parte de la lucha contra el terrorismo de aquel país, la directora Arantxa Echevarria toma ese pedazo de historia y lo moldea a su gusto para crear cinematográficamente un thriller policial de lo más exquisito que se ha visto este año en ese género, personalmente no pude experimentarla en una sala de cine, pero considero por todo lo que me hizo vivir al visionarla que esa experiencia en una pantalla grande para los que pudieron, valió absolutamente la pena por todos sus elementos más que avasallantes, con una atmósfera y una tensión que me tuvo pegado a la silla por sus casi dos horas de duración y que bien, su buceo nos lleva a vivenciar en carne propia esas situaciones dramáticas que se llevan al límite en sus personajes.

La película se construye didácticamente durante sus primeros minutos, tiempo en el que nos introduce rápidamente en la historia y en el funcionamiento de la misma, un elemento constructivo que parece acelerarse pero por el contrario encuentra un vinculo de función más que efectiva, mediante una serie de juegos temporales que funcionan muy bien nos establece la dinámica en cuestión de su trama, en un juego constante de tiempos entre el pasado y la actualidad en la que se asienta por esos momentos el desarrollo, lo que solo luego le quedará por camino a recorrer, la introducción y la habitualidad que tendremos nosotros como espectadores hacia los distintos personajes y en la empatía y percepción que nosotros tendremos hacia ellos de acuerdo a como estos van abordando las situaciones que les tocan presenciar.

"La infiltrada" por lo mismo de hacernos zambullir juntos a sus figuras en contextos de peligro inminente, es que alcanza niveles extremos de tensión y adrenalina, secuencias que se tornan realmente irrespirables y en los que cualquier cosa puede llegar a pasar, un ambiente extraordinario técnicamente que nos hace sentir inseguros en todos los momentos en que se lo propone, siendo esto, la construcción de atmósfera y la habilidad inmersiva que se hace es uno de los factores esenciales para el exitoso funcionamiento de este thriller.

El trabajo de Carolina Yuste es de una actuación realmente destacada, se pone en la piel de su personaje y nos hace vivir con ella todo lo que va transcurriendo, es interesante como su crecimiento interpretativo va en aumento a medida que avanza la trama, empezando por lo bajo hasta llegar a un clímax junto con la película en el que explota todo su potencial como actriz, es bueno percibir como ese elemento alcanza su punto de ebullición a medida que la propia historia y el propio entorno, cada vez más turbio va consumiéndola profundamente, bajo esas condiciones es en las que Yuste aprovecha para sacar lo mejor de si misma y llevar al límite a su personaje.

Es clave que en cierto momento del desarrollo, la cineasta nos planteé bajo su guion ciertos aires en los que tanto la protagonista como nosotros al ser espectadores, nos veremos posicionados en un efectivo dilema moral constante, que de hecho, ya de por si su sinopsis plantea cierto encrucijada entre lo moral y lo ético en límites muy finos, en los que también le es necesario mostrar la contracara a su figura protagónica a través de sus secundarios y estos lo llevan realmente bien, ya que iremos tomando distintas emociones para con todo el elenco y sus diferentes roles en la trama.

"La infiltrada" es una joyita del cine español de esta temporada, una energía que asfixia constantemente y no suelta sino hasta su mismo final, un thriller dirigido con certeza de lo que se está haciendo con planteos morales y éticos en plena boca del lobo, un atmósfera realmente tensa a niveles gigantes en donde sentiremos inseguridad y temor todo el tiempo, inmersión profunda a las entrañas psicológicas y corporales de una Carolina Yuste que se entrega al máximo y se puede apreciar como esa entrega se traduce en una gran actuación a medida que el propio entorno y el peligro la va consumiendo, ojalá con el tiempo esta obra de la directora Arantxa Echevarría pueda ser vista y apreciada por un mayor público del mundo que merece experimentarla si quiere pasar un buen momento cinematográfico de hostilidad e incertidumbre ahí, en tierra de nadie.

Calificación: 7.3

Película española basada en hechos reales sucedidos en los años 2000 en aquel país europeo, recién ahora a un poco menos de 25 años se hace realidad en ficción una historia que bien, es muy digna y necesaria de ser llevada a la pantalla grande, lo que supone una reconstrucción de los hechos y el modo de trasladarlos a lo ficcionario no funciona del todo, aunque a simple vista guarda unas más que interesantes herramientas para poder explotar a su favor, por momentos la directora Icíar Bollaín toma caminos que no le son demasiado fructíferos para poder consolidar su visión a la hora de crear una exposición consistente y que pueda abarcar buen porte técnico y atmosférico sobre los puertos a los que busca arribar.

Soy Nevenka, con duración de 1 hora y 52 minutos, que constan casi casi de dos horas, parece fácilmente trastabillar entre otras cosas, con esa duración, haciéndole ese tiempo bastante abultado difícil de poder utilizarlo a su favor por lo que termina si sucediendo en una serie de redundancias y de reiteraciones que visiblemente se palpan como una gran cantidad de relleno ante la imposibilidad de avanzar sobre sus pasos en los que estará fácilmente un poco más de 1 hora entera en prácticamente las mismas insistencias, se entiende tal cuestión si, en el afán de ir cada vez más agobiando a su personaje principal para que finalmente nos dirijamos hacia un desenlace, pero ese empecinamiento por más que sea para ver frutos introspectivos al futuro inmediato de su desarrollo, terminan por notablemente fatigar la película para con su propio ritmo y para con el espectador.

Por otra parte podría decirse que peca demasiado de formalismos, ya que allí se encuentran muy pocas cosas y muy pocos pasajes realmente arriesgados, limitándose solo a la mayor disminución posible de errores pero con el precio a pagar de que no arriesga en absolutamente nada y no termina encontrando buenas conexiones hacia las que pueda concretarse un interesante transcurrir de la historia, si por mi fuese, hubiese buscado conducir la película bajo las esferas del drama judicial, para de allí ir encontrando una vertiente que me hubiese interesado bastante más de apreciar cinematográficamente.

La herramienta de ampliar los horizontes para con una sociedad que castiga y que juzga, también me ha parecido un elemento vagamente utilizado, ya que me hubiese parecido agradable que, a pesar de ser una historia real y ahí previsible su desenlace, que surgiera una cuestión moral para insistente para con la trama y para con nosotros como espectadores, independientemente de la previsibilidad de las cosas a final de cuentas, no hubiese estado mal encontrarse con ese juego psicológico entre lo moral y lo ético, un planteo que encontrara en si misma colores grises que se aferren más a las percepciones y a las presiones integras, pero en cambio solo encontramos más y más formalismos que buscan la comodidad y el poco arrojo así mismo sea hacia un vacío en el que se hubiese al menos destacado su valentía para brindar un vuelco abrupto.

La actriz Mireia Oriol desempeña un personaje que roza la perfección, quizás el único grandísimo elemento de esta película, además de ser basada en una historia real, es la enorme interpretación de la española, poniendo el cuerpo y la psiquis a disposición de su Nevenka a quien hace madurar con el correr del tiempo y que va notándose a medida que se mete más y más en el barro, un visible deterioro físico y psicológico de su misma figura, lamentablemente para su suerte también le llega un momento en el que se siente que la propia película no la acompaña, por lo que se puede distinguir que en ciertos periodos es solo Oriol la que tira del carro a contracorriente, para ser así la única que se ve capacitada para catalogarse como punto fuerte del largometraje.

Soy Nevenka, como hecho real, merecía dejar el ropaje en cuanto a que eso se reflejará en la ficción, pero lo cierto que es lo cinematográfico termina dejando sabor a poco, por su tibieza la que termina remando es una correctísima, casi sensacional Mireia Oriol, la exposición termina acordándose bastante tarde de vertientes que podrían haber nutrido favorablemente con más tiempo de anticipación, dejando solo al final de cuentas, un retrato tibio y calculador que no deja nunca a un lado las formalidades en el temor de las equivocaciones, algo que le termina siendo fatal en miras al resultado final que por lo tanto, como condicionamiento de sus casi dos horas de duración, llega a la meta bastante fatigada tras dar varios pasos sobre su eje.

Calificación: 6.9

¿Quién diría que una biopic sobre Robbie Williams me iba a emocionar hasta casi el borde de las lagrimas y que por consiguiente iba a terminar siendo de mis películas favoritas de la temporada 2024?. Para hablar de Better Man, es solo suficiente mencionar que es todo lo que Emilia Pérez no es, y ya es mucho decir a estas alturas del tiempo, pero no me quedaré allí e iré en búsqueda de detallarla un poco más como esta obra del director Michael Gracey se lo merece, porque esta película entrega mucho más que una visión sobre una porción de vida de un artista, entrega emociones, sensaciones encontradas, una historia de trasfondo en la que no nos veremos indiferentes, un gran musical como elemento propio del artista que se retrata y unas 2 horas y 16 minutos que se pasan volando.

A Robbie, probablemente todos lo conocemos, una gran mayoría lo admiramos y lo alabamos como el artista que es, detrás de Robbie, mucho dinero, mujeres, amigos y familiares, pero aquí lo interesante es conocer a Robert, sus fracasos, sus éxitos, sus perdidas, sus inspiraciones, sus excesos y su ego, sobre todo ese orgullo que le permitió salir adelante, una radiografía profunda es la que práctica el cineasta australiano sobre la vida y obra de Williams, empática, cruda e introspectiva, el camino de Robert a ser Robbie, un camino cargado de espinas y algunas muy poquitas rosas, un campo minado de sustancias y de soledad, ahí de ese lugar, donde según dicen, se sacan las mejores canciones.

No es casualidad que al cantante se lo retrate mediante un animal tan particular como lo es un mono, un personaje que digamos, tiene su medio y su razón de ser bajo la peculiar vista de Gracey sobre el inglés y la imagen de este para con la industria, para con la maquinaría del espectáculo, un personaje del que inmediatamente nos veremos empáticos para con él, un mundo rodeado de humanos en la que solo él es el animal de, se podría decir, ese circo que es el mundo del espectáculo, veremos alrededor de él sus capacidades profesionales, sus momentos plenos de composición y sobre todo se irá dejando ver a esa parte profunda y humana detrás del egocéntrico, porque al fin y al cabo, todos estaremos casi de acuerdo que cuando vemos a Williams, notamos y percibimos solo ese orgullo propio, pero ir bastante más allá es lo que hace Better Man como biopic.

Como musical, es sencillamente fantástico, me es imposible no compararla con la nefasta Emilia Pérez y su sentido del "musical" en ese caso, como consecuencia, esta biopic es todo lo contrario a lo que Audiard entendería como lo que es este género, un género musical perfectamente utilizado por el director nacido en Australia, que, demuestra ser un perfecto entendido en la cuestión, unas canciones que alimentan, tienen sentido e impulsan la trama, los arreglos a las canciones del propio Williams para la ocasión son preciosas, algunas de ellas generan su aparición en momentos donde la vida del personaje genera un quiebre necesario para él, haciendo de esas canciones aún más potentes de lo que acaso ya son, en momentos donde suenan canciones como "Angels" y "Feel" me han sido etapas poderosamente dolorosas y excelentemente utilizadas en los momentos adecuados donde estas deben irrumpir en la escena.

Si hablamos también de musical, es necesario destacar que las canciones no solo se limitan al propio Robbie, sino que esta se hace extensiva a una buena cantidad de otros artistas, en los que algunos de ellos, marcaron la vida del artista, unas coreografías bestiales, maravillosamente trabajados, con grandísimas puestas en escenas, buenos bailes y gente idónea para llevarlas a cabo, algo que insistentemente de mi parte, Audiard debería tomar nota, su diseño de producción y su diseño de animación se nota muy trabajado y con mucho cariño, el solo hecho de trabajar un personaje mediante los efectos animados, da cuenta del arduo y minucioso trabajo que se ha tenido para poder desarrollarlo, lo que es aún más interesante, es que a pesar de nosotros estar viendo en pantalla un mono, nos es inevitable ver al propio Robbie, lo que habla de la buena captura de su esencia a la hora de plasmarlo como figura.

En un mundo normal, la que debería tener masivas nominaciones en la temporada de premios es Better Man, y no cierta película que ya sabemos de cual hablamos, pero lo que es más importante, este retrato del cantante inglés es el que quedará en la memoria colectiva por un buen tiempo, y así lo merece porque cumple lo que promete, es respetuosa, incisiva, reflexiva e íntima, desde ya se deberá empezar a hablar que lugar ocupará Better Man en un hipotético ranking de biopic hechas retratando músicos, porque sin dudas entra y derechito a más de un Top 10 al respecto.

Calificación: 7.2

Película concebida en las prisiones iraníes y parida en las calles del mismo país asiático, el largometraje del director Mohammad Rasoulof respira libertad, revolución y exilio, obra que le iba a costar caro al director por lo que tuvo que soportar vientos y mareas para ver la luz del sol, "La semilla del fruto sagrado" es cronista, testigo y también victima de su historia, así como en la ficción la realidad la ha superado, siendo una pieza fundamental de lucha en países que tienen como principales armas la represión y la censura, haciendo así una totalidad entre la ficción y la vida real de un producto que ha tenido luchas titánicas por hacerse y por darse a conocer al mundo de acuerdo a los acontecimientos que retrata.

Mohammad Rasoulof estaba en prisión cuando le nació la base de su película, que, como siempre tiene retratos políticos y protestantes contra la "cultura" social y política de su país, fue en el mismo momento en que creció la revolución por parte de las mujeres en contra de las leyes que las oprimen lo que dio el inicio a una batalla sin cuartel en la misión de hacer un largometraje que reflejara ese conflicto desde adentro, grandes los filtros de censura que se habrá tenido que sortear por parte del equipo del iraní para no ser detectados durante una filmación clandestina, más lo fue aún si mencionamos que Rasoulof tuvo que caminar a pie por un camino montañoso en el rumbo hacia su exilio, ya que había sido condenado nuevamente a prisión y se le había prohibido su salido del país, hecho por el que también tuvieron que pasar un determinado grupo de su equipo y de sus actores, algunos pudiendo huir y otros, sin suerte de hacerlo.

Su larga duración de 2 horas y 47 minutos responde a una suerte de thriller político y social que va cocinándose poco a poco y que cada vez va caldeando aun más los ánimos, por lo cual corresponde a una consolidación de pesadez mediante el que su tiempo juega un rol fundamental, tratado que se le da ya que no tiene ningún apuro en ejercer esas hostilidades a medida que avanza y de hecho a medida que ya el desarrollo está entrando a sus etapas culmines, si bien un poco flaquea en esos momentos finales, puede decirse que es un desarrollo que va tejiéndose exitosamente a medida que avanzamos en ella.

Fue super sabio a nivel artístico, colocar dentro del montaje imágenes y videos de las protestas reales, que el director fue tomando de las redes sociales, para así ir mezclando la ficción y lo real en momentos donde genera mucha crudeza y bastante impotencia el hecho de ver tales imágenes con la crueldad de como fue que sucedieron, montaje que se hizo en Alemania, país al que recaló el director luego de su exilio y en el que le quedó solo terminar de armar las piezas de su film, agregándole allí esos elementos audiovisuales tomados por la sociedad iraní en medio de las protestas que tuvieron el acontecimiento de los reflejado.

"La semilla del fruto sagrado", más que como pieza cinematográfica (que tiene sus grandes méritos), deja asentado un acontecimiento social casi a manera de documento de memoria, una película que se fundamenta en un ritmo lento pero con decisiones firmes, algo que va como una bola de nieve acrecentándose aún más, en este caso, se tuvo que batallar y duro para que esta película pudiera ser tal, y se agradece al director Iraní y a su equipo que se expusieron a contar tales sucesos así sea que tuvieran que sufrir las consecuencias injustas por ello, The Seed of the Sacred Fig, es un fragmento de vida, de lucha y de libertad.

Calificación: 7.2

La conversación, thriller conspiranoica de la mano del señor Francis Ford Coppola, película hecha entremedio de "El Padrino" y "El Padrino 2", es decir, en el estado de gracia más grande del director estadounidense, una estructura que se sirve mucho de su banda sonora para crear un ambiente muy interesante y que va en aumento a medida que avanzamos y un Gene Hackman sencillamente fantástico, lo que curiosamente me ha sucedido es justamente inclinarme al interés hacia su personaje como si el propio largometraje nos llevara bajo ese rumbo con causa de conocimiento que debiéramos de posicionar nuestra atención en la figura de Hackman.

Su avance es más bien pausado pero determinante, ya que tratándose de Coppola sabía con esa actitud hacia donde quería derivar en su desarrollo en el que interesantemente deja algunos pequeños cabos sueltos de forma a mi gusto acertada, cosas que nos deja solo a la imaginación y que aumenta aun más nuestro trabajo psicológico y el que la propia película no está haciendo a nosotros como espectadores, inquietantemente y con esa integra que irá asomando muy de a poco como film, ella parece estar todo el tiempo en un segundo plano, elemento que muestra el parecer de que ella tiene como principal necesidad el impulsar a su persona protagónica incluso por encima de lo que vaya a estar pasando, porque todo lo que sucede al final pareciera estar alimentando estructuralmente a su protagonista.

Gene Hackman, actor que nos dejó hace tan solo unos días, está excelente en "La Conversación", en él podemos percibir que su misión como figura está construida alrededor de un tipo obsesivo, íntimo, introspectivo y solitario, un hombre que solo tiene el sostén de su trabajo para sentir algo, hecho que es ese estado paranoico empezará a ser tomado poco a poco por todo lo que va surgiendo a su alrededor, es impecable como Hackman expresa muchas cosas detrás de esa aparente inmutabilidad, hecho por el cual la historia y el recorrido del tiempo se irán encargando de ir quitándole las capas para mostrar sus gamas emocionales y todo lo que lleva guardado en su profundidad como persona.

La música es otro condimento que le agrega tensión ya a esa trama bien construida que se inclinó a desandar, jugando todo el tiempo con esas notas y con la atmósfera de lo que va prometiendo en las escenas donde esta decide tomar el papel principal para poder generar esas extrañas sensaciones de que algo sucederá de manera inminente, claro que, el thriller hecho por Coppola no está exento de grandes giros argumentales que no los habremos visto venir ni por casualidad, además de saber guardar muy bien sus secretos que irá soltando muy de a poco, una herramienta muy necesaria y fundamental para que la tensión aumente y descoloque en esos momentos donde busca y sabe sorprender.

Obra hecha entre "El Padrino" y "El Padrino 2", elegida por su propio creador como la mejor película de su filmografía, personalmente me sigo quedando con la trilogía de El Padrino y también un par más por delante, aunque no se le quita méritos a la correctísima consolidación de La Conversación, con un desarrollo y un camino incierto en todo momento en el que no sabremos predecir absolutamente nada de lo que vaya a suceder y con una firme declaración de impulsar una disección profunda de su personaje principal, un Gene Hackman que es el espíritu del largometraje y que se ve entregado totalmente al desarrollo de su figura en la profundidad más introspectiva que pueda llegar a tener.

Calificación: 6.8

"¿Creen en Dios? no hay que preguntarse eso, sino si Dios cree en nosotros", que bien se le da al cine francés retratar sus suburbios, sus conflictos sociales que tan bien saben y pueden reflejarla en el cine, La haine, del director Mathieu Kassovitz, resulta un crudo relato que hace énfasis en sus virtudes de violencia social, de desigualdades, de racismo y de clasismo que, genera aún más violencia, una agresividad muy sutil y con cocción muy lenta pero que siempre el aroma a salvajismo está allí en el aire, algo así como si fuera un circulo vicioso que por esencia del propio ser, está allí, inherente a todos los seres humanos y que por consiguiente, más temprano que tarde esa naturaleza agresiva termina por salir a la luz.

Hay algo de atractivo en esta película francesa del año 1995, y es su capacidad y su mano para poder abordar los conflictos sociales que si bien, los tenemos en todo el mundo, que sea especialmente como objeto los suburbios franceses le da un interesante toque, puesto que ya en otras obras cinematográficas hemos sido testigos de ese cierto salvajismo que se vive en aquellas calles del país europeo, la violencia permanentemente se encuentra presente, desde los hechos que anteceden al desarrollo de la misma y que no se nos muestra porque no nos compete, hasta la mismísima continuidad de ese final, que tampoco nos compete, le dan a la misma una contención sobre lo violento que forma justamente de ella un circulo que no tiene fin y que ronda permanentemente sobre si, desde lo que desencadena todo que no se nos muestra en esta película, hasta lo que queda pendiente, tal que todo es una continuidad constante de barbarie.

Se me ha hecho imposible además, no observarla desde un punto de vista religioso, una analogía acerca de lo espiritual que hace hincapié en el libre albedrio en su energía y en sus formas de cocinar la trama, ya que vemos constantemente como algo que se avecina, finalmente nunca llega, o al menos para nuestros ojos, una virtud mística que sobrevuela esos aires agrestes que referencia a como si tratara por todos los medios de evitar o inevitable o como quien dice, trata de tapar el sol con un dedo, en un grado poético diría que, Dios pone la bala, quien la utiliza es la cuestión en aquel rápido juego perturbador en el que ya vemos predecible de ese "ellos o nosotros" que está latente en cada momento de su recorrido.

El trio protagónico compuesto por Vincent Cassel, Hubert Koundé y Saïd Taghmaoui, son estructuralmente para con el largometraje, disparejos, aunque es una consolidación dispar que construye alrededor de ese particular trio un tire y afloje necesario que va alternando y jugando permanentemente con lo que vaya o no a suceder, obligándonos también a ver así por medio de cada uno de ellos su punto individual de la vida, de lo que los rodea y de lo que les incumbe, algo que al mismo tiempo les irá dando un grado de mutación a cada uno para que luego se puedan dar los correspondientes y exitosos giros argumentales sobre lo que esperamos y lo que finalmente termina por ser en verdad.

En "El odio", la agresividad es su razón de ser, su sentido de pertenencia y su esencia, ya sea social o de lugar, porque es un circulo que se alimenta de si misma para engendrar todavía más racismo, más brutalidad y más daño a una sociedad que gira sobre si y que no tiene fin, brillante tratado que el cineasta francés le da a esa analogía triste con gamas de religión, unas actuaciones de las más interesantes y que entre ellos se genera un combo como si de una bomba que está en cuenta regresiva se trata, o de incluso, el hecho de tener una bala, con lo que solo resta saber quien la va a disparar.

Calificación: 7.5

Para abordar un tema tan delicado siempre sé es necesario una mano que pueda manejarla con naturalidad y con mucho respeto, tal es el caso de Gregg Araki con "Mysterious Skin", hecho por el cual tiene buenos y certeros puntos a favor entre sus claves para poder triunfar teniendo en cuenta que, es una historia bastante delicada y que había que tomarla con pinzas de su parte para que pudiera salirse con su idea de la cual le termina saliendo una jugada con creces, bajo el manto de dos actuaciones muy interesante como son las de Joseph Gordon-Levitt y Brady Corbet, les genera una buena plantilla de transcurso a ambos personajes por separado y logra efectivamente explotar al máximo de las posibilidad cuando lo une.

Encuentra la particularidad de poseer un recurso a su favor que a mi punto de vista le abarca el mayor factor a su favor, de hecho es un elemento que por lo general en las películas si se logra divisar como tal, deviene todo en caída libre para tales desarrollos, en el caso de Mysterious Skin la previsibilidad de lo que está sucediendo le juega a su favor bajo una atmósfera que se torna rápidamente depresiva y melancólica, de un dolor que se sufre tan adentro suya, tan introspectiva, que el grado de ser predecible a la hora de atar cabos nos permite sumergirnos casi instantáneamente en ese ambiente y en ese aire tan abatido que sobrevuela desde sus inicios.

Araki construye dos historias por separado en la que irá tratando de desarrollar a sus dos personajes protagónicos, por un lado las cosas son bastante claras desde un principio en la construcción de uno de ellos, mientras que por el otro las cosas serán un poco más rebuscadas al menos para el propio personaje, ya que a lo poco a nosotros como espectadores, no nos costará demasiado el ir atando cabos sueltos para saber ante que situaciones estamos en presencia de lo que retrata el largometraje, evidenciando así que, cuando el poco tiempo que ambos personajes comparten escena juntos, se genera un elemento propio al necesitar que ellos saquen sus mejores posibilidades interpretativas, cosa que pueden hacerlo a la perfección para otorgarle ciertos grados desgarradores y de amargura bastante más grandes en proporciones de lo que ya nos veíamos venir.

Para empezar a hablar de los personajes propiamente, empezaré por los secundarios, me parecieron muy interesantes las intervenciones de Jeffrey Licon y Michelle Trachtenberg, ambos sirviendo como de una especie de contención, un cierto equilibrio emocional para con la pesada mochila que llevan los protagonistas, presintiendo en ambos personajes el elemento de apoyo en el que pueden confiar un poco, siendo que ambos personajes principales experimentarán distintas maneras de sobrellevar lo que tienen encima o en su defecto, de asimilar lo que les ha sucedido y en como eso evidentemente les ha marcado el resto de sus vidas.

Joseph Gordon-Levitt y Brady Corbet son los encargados de protagonizar la película de Gregg Araki, en ellos, se puede ver a dos jóvenes, distintos entre si, unidos por un mismo drama y dos formas distintas de canalizarlo, de hecho sus cimientos como figuras nos dejan ver que son dos personajes estructuralmente distintos entre si y con casi nada en común, cada uno a su manera busca desembocar lo que llevan profundamente adentro de ellos como pueden, lo que visiblemente los hace personajes que están de alguna u otra manera peleados con la vida y con todo lo que los rodea, las explosividades actorales de Corbet son sumamente impecables y por las cuales le otorgan aun más crudeza a su personaje, siendo que a final de cuentas, veremos que es a quien más le costará asumir por lo que está transcurriendo su persona ante un Gordon-Levitt que su figura ya encuentra asimilación con sus sucesos en los que busca la salida del peligro para poder absorberlos.

Película con temas delicados si las hay, pero favorablemente tratada con mucho respeto y delicadeza de lo que requieren tales cuestiones en las que eran muy finas las posibilidades de que realmente saliera bien en mayores proporciones, cosa que termina por logra esa más que correcta armonía en un desarrollo que transcurre con la naturalidad propia de la depresión y los fantasmas que se cargan por la vida, Joseph y Brady, dupla excepcional que por separado logran proporcionarles lo necesario a sus interpretaciones y logran explotar emocionalmente para con ellos y para con nosotros como espectadores en conjunto.

Calificación: 7.1

Película dirigida por Rob Marshall, guionada por Bill Condon que a la vez es inspiración de una obra de teatro de Broadway que lleva el mismo nombre, aquí es donde el musical es su corazón y sus piernas, se vive, se respira y se piensa como el género, es su contexto narrativo y la impulsa a la vez que la eleva a tonos súper exuberantes y pintorescos, apoyada técnicamente por todos los elementos que un largometraje de estas características debería de abarcar y con un trío interpretativo con muchísima química que generan a fin de cuentas un combo explosivo que transporta enseguida y que hace de Chicago, una experiencia que se pasa volando en sus poco menos de dos horas de duración.

La película bajo tintes de criminalidad y de el elemento de la música, hace una más que interesante analogía acerca de como se ve allí al crimen bajo una óptica de espectáculo, mientras que su sociedad, todo lo que engloba alrededor de esa trama del crimen, se puede ver reflejada hacia lo efímero que resulta el mundo de la fama dentro de las distintas industrias que la engloban, en este caso la teatralización, generando todo eso un más que interesante conjunto lleno de sensualidad, atrevimiento, buenas melodías y con claros aciertos que, son bastantes arriesgados como para poder llevarlos a cabo pero que en este caso le funcionan a la perfección.

Aquí los momentos del género predominante hacen irrupción de la escena en cualquier momento por más de imprevisto que se vea, diciendo que casi el 90% está compuesto de él, siendo por lo mismo un impulso que necesita varios componentes alrededor suyo que justamente están a su disposición y son usados con mucha inteligencia, una escenografía de teatro en sus diferentes momentos, que va acaparando la atención también de distintos vestuarios, cambios de luces, muy pintorescas y acertadas coreografías y sobre todo, canciones que resultan a la vez, una mejor que la anterior, todo lo que fructíferamente la llena de energía y de complicidad para con el género de la comedia, esta desde luego y previsiblemente bajo un toque de humor negro, bastante negro.

Su trío interpretativo es sencillamente maravilloso, con una capacidad para acoplarse a la historia y a sus distintas mutaciones bajo un complementa tan simpático por parte de ellos que le brindan al desarrollo mucha magnitud y mucho atractivo, un elemento compuesto por Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere, a los que, se les da la oportunidad a cada uno de ellos de aportar mediante sus personajes a la historia y al mismo tiempo expandir a sus figuras individualmente, siendo un nutriente constante entre si que logra crear una armonía en la que nos evita a nosotros como espectadores que perdamos el interés del contexto general en el que se desenvuelven.

Chicago rebalsa de energía, de fuerza y poderío estético, a su género lo siente con profundidad y lo lleva a niveles de altísima magnitud, un diseño de producción que está en absolutamente cada detalle en la estructura de todo lo que vemos, desde las escenografías, unos vestuarios y luces espectaculares, unas composiciones musicales deslumbrantes que tienen sentido y son consecuentes para con su historia y unos actores que se entienden de maravilla entre si e individualmente entregan mucho corazón, mucha soltura y compromiso para con ella, una película que merece dentro de su género hacerse cada vez más grande y más imponente tal como es lo que entrega.

Calificación: 7.3

Esencia de película antigua si las hay, Casablanca es de esos films que huelen a historia, a época pasada, un aroma que lo impregna todo en su alrededor y en todos sus elementos que la componen como tal, desde el blanco y negro por designio hasta el contexto del afuera de ella, del mundo real en el que se jugaba en la realidad, hasta es una pieza cinematográfica que retrata sus hechos sociales por lo mismo y no solo de forma cultural para con algún sector en particular, sino extendiéndolo a nivel global por lo que sucedía en ese entonces, por toda esa mística y por como logra darle esa magnitud su director Michael Curtiz, es que esta termina siendo una obra necesaria en lo histórico del séptimo arte.

Es un largometraje que en clara visualización va de menos a mayor, hasta casi rozar la excelencia, es una radiografía clara de su tiempo y de su contexto histórico, un contexto que se ha convertido en historia para siempre, debido a que allá afuera en el mundo real de ese entonces se disputaba la Segunda Guerra Mundial, esas también son las circunstancias de Casablanca, lo que toma ese entorno para agregarle condimentos cinematográficos que refieren claramente a esos amores que se pierden en el camino y se encuentran erráticamente, como si el estar destinados a no ser fuera el obstáculo, también a aquellos que resisten durante esos tiempos, gente de evolución y revolución, hombres y mujeres que ponían mucho más que el cuerpo en pos de cada uno de su patriotismo.

Su duración de tan solo 1 hora y 42 minutos hace que, curiosamente, a partir de sus 20 minutos de comenzada empiece realmente a fluir con naturaleza y decisión, como si a partir de ese período haya logrado encontrar su comodidad y empezara a definir su rumbo, lo que le viene a la perfección, ya que se nos hará natural, dinámica y cada vez más atractiva, con un guion mucho más decisivo a medida que avanza el transcurso de su desarrollo, con unos diálogos que a estas alturas son textos fundamentales en lo que vamos de cine y con grandes aciertos por parte de la dirección de Curtiz que más allá de su buen trabajo en toda la estructura, depende de la buena historia guionada por un nutrido equipo de escritores.

Técnicamente posee la naturaleza de lo pulcro, de lo limpio, esa sustancia le es fundamental para ser bella estéticamente, con un manejo de la cámara realmente consistente, seguro y en el que entrega cada plano con mucha limpieza, cada encuadre le es fundamento de lo visual es esa condición, lo sonoro también es algo que le juega a favor, de hecho bajo un punto narrativo además esta es necesaria, pero todo lo que suena allí es muy lindo y tiene esos sonidos particulares que al día de hoy nos trasladan a otra época como la de aquella en la que se hizo.

Casablanca además cuenta con unas interpretaciones que se complementan entre si muy bien, con un buen nivel en igualdad de condiciones por todos ellos, se ve mucho espíritu por parte de sus actores, aquellos representando a esos hombres y mujeres que huyen del horror, que de alguna manera sobreviven en carne propia a la guerra y a sus propias guerras internas, aquellos solitarios que cargan una mochila emocional encima en búsqueda de aliviar ese peso del que parece cada vez más pesado, destacando en forma particular, por encima la actuación de una impecable Ingrid Bergman.

La película de Michael Curtiz es testigo y cronista de sus tiempos, algo que le juega mucho a favor, pero también es vestigio de amor, de soledad, de supervivencia, de lucha y de renacer, una marcha que se va volviendo encantadora con su correr del tiempo, comodidad que va encontrando ya entrada en buena parte y que logra eso finalizar en un nivel de casi perfeccionismo, convirtiéndola en un proyecto que se hizo y no habrá sabido en ese entonces que habría de marcar huella para lo que venía en su rama artística, porque en todo caso el tiempo la puso en ese lugar y a estas fechas y habiendo pasado mucha agua bajo el puente y mucha vida por delante, Casablanca es de tiempos pasados y futuros del cine.

Calificación: 7.9

Si ponemos en una licuadora distintos condimentos cinematográficos como el romance, el amor, las ambiciones, la melancolía y la soledad, sumándole una muy buena química interpretativa compuesta por George Peppard y Audrey Hepburn y por último una banda sonora que se acopla perfectamente a un más que correcto guion, obtenemos Breakfast at Tiffany's, que bien se podría decir, una imprescindible en cuanto al género de comedia romántica se refiera en lo que además y sin dudas de ello, ha servido de inspiración y homenaje a lo largo de la historia del séptimo arte en lo que le ha venido posteriormente a la obra de Blake Edwards.

La película realizada en 1961 tiene puntos claves que la hacen subsistir al día de hoy ya habiendo pasado tanta agua abajo del puente, y es que es un largometraje que aún mantiene en un gran porcentaje su esencia, independientemente de algún que otro pequeño desbarajuste que no le complica demasiado sus suertes para irse acomodando a medida que avanza, lo cual formula otro de sus elementos favorables, y es que a medida que va desandando su desarrollo, es un contenido que claramente va de menor a mayor, terminando con la mayor posibilidad de focos encima de manera merecida ya que podemos encontrar un tacto de control sobre ella en plenitud que notaremos cada vez que vayan consumiéndose los minutos.

En su apoyo encuentra un guion más que interesante que como si fuera su conveniencia hace choque entre distintos componentes para conformarla, porque de hecho, no es tan amena como para nosotros la convivencia de esas piezas, pero si para ella, siendo como tal una película que bien puede definirse como conflictiva, un tire y afloje constante, como si de una lucha constante por encontrar una comodidad para con los personajes se tratase, algo como que el mundo va girando a contramano de ellos, ese personaje que tiene lo que no quiere y que justamente es lo que necesita el otro, un giro sobre si misma alrededor de los que se encuentran allí en el medio de todo buscando sobrevivir.

Un gran componente que es como tal, demasiado contundente, son las actuaciones de su dupla protagónica de la mano de George Peppard y de Audrey Hepburn, que por separado construyen con mucha eficacia a sus personajes de manera individual y al mismo tiempo se siente una buenísima complementación en conjunto, la confección de sus figuras es extraña y a la vez atractiva, siendo estos personajes los que no terminaremos del todo siendo empáticos en mayor parte con ellos, ya que bien podría decirse que son figuras interpretativas que no buscarán demasiado nuestro cariño y que, por consiguiente pueden mantenerse sin buscar ese aval del espectador al tiempo que no deja de ser muy atractivo lo que consiguen Peppard y Hepburn.

A "Desayuno con diamantes", le queda a la perfección su mixtura de distintos temas que va profundizando en su contenido, el paso del tiempo parece no haberle afectado demasiado a pesar de ser mi primera experiencia con ella, pareciendo ser una película que mantiene en base al tacto que tiene para manejarse, la consistencia y persistencia a tantos años desde entonces, cuestiones beneficiosas tiene muchas, tuercas para ajustar algunas, pero esto último no le es gran escoyo para poder funcionar de igual manera, con una protagonista femenina realmente intratable interpretativamente en lo que hace que todas sus herramientas las tenga a disposición, lo corporal, lo gestual, lo vocal, todo a la orden de que ella sea principalmente quien se luzca y considere también hacer lucir a su compañero de elenco.

Calificación: 7.1