Reseñas

Drácula, la versión del director Francis Ford Coppola de un clásico de la literatura, que habiendo pasado varios años de la incursión del cineasta por esta adaptación, tiene como uno de sus principales objetivos al momento el de haber soportado el paso del tiempo y que a sabiendas de lo que fue ocurriendo en el camino, el hecho de tener que haber asomado la cabeza por encima de varias adaptaciones de la misma novela que han tenido lugar en el tiempo que le ha venido posteriormente, y se puede decir que con sus grises, se mantiene dentro de todo de pie en algunas de sus facetas de las que principalmente tiene como mayor logro un gran elenco que son una pieza fundamental de este largometraje.

El conflicto a destacar con este film, es que al día de hoy en 2025, parece una historia ya contada muchas veces y con razones, hecho por el cual no pude verla como un elemento fundamental del todo tal como realmente lo es, al menos para su historia en particular, siendo si, una de las mejores adaptaciones que se habrán hecho de aquella novela de Bram Stoker pero siendo que se ha sobrepoblado demasiado de lo mismo en nuestras épocas actuales, logra casi apenitas sacar la diferencia si pero con la misma sensación de uno estar viendo lo mismo que ya se hizo muchas veces, aclarando que esta es una revisión en lo que a mi me refiere.

Es interesante la óptica que le da Coppola a su relato, manteniendo a su alrededor una interesante energía que sobrevuela lo erótico, lo pasional y lo sexual, algo bastante más incisivo en esos sentidos de la lujuria para reflexionar bajo similares parámetros como lo son el amor y la muerte, estos dos, como elementos que por más distantes que sean, parecen estar compuestos de manera inherente el uno para el otro, la muerte que salva el amor y el amor que al mismo tiempo mata, fundamentos que generalmente manejan en esos estándares las distintas versiones de Drácula y todo lo desprendido de esta obra pero que, si marca una importante diferenciación en como cada director pueda abordar esos temas y darles un punto de vista propio para hacer que distingan.

Su diseño de producción es de lo más cuidadoso y detallista posible, sus locaciones, sus escenarios y sus maquillajes son cosas que sobresalen en todo lo que podemos percibir a nivel estético, todo se amalgama a la perfección y logra potenciar una visual tal como esta historia debe requerirlo, algunos pequeños efectos quizás hayan quedado un poco atrás en su consideración, pero se entiende como para sus años, el polaco Wojciech Kilar a cargo de una banda sonora que es a niveles ensordecedores maravillosamente complaciente como para su desarrollo, siendo este un componente muy grande a la hora de intentar compenetrarnos a nosotros los espectadores con lo que esta sucediendo y para que, podamos percibirla como una película de características épicas.

Párrafo aparte para hablar de unas actuaciones excepcionales, más específicamente de la gran actuación que destaca por encima de ellas, la de un Gary Oldman intratable, una figura de un espectro maquiavélico al que vemos desde su transformación y en profundidad de sus principios, un maquillaje y un vestuario alrededor suyo que le elevan sus características de ser perturbador en todo lo que desarrolla el actor británico con sus gestos, su postura corporal y sus tonos de voz, siendo esto último algo bastante particular en los trabajos que suele llevar adelante Oldman, con él, una atractiva y atrapante Winona Ryder caracterizada como toda una señorita de época acompaña a la perfección esa química que surge entre ambos y que son chispazos que le dan un aumento en sus niveles al film.

"Drácula, de Bram Stoker", tal como Francis Ford le puso de título para hacer saber de donde venía su principal fuente de inspiración, conforma un film que tiene sus grises más que nada otorgados por el paso del tiempo pero que, también tiene sus importantes luces para poder terminar siendo algo fundamental en su propia filmografía y en el camino desandado por el vampiro en el séptimo arte, estéticamente potente e interpretativamente inobjetable, como relato ya me la sabía porque, la he visto antes y porque así me la han contado la sucesivas películas que se fueron desprendiendo de la obra creada por el novelista irlandés, con eso y todo, se deja ver y se deja disfrutar en grandes aspectos y tiene la motivación de aun poder continuar en esa vía.

Calificación: 7.3

Una de las películas que considero al menos a modo personal, Top 5 en la filmografía del director Quentin Tarantino y que, al día de hoy con su revisión vuelvo a sostener, un largometraje que abarca tanto en su dinamismo y en vitalidad a modo de que es uno de sus grandísimos puntos a favor el hecho de presenciar una obra en la que el cineasta se mete de lleno en la incursión del género de acción y que, para su fortuna continúa encontrando en su contenido aquella esencia natural para aquel que se embarque en una revisión, porque en ese sentido es un film que sigue sorprendiendo y cautivando.

Es clave para Kill Bill que se le dé rienda suelta y total liberación al género de acción, bajo distintas determinaciones que son acertadas para con este punto y que así mismo le dan total autonomía y movimiento, le es fundamental el hecho de no detenerse en demasiadas explicaciones sobre su historia, de hecho encuentra ciertos juegos sobre ella en la que no necesitaremos saber ni ver demasiado en detalle para darnos cuenta de lo que ha sucedido y de la conformación propia de sus personajes para que podamos empatizar con su protagonista independientemente de que haya al menos por ahora, ciertos grises en su estructura y en sus motivaciones.

Aquí como propuesta tendremos mucho la percepción de que perturba más lo que no sé ve y que además le da un guiño al objeto de que no se detendrá demasiado a explicar ciertas cosas, algo que la lleva rápidamente a concretar, a realizar y poder así avanzar en su afán de acción vengativa, además de encontrar momentos acertadísimos en los que va entrelazando escenas en blanco y negro en las que además, también se encuentran pequeñas escenas en estilo anime para referirse a ciertos momentos y pasajes en los que necesita agregar un poco de información extra a determinados personajes y que además, se puede ver lo consecuente de estas decisiones para con ellos y su construcción como figuras.

Otro componente esencial es que con el paso de los años y de las revisiones, sigue sorprendiendo y fascinando del mismo modo, sus momentos de tensión con sus movimientos lentos de cámara, sus crash zoom y demás ejecuciones técnicas son persistentes al tiempo y le sirven en la sintonía de permanecer en un tono de adrenalina e intriga como el primer día, sumándole sus pequeños giros argumentales y cosas que no las habremos de ver venir por más que, ya la hayamos visto anteriormente, por lo que no se torna predecible fácilmente y que puede sacar un as bajo la manga a último momento en su condición de lo inesperado.

Uma Thurman como protagonista lo hace muy bien, no hay demasiados detalles alrededor de su personaje pero, no necesitaremos al menos por ahora buscar ahondar en esos asuntos de origen de ella misma, tampoco necesitaremos entrar en detalles visuales sobre los sucesos que la rodean como para empatizar con ella, sino que en este caso la menor información nos sirve y nos funciona de igual manera para que nos absorba en la vorágine frenética de venganza que se llevará a cabo, detrás de ella un grupo de secundarios que también son lo suficientemente prácticos y particulares como para caber en las características armoniosas de ello, destacando a la cabeza de ellos a Lucy Lui y Daryl Hannah.

Kill Bill volumen 1, tranquilamente puede etiquetarse bajo el dicho menos es más, porque radica en ella una serie de decisiones acertadas que le dan la manija del resto a un género dinámico, atractivo, con mucha sangre, buenísimas coreografías y motivaciones lo suficientemente estructuradas como para que no pidamos que haya lo que no hay al menos en esta primera parte, no necesitaremos ahondar demasiado en las profundidades de sus personajes sino que nos bastará lo justo y necesario además de mantenerse a niveles de suspenso de forma extraordinaria, tal así que es que el tiempo la ha mantenido intacta a una casi, obra maestra de Quentin Tarantino.

Calificación: 7.5

Dolor y gloria se puede caratular con la película reciente más intima de su director, Pedro Almodóvar, podríamos ver en ella reflejada su mirada a través de su interior, su recorrido, su amor por el cine y la adultez que se avizora con ella una inevitable retirada del mundo cinematográfico, pareciendo así un Almodóvar que mira hacia atrás en el camino recorrido, y también que observa allá, más adelante de lo que aún no ha sucedido pero que, se sabe a todos les llega ese momento de planteos inevitables en los cierres de ciclo, toda una interesante idea a priori aunque no todo es suficiente a la hora de llevarlo a la práctica.

Siendo esta la segunda vez que veo la película, debo decir que me ha generado otra vez ese sabor agridulce que me dejó la primera vez que la vi, una sensación de que al final como producto deja debiendo bastantes cosas y que por lo tanto no se permite ser inmersiva ni emotiva para con nosotros los espectadores, conformando sobre ella una serie de decisiones ineficaces que le van quitando poco a poco la capacidad para poder ser atmosférica y trasladar con más certeza esa energía que debería rodearla al ser una película como pretensiones de tanta profundidad que, es innegables que las intenciones y los elementos están, pero que no son tan bien manejados para que puedan arribar a buen puerto.

Entre sus desaciertos se encuentran los distintos fundamentos de juegos temporales que irán armando la historia, en cierto modo ir al pasado al principio de su desarrollo es acertado, puesto que le ayuda a formular ese relato con buena base de contexto, pero la aparición nuevamente del pasado en su "presente" y pasando ya a la segunda hora de metraje le es bastante perjudicial, ya que en esa última hora su fuerza radica en potenciar a lo actual de su desarrollo, impulsando la historia para adelante y tratar así de empujar a niveles de auge que los tiene si, pero pocos y que de hecho cuando llegan a esos momentos se decide interrumpirlos y desintegrarlos por medio de un pasado muy lejano y otro no tan lejano que a esas alturas ya no nos sirve.

Su elenco es característico del propio cineasta español, con un grupo de actores conformado por Antonio Banderas, Penélope Cruz, Cecilia Roth y Leonardo Sbaraglia, a quienes ya hemos visto algunas veces en la filmografía de Pedro, todos ellos y el resto hacen un trabajo muy correcto con lo que tienen a mano siendo que a la cabeza de todos ellos como protagonista principal se encuentra Banderas que lo hace muy bien y casi siempre es garantía pero que, al final él y todos ellos terminan siendo victimas del propio formato de su desarrollo y de las decisiones erróneas que no les permite demasiado la necesidad de ser bastante más emotiva y reflexiva al respecto de lo que se está contando.

Dolor y gloria está bien, es correcta pero se queda cortita, apenitas cumple sin sobrarle nada y al contrario, adeudando muchas cosas, los elementos y las capacidades las tiene pero no las explota, una idea buena pero vagamente ejecutada, sintiéndose así que quizás Pedro haya satisfecho sus gustos pero para con el espectador eso queda bastante a deber, algo que quizás en el grado de ser intimista solo por ahí resuelve las incógnitas y llena a su propio director en el hecho de quizás ser una película de él para él, algo que le juega constantemente una contra a la hora de trasladarnos esas sensaciones a los espectadores.

Calificación: 7.0

Película basada en sucesos reales y dirigida por el cineasta canadiense Jean-Marc Vallée, que ante mi segunda revisión me plantea una óptica similar de cuando la vi por primera vez y que encuentro base en mi crítica personal en la valoración de lo interpretativo, pero que como elemento cinematográfico tanto en algunas cuestiones técnicas como en algunas decisiones tomadas alrededor de ella, la dejan finalmente siendo un producto cinematográfico que si se logra desprender de lo claro, acertado y correcto de su mensaje, termina quedándose algo bastante cortita en cuanto a su ejecución.

Mi principal problema con Dallas Buyers Club radica en todos los elementos propios de su desarrollo, de su ritmo y del control que se puede tener sobre ellos a la hora de desmenuzar sus conflictos, una película que todo el tiempo va apresurada en sus formas y que no se toma ni un solo momento de calma siquiera para tratar de apreciar sus puntos álgidos de dramatismo que le hubiese venido muy bien tratar de absorber el máximo potencial posible de esos momentos que se le presentan, pero por el contrario, en sus fases de auge rápidamente decide bajar los niveles de tensión para no permitirse acentuar en esos componentes que por concreción final, terminan siendo fugaces y visiblemente superficiales sin querer recabar demasiado en la profundidad a la que podría haber aspirado.

Se entiende que la película ronda bajo dos fases claves, el conflicto principal de su protagonista, y la denuncia explicita hacia la industria farmacéutica y el negocio de la medicina alrededor de lo que aparentemente buscan combatir como las enfermedades, deliberadamente el director decide centrar mayor parte del foco en la segunda opción, dejando a mi gusto, una etapa muy rica que podría haberse explotado en grandes aspectos emocionales y reflexivos de la misma profundidad introspectiva de sus personajes, una decisión que vuelca la balanza en la búsqueda de contemplar más su faceta de denuncia pública sobre los hechos que trata de dar a conocer, siendo un largometraje que tiene casi dos horas de duración, bien podría haber repartido una horita para cada uno de esos puntos de desarrollo, hecho que aquí uno de ellos se resuelve desacertadamente a la media hora y todo el resto para su segundo componente.

Lo más avasallante y lo más inobjetable de "El club de los desahuciados", son las interpretaciones de su dúo protagónico, Matthew McConaughey y Jared Leto formulan una química atrapante y muy atractiva como para lo que tienen a mano, está de más decir que son más que correctos todos los reconocimientos que tuvieron por sus actuaciones, más por el mismo hecho de explotar esa armonía entre ambos cuando les toca compartir pantalla, no es del todo la misma suerte individual para cada uno, ya que al ser una desarrollo tan agitado a ellos como piezas individuales no se les permite progresar con un puente de por medio, en lo que resultan cambios demasiados abruptos en lo que responde a ese vértigo constante que estamos viendo, pudiendo en ellos acentuar una figurar mayormente reflexiva en los conflictos que les competen.

El club de los desahuciados tiene una crítica punzante e inobjetable a la industria de la medicina, claro está, sus actuaciones son el elemento con más potencia y que mejores oportunidades le brinda en su poco menos de dos horas de recorrido, lo que le es fallido son el manejo y el control de sus ritmos y de su energía desbordante en el mal sentido, le hace falta parar la pelota y pensar en que momentos debería aprovechar una cierta estabilidad energética para sacarle mejor provecho a un potencial dramático y emocional que se queda guardadito y no sale nunca a flote, la recordaba así y vuelvo a reafirmar tras un segundo visionado esa impresión de una película que si bien correcta me fue desprolija y me quedó debiendo muchísimo.

Calificación: 6.4

"A todos aquellos cuyos cerebros se descompondrán antes que sus corazones". con un cuadro de color celeste y esa frase, arranca Vortex, la película que quizás sea la más humana y la más sensible del director argentino Gaspar Noé, conocido claramente por todo lo contrario allá en largometrajes como Irreversible y Clímax, en esta incursión cinematográfica deja de lado esa irreverencia y esa necesidad de polémica tan suya pero se adentra con igual contundencia en las profundidades humanas para dejar una nueva historia que no pasa desapercibida y que moviliza a partir de la sensibilidad con la que el cineasta trata dicha reflexión que no le es ajeno a absolutamente nadie como lo son la vida y la muerte.

El argentino toma como personajes a una pareja de ancianos, y a partir de allí desanda un descenso en espiral para con ellos a la hora de retratar esa inevitable decadencia en la calidad de vida que se va convirtiendo en algo pesado de sostener que a su momento se transforma en su plenitud de sensaciones asemejadas a la melancolía, a la soledad y a la desesperanza, porque justamente Vortex se encuentra enraizada a la angustia y al abatimiento en esas etapas donde poéticamente vivir, cuesta la vida.

Su mejor aliado a la hora de trascender y de sumergir al espectador en su historia, es su ritmo, bastante pausado y parsimonioso, pero de la misma manera muy sobrio y decisivo, ese manejo de los tiempos va poco a poco incrustándose física y mentalmente en uno como espectador, hecho por el cual, abarca en un agotamiento por el compromiso de experimentarla que le es fundamental a la hora de que se pueda empatizar para con ella, ya que además pocas veces saldrá su desarrollo al exterior a ver la luz del día, por lo que su cámara seguirá casi constantemente bien de cerca a sus personajes por espacios muy pequeños que le brindan un ambiente súper estresante y opresivo, como si el deterioro de la vida les soplara la nuca en todo momento.

Sus actores son Françoise Lebrun y el también director, Darío Argento, quienes encuentran a modo individual y en conjunto un nivel interpretativo brillante como para lo que deben retratar, con momentos corporales bastante comprometidos por parte de ellos y por otros con diálogos tremendamente sensibles, ahí donde el vacío existencial encuentra mucha belleza en su profundidad de ser, alguna vez Noé ha contado que para esta película solo contaba con 10 páginas de guion, por lo que habla muy bien ello de la improvisación para poder mayormente llevarla a cabo y de un interesante trabajo en la dirección de actores que seguro hubo de manera bastante detallada y particular a la hora de generar ese entendimiento y esa transparencia para poder tratar algo tan delicado con el respeto y la dureza que se merece.

La pantalla partida por la mitad ayuda y mucho cuando se necesita comprender por lo que cada uno de sus personajes va pasando y lo que les pasa y no lo dicen, solo en instantes donde todo se deja expresado en el silencio, en las miradas y en los gestos, esas ocasiones que molestan, esos pasajes en los que se ven cargados y en otros en los que se sienten una carga para con el que tienen al lado, todo tan perfectamente equilibrado y acoplado de forma tal que es imposible no sentirse afectado, movilizado y hasta incómodo, si acaso es la palabra, con todo lo que allí se está desarrollando, algo que se está viviendo ahí pero tranquilamente la viviremos todos.

Vortex, de Gaspar Noé, es de esas películas que dejan mucho sabor amargo, esos relatos en donde el temor a la muerte perturba pero aún más se vuelve una carga la vida misma, una reflexión acerca de la fragilidad de esta ante el inevitable paso del tiempo y lo efímero que es este plano donde muchas veces nos creemos superiores pero solo somos algo muy fugaz, el director demuestra que puede hacer gran cine alejado de sus habituales tramas llenas de violencia y polémicas, dejando en claro que no lo necesita para poder trazar una historia que de igual manera, no deja indiferente a nadie, ya que bien, todos estamos signados por el mismo destino.

Calificación: 6.9

"...pero, ¿Qué no todo lo que hacemos es una manera de que nos amen un poco más?, Ethan Hawke y Julie Delpy divagando por Viena, caminando aparentemente sin rumbo alguno hablando de la vida y de la muerte, del amor y de la soledad, un día en la vida de dos solitarios que puede transformarse en todo para ellos, Richard Linklater logra plasmar con tanta sabiduría y atractivo un desarrollo demasiado sencillo en su película, y es justamente uno de sus grandes valores, el poder encontrar en ella esos pequeños momentos valiosos que son solo instantes pero que durarán para siempre en la existencia de las personas.

Before Sunrise es una de esas historias que cualquiera de nosotros podría tener, o tal vez siendo pesimistas, de esas que solo viven en la imaginación de aquellos que buscan escapar de la rutina, de la sociedad y del mundo que los rodea aunque este les sople la nuca constantemente y a donde sea que se escape, una experiencia reflejada a través de sus personajes de una manera tan simple que a su vez pareciera que esa sencillez es esencia pura para poder convertir esas vivencias en un plano superior, que está fuera del alcance de todo, algo que le es ajeno a la vida y a la muerte y que de hecho, es algo que las trasciende.

La sinopsis de por si, ya me atrapó y no me ha decepcionado su recorrido, curiosamente atractiva y magnética, solo exige dejarse llevar por esa sola hora y 45 minutos de duración, como si de promesas de encontrar algo atractivo en las andanzas de dos desconocidos entre si haciendo cosas que cualquiera de nosotros haríamos en algún lugar desconocido se tratase, y si que cumple con esa promesa, lo simpático y lo cómodo que se siente compenetrarse con esas dos personas solas en la vida que encuentran quizás en ese momentos, las razones de sus existencias.

Uno de sus puntos más fuertes es que se siente la química entre sus dos personajes interpretados por Ethan Hawke y Julie Delpy, una relación que se siente natural y que va progresando con total armonía y casi imperceptiblemente, unas conversaciones que se envuelven con buen tacto mediante buenos diálogos algunos más simples y algunos otros más complejos, pero con el mismo grado de elaboración entre unos y otros, hecho por lo que abarcan ese elemento esencial a la hora de poder construir individual y colectivamente a ambas personas.

Naturalmente al dejarnos llevar por su relato y a medida que avanzamos, vamos conociendo sus creencias, sus filosofías y las cargas pesadas que llevan a sus espaldas, en esos encuentros verbales se entrecruzan permanentemente reflexiones acerca de la vida, de la muerte, de la existencia del mundo y de las personas, de los momentos que son para siempre y de aquel hecho de nunca más volverse a ver, entre tanto se encuentra algún que otro personaje secundario, que dicho sea de paso demasiado no importan, o con justa razón no son importa tanto ya que vamos anclados a esos dos escapistas de lo cotidiano haciendo casualmente, cosas cotidianas.

Before Sunrise, primera película de una trilogía llamada "antes de...", de Richard Linklater, revisionando, la primera de 1995 al encontrar tanta naturalidad y al reflexionar de temas universales con una de las más sencillas ideas como motor, se mantiene intacta como cada revisión que se le pueda dar, Hawke y Delpy representan con eficiencia tanto individual como colectivamente aquellos sucesos que les toca desarrollar a sus personajes con una química y un entendimiento fantástico, una película que atrapa desde el primer minuto y no suelta hasta el último y que solo tiene como exigencia el deseo de que uno solo se deje llevar a ese viaje desconocido a las entrañas de la sustancia humana.

Calificación: 7.3

Película del director y también actor Clint Eastwood con la que ganó 4 premios Oscar de 9 nominaciones, en las que se incluyen Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor de reparto y Mejor Montaje. Por lo que tanto reconocimiento habla en principio de su enorme calidad y de su importancia en la filmografía del director, dicho que en verdad no decepciona para nada con lo que se espera de ella e incluso, en mi caso ante mi segunda vez que la veo, sigue manteniendo esa interesante esencia que se ve reflejada en lo que busca retratar y en la capacidad que tiene para poder arribar a ellos sin que el tiempo le haga mayor daño a una obra que se mantiene prácticamente intacta.

"Los Imperdonables", es un largometraje que más bien le da una vuelta de tuerca a lo que se refiere del western tradicional, buscando en ella reflexionar sobre ejercicios que abarcan en su historia a elementos como la moral, la amistad y el amor, curiosamente, en un desarrollo que podríamos decir, se encuentra rodeado de antihéroes, en el que nosotros como espectadores no veremos obligados a empatizar de entre sus personajes principales, con el menos malo, o con el menos villano, porque de hecho se pueden encontrar opresores muy opresores y opresivos muy opresivos, por lo que en su punto medio que allí radica lo interesante, se verán esos diferentes personajes con honestidad e integridad bastante dudosas.

Desde su enunciado de inicio también nos hace saber que estaremos en presencia de un progreso regido por la melancolía y los tormentos de un pasado bastante tumultuoso, no hace falta decir demasiado de que a Eastwood le sale muy bien el hecho de hacerles sentir penurias y pesadumbres a sus personajes, e incluso el suyo cuando le aplica también la actuación en sus proyectos, esa confección de hombres toscos y rústicos que parecen de piedra pero que en el fondo, en su mirada se les puede percibir esa aflicción y esa amargura que tienen bien guardada en sus profundidades.

Rápidamente encuentra en su ritmo una estabilidad y solidez que le permiten fluir con total normalidad y seguridad de lo que se está haciendo, hablando bien en ese caso de la dirección de Clint que pareció inspirado al momento de lograr moldear todos sus componentes al servicio de esa consolidación que a medida que avanzan los minutos se afianza cada vez más, si hay algo muy destacable en su ejecución, es la inteligencia para poder manejar sus tiempos, no se la ve en ningún momento apurada y permite que todo encuentre su punto de cocción ideal.

La química del propio director/actor acompañado de Morgan Freeman es casi perfecta, la elaboración de dos vaqueros del lejano oeste que miran con lejanía el pasado que tuvieron y que bien la propia vida, o la propia vejez fue la encargado de ablandarlos un poco, tornando así alrededor de ellos un pasado oscuro y sus actualidades grises como personas, que por lo mismo anteriormente mencionado, resultan así unos hombres que se los puede definir como antihéroes y no les brinda la posibilidad del todo de permitirse ser héroes, ya que el pecador no está pero los pecados aún se encuentran intactos.

Párrafo aparte para la actuación de Gene Hackman, actor al cual a su personaje si se le otorga la posibilidad de ser más director con sus acciones y con sus consecuencia, por lo tanto escalar más directamente en el rechazo de nosotros como espectadores para con él, uno de los villanos que justamente se encuentra en uno de los extremos más grandes de un film cargado de grises a la hora de componer a sus figuras, la de Hackman es una personalidad segura y fría que cuando le toca compartir pantalla con la figura del personaje de Eastwood, la pantalla saca chispas de ese duelo y es además en los momentos en que logra reflejar su mayor escalada de tensión en momentos además muy eficientes.

Unforgiven a gusto personal, es película Top 5 realizadas por Clint, y probablemente se encuentre en mi Top 10 de mejores películas del género del western, hay bastante atractivo en la dudosa ética y honradez de los hombres allí fabricados y más aún en la firmeza direccional a la hora de poder moldear todos esos componentes para hacer una película que tiene como fortaleza el manejo sólido de sus ritmos y la suficiente lucidez para hacer valer esa determinación que tiene consigo en la gran mayoría de sus aspectos, haciéndolos explotar y entregar lo mejor de si al máximo.

Calificación: 7.8

Se educa como se vive, lo que el director alemán Ilker Çatak logró con "El salón de profesores" puede deducirse más bien como una especie de "thriller educativo", si es que acaso se permite la introducción de ese término en el mundo del cine, una institución es parte de una sociedad y como tal se puede encontrar cualquier tipo de personalidades adentro de ella, por lo que deja en evidencia que tal vez seamos la educación que recibimos y que seamos educados como vivimos, toda una variante de acciones y decisiones que giran alrededor de si mismas y que demuestra que ese universo educativo no es diferente a lo que pasa allá afuera.

Para iniciar la película no se anda demasiado con preámbulos y prácticamente que nos introduce de inmediato en sus intenciones principales, aunque si bien por el momentos en los pocos minutos de iniciada notamos cierta tranquilidad y cierta cordialidad y buen trato entre los individuos, por el ambiente también notamos que ya hay una energía extraña sobrevolando ese establecimiento, un aire que poco a poco irá deteriorando esas relaciones simpáticas hasta ese momento que irá cambiándolo todo por suspicacias, desconfianzas y sospechas.

El salón de profesores reflexiona acerca de como ese contexto no está muy alejado de lo que es la sociedad en si, allí existen los protocolos burocráticos, los racistas y xenófobos, los que acusan gratuitamente y los que defienden bajo el mismo punto, la diferencia tan fina entre libertad de expresión y amarillismo, existe la censura, también el poder de autoridad que a veces se convierte en abuso de autoridad, los idealistas que se los lleva puestos el sistema y tantas cosas que se comprenden alrededor de su importante número de personajes que logra hacer de esa comunidad, ciudadanos que el día de mañana trasladarán esos componentes a la multitud que hay ahí afuera.

Acertadamente para lograr crear eficientemente toda esa atmósfera, todo se empieza a generar a través de un encuentro bajo el thriller psicológico a grandes e interesantes escalas de tensión, todo empieza a teñirse de desconfianza, con climas que invitan a las asperezas y cuestionamientos, acusaciones y defensas de las que hasta nosotros mismos como espectadores empezaremos a dudar de que en verdad es lo verídico y que es lo falso, hasta empezará a surgir ese interesante juego de sospechar de que si lo que vemos es realmente lo que está sucediendo a través de los juegos que plantea el director de mostrarnos lo que él quiere que veamos y que pensemos lo que también él pretende.

Gran protagónico de la actriz alemana Leonie Benesch, en ella recae toda esa bola de nieve gigante que se va alimentando minuto tras minuto, de hecho todos los personajes secundarios están dispuestos para recaer psicológica y emocionalmente en su personaje principal, no tardaremos demasiado en ver como las situaciones que ella cree tener totalmente controladas se le escapan de las manos y el elemento anímico que la supera al verse excedida por todo lo que allí está sucediendo y el contemplarse a si misma en el ojo de la tormenta, como si de alguien con quien desquitarse se tratase.

Das Lehrerzimmer es un largometraje exigente que logra impactar y no deja indiferente, es notable y de destacar la capacidad que tiene para introducir al espectador a su juego y que uno pueda notar cuales son sus pretensiones durante esa hora y 38 minutos de duración que de hecho le es un tiempo suficiente para volverse un film bastante intenso, al final todo esto está alejado del famoso dicho "lo que pasa en Las Vegas, se queda en Las Vegas", porque en este caso, lo que pasa en las aulas, traspasa a la sociedad.

Calificación: 7.6

Primera conclusión de esta reseña, necesitamos que Mike Mills dirija películas con mayor continuidad. Porque si acaso el estadounidense encuentra un rumbo asemejado a lo que son sus dos últimas películas, el hecho de que dirija tan de vez en cuando, nos hace pensar que nos estamos perdiendo muchas buenas historias suyas, justamente la última de su filmografía fue allá por 2021, con C'mon C'mon, pero hoy nos toca hablar de su anteúltima película, 20th Century Women, una que tiene tal capacidad y tan buen criterio del encanto, que es casi lo único y suficiente que le hace falta para llegar a ser un proyecto que con tal atractivo, se mantiene intacta al menos, en mi caso que es la segunda vez que la veo.

En un Estados Unidos a finales de los años 70, un país y una ciudad en mutación incontrolable social y culturalmente, en ella, un grupo de personas que sobreviven a la soledad, a la maternidad, a la melancolía, a la adolescencia, y todos ellos, sobreviven a la vida misma, si bien ya con esa especificación estamos hablando de que nos esperará un desarrollo que buscará indagar en nuestras profundidades emocionales como espectadores, se debe mencionar que tiene tal facilidad para aderezar su historia con ligeros toques de comedia que le sientan muy bien a la hora de concebir ese cautivador y simpático desplazamiento que la lleva a durar 1 hora y 59 minutos.

Tal como el título lo sugiere, "Mujeres del siglo XX", puede percibirse bajo cierto hálito feminista, aunque sin caer en los extremos, detalle no menor a la hora de que pueda ser una historia natural que no cae en esos puntos excesivos ni de un lado ni del otro, sino que solo nos invite a dejarnos llevar por su punto de vista contado mayormente a través de la visión de mujeres para desembocar en pequeñas porciones en también la percepción de la vida del joven protagonista junto a ellas.

Debo decir que por momentos me ha parecido ciertamente inestable, si, o más bien intermitente, sobre todo en sus etapas de inicios, momentos en los que por espacios me ha dado la sensación de que no se sabía demasiado en donde estaba parada y para donde quería ir, por suerte esas etapas se disipan con más facilidad ante su potencial en la búsqueda de encontrar cierto relato dinámico, energía por la cual finalmente terminaremos optando más allá de sus pequeños pasajes con baches que no le representan mayor problema a la hora de avanzar con normalidad, ya que pareciera pretender retomar ante esos estorbos pequeñitos la senda nuevamente de lo ágil, encontrando así sus mejores versiones.

Tiene el agrado de invitarnos a transitar distintas estaciones emocionales, ya que como esa ciudad va en mutación constante, sus personajes además nos obligarán a detenernos en sus períodos de transición y de adaptación a las situaciones que les van surgiendo y que los enfrentará a las barreras inevitables de la vida para superarse a si mismos, me ha sacado varias muecas de sonrisas y alguna carcajada también, por otros me ha hecho emocionar y un poco me ha hecho crear un nudo en mi garganta, todos esos tramos puedo decir que genuinos, ya que he encontrado cierta complicidad para con lo que propone Mills.

Me ha interesado mucho las gamas interpretativas tanto individuales como a nivel colectivo de sus protagonistas, Annette Bening, Greta Gerwig y Elle Fanning, personajes con muchas cosas diferentes entre si por la misma cantidad de cosas en común, muy atrayentes son los toques que cada una le aporta al desarrollo y a sus personajes en particular, por el mismo hecho de que incluso se potencian de igual manera una con la otra entre las tres y así mismo le entregan la posibilidad al joven Lucas Jade Zumann de dar también sus destellos actorales.

Mike Mills y un largometraje que enriquece y cautiva, noble y de buena madera, se necesita que el director estadounidense dirija con más frecuencia largometrajes, una obra sutil, grácil y bastante suelta, tiene sus altibajos pero son más sus pro que sus contras, el trío Bening, Gerwig y Fanning le otorgan una frescura y una desenvoltura muy bondadosa, nos invita a sumergirnos en esas aguas ligeras y el dejarnos llevar a donde quiera que sabremos al poco tiempo de que serán buenas costas a las que pretende llegar, totalmente recomendable y desde luego, se presta a verla varias veces, la mía es la segunda vez que le doy una oportunidad y ya pienso en el momento de volver a ella una vez más.

Calificación: 7.0

¿Qué estás dispuesto a hacer para alcanzar tus sueños? esos objetivos de vida, esos anhelos y ambiciones por las cuales luchar son las que toma Aronofsky de sus personajes para convertirlos poco a poco en sus peores pesadillas, Requiem for a Dream es una reflexión crudísima que tiene como eje las adicciones a las sustancias para arribar en profundidad a cuestiones referidas a la soledad, la nostalgia, el desamparo y la crítica hacia la sociedad del consumismo, no solo de sustancias sino de moldes estéticos y de status que los equipara como objetos de entretenimiento.

Probablemente sea el largometraje más deprimente y oscuro del director estadounidense, una película donde la cosa no arranca bien para sus personajes y cada vez se torna más y más decadente para ellos, una especie de descenso en espiral que todo va empeorando bajo una serie de eventos constantemente negativos que va en retroalimentación progresivamente hasta que llega el punto en el que todo ese viaje toma un tramo hacia la declive sin control y sin retorno, interesantemente toda esa progresión va estructurada sobre las estaciones del año, las cuáles el cineasta toma para conformar ese arco de deterioro en su historia.

Todo arrancándolo en un soleado verano para presentarnos a sus personajes, el círculo íntimo que se conforma entre ellos y además aprovechando para ilustrarnos a cada uno de ellos individualmente desde sus aspiraciones y sus sueños a alcanzar, los cuales no tardará demasiado tiempo para demostrarnos que esos personajes estarán dispuestos a todo, y bastante más con el correr de los minutos, para conseguir esas metas que también pueden percibirse que detrás de esos motores que impulsar a perseguirlos se encuentran claras fragilidades personales en las cuales podemos encontrar mucho vacío existencial, insatisfacción y desesperanza.

La continuidad se da a través de un otoño donde no azarosamente caen las hojas, las vidas de sus protagonistas también toman esa especie de altibajos en las que nos introduce en esa perturbadora cotidianeidad de los excesos para tapar agujeros profundos, para evadir sus realidades en varias y reiteradas secuencias de imágenes repetitivas unas tras otras, ya sean billetes enrollándose, polvos, pastillas, la vida que les vuele a sonreír por un instante de calma, instante que quizás les resulta eterno pero que apenas durará hasta la siguiente secuencia de imágenes repetitivas y otra vez, billetes que se enrollan, polvos, pastillas y así hasta formar un circulo vicioso de pánico, manía y serenidad en un sistema giratorio que no tiene fin durante esa etapa.

Cuando la historia es alcanzada por el invierno, nos da cuenta de las consecuencias por los actos que esas personas han tomado, un desenlace que se veía venir y que se va conformando a través de esa hora y 42 minutos con total agonía, es interesante como el factor técnico juega mucho su papel a la hora de hacernos inmersivas las experiencias psíquicas y emocionales que se van viviendo, con la utilización de cámaras que están en constante movimiento y la habitual tecnica en el cine de Aronofsky como lo es la Snorricam a la hora de transmitir esas sensaciones de euforia y confusión para que podamos experimentar esa vorágine en la que está naufragando un adicto.

Jared Leto en un papel realmente sublime en la que hace se desarrolla individualmente y además fortalece a sus compañeros de elenco, especialmente a una magnifica Ellen Burstyn, dueto con el que además buscará explorar esa interesante e intensa relación madre e hijo en la que ambos se encuentran entre las expectativas, las ilusiones, las desesperanzas y el duelo que persigue a sol y sombra a aquellas personas que se aferraron a esas vidas que ya no están más en ese terreno.

Los sueños que terminan en pesadilla, Requiem for a Dream puede decirse que es una película que educa sobre el perjuicio y la destrucción del mundo de las drogas, un desarrollo y una ejecución que se siente, moviliza y no deja para nada indiferente termina dejando como saldo ese agotamiento al espectador de que se ha visto algo que solicitó exigencia y que al mismo tiempo hipnotiza por la lucidez para retratar justamente lo contrario, las alucinaciones, las obsesiones y una profunda angustia existencial, el cineasta nacido en Estados Unidos goza del status de haber hecho un largometraje que no importa cuantas veces se vea, siempre se sentirá como la primera vez.

Calificación: 8.5

Alex Garland hace de Civil War una profunda degradación del ser humano en tiempos hostiles de guerra, moldeando a sus personajes y sus mentes en un terreno donde se muestra el peor rostro de las personas, a través del fotoperiodismo plasma desde adentro el conflicto y lo desmenuza hasta lograr hacerlo reflexivo desde lo profundo de esas entrañas y de esa razón de ser, al mismo tiempo que mira para atrás y se pregunta si acaso las advertencias no fueron escuchadas, que se vuelven a repetir tales eventos dañinos.

La película nos presenta dos frentes, dos puntos de vista distintos de la guerra, uno, desde la experiencia, de alguien que ya ha tenido varias batallas documentadas encima y de las que sabemos, ha salido ilesas en todas ellas, por otro lado, la juventud, la principiante que sigue ese ejemplo y que se mete profundo a un barro que todavía no conoce, el director ejerce sobre tales figuras el moldearlas psicológicamente durante el transcurso del film para retratar como en esas personas que están en el medio de las disputas también les pasa factura emocional el hecho de estar con la muerte respirándoles desde cerca.

El director estadounidense quizás esté anclado a una filmografía cargada de ambigüedades en las películas que ha realizado en su carrera, a mi gusto personal, Civil War es la más directa de todas ellas, resultando claramente en una visión bastante descarnada, realista y brutal de los rastros que dejan los conflictos bélicos ahí donde sea que pasen, tenemos claro entendimiento acerca de lo que está sucediendo y entre quienes se suscita tal pugna, de hecho cada tanto cuando desea se detiene a refrescarnos la memoria sobre que bandos son los que luchan y demás, aunque esa claridad acertadamente se pierda cuando toca reflejar la crudeza del campo de batalla, donde solo vemos en grandes proporciones, hombres disparándoles a otros hombres.

Hay escenas, en particular resalto tres, que dejan en evidencia el hecho de que no necesitamos enfocarnos entre quienes se combaten, sino solo el solicitar que veamos lo innecesario que resulta ver el como la propia raza humana se autodestruye a sí misma, una de esas escenas en particular lo tiene de protagonista a un aterrador Jesse Plemons que con frialdad y convicción le pregunta a sus interrogados, "¿Que tipo de americano eres?", como si el hecho de ser de una determinación de estadounidense mereciera depender su vida, declaraciones como esas en diferentes momentos de distintos personajes hace tambalear la moralidad de sus convicciones, del saber para con ellos del por qué se está luchando y la vuelve solo un esquema de ver quien dispara primero, lo más asemejado a la famosa frase "ellos o nosotros".

Técnicamente, sobre todo su diseño de sonido me ha resultado implacable, el juego constante entre esos ruidos ensordecedores cuando se escucha un disparo o explota una bomba y esos silencios perturbadores que muchas veces, aturden más que la propia sonoridad propia de una guerra, Cailee Spaeny y Wagner Moura gritando en absoluto silencio me ha resultado en un fragmento durísimo de como sus personajes hacen catarsis sobre aquellos momentos que los superan emocionalmente.

Poco a poco vemos como todos sus personajes y a sus distintas forman, caen en el profundo deterioro de lo que les significa experimentar esas sensaciones, es interesante notar como la persona más experimentada de ellos termina viéndose abatida emocionalmente y como la persona que hasta momentos previos se veía superada por la situación es la que finalmente se termina metiéndose más profundo en esas cuestiones, dos puntos diferentes que a su modo fueron cambiados durante el trayecto, sometiéndose así al deterioro que produjo en esas ambas partes las vivencias de la guerra, todo un trayecto en el que la disposición de empuñar un arma o el juego del todo por una foto, es bastante envilecedor de una raza en tiempos turbulentos.

En un momento el personaje de Kirsten Dunst menciona que ante cada zona de guerra en la que sobrevivió, pensaba que con sus fotografías estaba enviando una advertencia al respecto sobre lo que no se debe hacer, y sin embargo está allí, a donde otros humanos la empujan a vivir una y otra vez, la misma fatídica experimenta y travesía del sobrevivir, Garland no se anda con vueltas a la hora de reflejar con crudeza y visceralidad el daño que hacen los conflictos bélicos y más aún, el utilizarlos para moldear a sus personajes y ponerlos frente a frente contra sus estructuras éticas y morales en el que la pregunta es, ¿Vale todo por una foto?.

Calificación: 7.6

El amor según una solitaria de la vida, el optimismo a pesar de los obstáculos, el aferrarse a la pequeña y fugaz felicidad en tiempos de melancolía, Frances Ha es una película que sirve como refugio para aquellas personas que huyen acaso de la propia vida, sin saber hacia donde van, una obra encantadora y triste por igualdad de condiciones en las que su director Noah Baumbach va trazando con eficiencia a través de las vivencias de su personajes, esos sinsabores, esas derrotas y esa angustia profunda de lo que significa la existencia.

Más allá de su duración de solo 1 hora y 26 minutos, es un film que realmente se me ha pasado volando, rápidamente se me hizo super seductora y atractiva en la forma en como se van desentrañando esas sensaciones de lo cotidiano en el día a día de su figura principal que, cuando quise darme cuenta ya estaba terminando, un desarrollo que más haya de presentarse como si fueran una especie de constantes viñetas, tiene una fluidez que le otorga la capacidad de circular sin mayores problemas durante su tiempo.

Frances, una chica de pocos amigos, aunque más bien ninguno, con un novio que al decir verdad, tampoco tiene, una persona que va solitaria por las calles soñando con sus sueños de ínfimas posibilidades a cumplirse, sin embargo bien pueden ser su única razón para seguir adelante en un ambiente social que la hace sonreír aunque no tenga motivos para hacerlo, alguien como que está en su pequeña burbuja por momentos en la que va corriendo, y salta y baila en la calle como si todo lo que hubiese a su alrededor no le afectara en nada, aunque sabemos por su mirada, que todos los días es la misma batalla para ella ahí afuera.

La actriz Greta Gerwig personifica detalladamente a esa persona que a cuentagotas se deja ver interiormente, pocas veces se permite a si misma mostrar sus sentimientos y sus convicciones, por momentos reflexiona de lo que ella pretende sobre el amor, sobre la vida y la compañía, aunque también muy en el fondo ella no se crea merecedora de recibir lo que pretende o lo que necesita para sentirse completa, cuestión que por momentos es una persona que choca y que nunca encaja para con los demás, por momentos obtiene pasajes de absoluto aislamiento, trazos de drama que adereza además muy eficientemente con un cierto toque de comedia.

Frances Ha con sus aciertos y sus errores, se deja ver tal cual es, al igual que demuestra a pleno a su personaje principal con tal transparencia y magnitud que la hace encantadora y envolvente, 1 hora de 26 minutos que se me pasaron volando bajo esa esencia de saberse noble a pesar de sus impulsos de fallar, un vistazo de las amarguras de la vida y una meditación sobre el amor, la amistad y el salir adelante a pesar de las barreras de todos los días, del hecho de que por más que cueste, todo pasa, todo sana y siempre como sea, se sigue adelante.

Calificación: 6.9

Definitivamente una mala y no buena película de Superman en la época de los dos miles a comparación. De otras películas que se han sacado de el

Como Fazer uma reserva no

Hay películas que no solo cuentan una historia, sino que se atreven a cuestionar el mito mismo sobre el que fue construida una civilización. La última tentación de Cristo, dirigida por Martin Scorsese y basada en la novela de Nikos Kazantzakis, es una de esas obras que no buscan blasfemar, sino humanizar lo que por siglos se consideró intocable.

Desde su estreno, el filme fue un torbellino de controversia. Pero más allá de los debates religiosos, lo que Scorsese logra aquí es un retrato íntimo, doloroso y profundamente humano de Jesús: no como el ícono perfecto e inalcanzable, sino como un hombre que lucha entre su divinidad y su fragilidad, entre el deber y el deseo, entre el sacrificio y la vida que podría haber tenido.

Willem Dafoe, en una de las interpretaciones más arriesgadas y honestas de su carrera, encarna a un Cristo que tiembla, duda y sufre. Su mirada no tiene la serenidad del santo, sino el conflicto del hombre. En él habita la contradicción más poderosa de todas: querer amar al mundo y, al mismo tiempo, tener que renunciar a él.

Scorsese, con su habitual dominio visual, crea un tono que oscila entre lo místico y lo terrenal. La cámara se acerca con reverencia, pero también con crudeza. Las desérticas locaciones de Marruecos sirven como espejo del alma: vastas, áridas, y sin embargo, llenas de un silencio que parece escuchar. La música de Peter Gabriel —hipnótica, espiritual, casi tribal— añade una dimensión sensorial que convierte cada escena en una experiencia casi litúrgica.

Pero lo más provocador de la película no es su interpretación teológica, sino su sinceridad emocional. Scorsese plantea la posibilidad de que el Hijo de Dios haya conocido el miedo, la duda y la tentación de ser simplemente humano. La secuencia central —la famosa “última tentación”— no busca escandalizar, sino revelar el conflicto universal entre el deber espiritual y el anhelo de amor, placer y vida ordinaria.

En lugar de destruir la figura de Cristo, el filme la enriquece. La transforma de símbolo distante en ser comprensible. En ese sentido, La última tentación de Cristo no es un ataque a la fe, sino una meditación sobre ella. Scorsese, un católico obsesionado con la redención y la culpa, utiliza esta historia para explorar su eterna pregunta: ¿cómo se vive con el peso del destino?

La dirección es magistral. Cada plano está pensado como un diálogo entre lo divino y lo humano: una cruz que se alza sobre el horizonte, un rostro bañado en polvo y luz, un suspiro antes del sacrificio. No hay grandilocuencia hollywoodense; hay intimidad, sudor y polvo. Este Jesús no camina sobre el agua: se arrastra, cae y se levanta. Y en ese esfuerzo está su grandeza.

La interpretación de Harvey Keitel como Judas es otro punto fuerte. Su Judas no es el traidor arquetípico, sino un amigo fiel atrapado en el dilema de la obediencia y la lealtad. En manos de Scorsese, incluso el acto de traición se convierte en un gesto de amor confuso, lo que da al relato una complejidad moral casi shakesperiana.

La última tentación de Cristo no es una película para reafirmar creencias; es para quienes se atreven a mirar la fe con ojos humanos. Su grandeza radica en no ofrecer respuestas, sino en plantear las preguntas que toda alma inquieta se hace alguna vez: ¿y si la santidad no consiste en ser perfecto, sino en seguir adelante a pesar de la duda?

Más de tres décadas después, sigue siendo una de las películas más valientes del cine moderno. Scorsese no buscaba herir, sino entender. Y al hacerlo, logró filmar quizá la versión más honesta de lo que significa ser divino… y, sobre todo, humano.

Siempre que veo este tipo de películas he sobreentendido lo que contiene su guion con uno u dos cambios, siempre las hermanastras terminan acabando con la paz de la familia, nunca ha sucedido al contrario que la hermanastra ayude o quiera a su nueva familia cuando hay títulos como estos solo nos queda ver de que otra manera obrara mal la hermanastra

Hay filmes que traspasan los límites del cine, no por su espectacularidad ni por su belleza, sino por el abismo moral que deciden explorar. Una película serbia (A Serbian Film), dirigida por Srdjan Spasojević, es uno de los ejemplos más extremos y controvertidos de la historia reciente del séptimo arte. No es una obra para recomendar a la ligera, ni siquiera para “ver por curiosidad”. Es una experiencia que pone a prueba al espectador, cuestionando no solo lo que ve, sino por qué decide mirar.

La trama gira en torno a Miloš, un actor porno retirado que acepta participar en una misteriosa película “de arte” prometida como su última gran oportunidad económica. Sin embargo, lo que comienza como una propuesta intrigante se transforma en una pesadilla inimaginable. Desde ese punto, la película desciende a los rincones más oscuros de la violencia y la deshumanización, en una espiral que parece no tener fondo.

A primera vista, podría parecer simple provocación. Pero Una película serbia va más allá del shock visual: es una metáfora brutal sobre la corrupción del cuerpo y del alma en una sociedad marcada por la guerra, la explotación y la desesperanza. Spasojević utiliza la pornografía y el horror extremo como símbolos de un país —y, en última instancia, de una humanidad— que ha perdido toda noción de inocencia.

El problema (o el mérito, según cómo se mire) es que su mensaje está envuelto en imágenes tan grotescas que la mayoría del público nunca llega a percibir la crítica subyacente. El director no da respiro ni espacio para la interpretación amable: convierte el acto de mirar en una forma de complicidad, haciendo que el espectador se sienta tan atrapado y violado como el propio protagonista.

Técnicamente, la película es impecable. La fotografía es fría y asfixiante, los encuadres milimétricos, la actuación de Srdjan Todorović (como Miloš) es desgarradora. Todo está calculado para que la sensación de horror no se diluya ni por un segundo. Pero esa precisión es también su condena: al no dejar espacio a la sutileza, Una película serbia se convierte en una experiencia tan devastadora que muchos la consideran inaceptable.

Y es entendible. Este no es cine de entretenimiento, ni siquiera de reflexión inmediata. Es una obra límite que te enfrenta a la pregunta más incómoda que puede hacerte una película:
¿Qué parte de ti sigue mirando cuando ya no hay nada que salvar?

La intención de Spasojević es clara: denunciar una sociedad que explota a los débiles, que convierte el dolor en espectáculo y que disfraza la violencia estructural con discursos de moral y arte. En ese sentido, la película es una crítica feroz al propio cine contemporáneo, a los medios y al consumo de sufrimiento como mercancía.

Pero ese mensaje queda sepultado para muchos bajo la montaña de horror explícito. Es el precio de su ambición: querer mostrar la corrupción absoluta implica tocar fondo, y Una película serbia lo hace sin pestañear. Es una cinta que no se puede recomendar, solo advertir. Y sin embargo, su existencia es importante, porque demuestra que el cine aún puede ser peligroso, aún puede sacudir hasta lo más profundo.

Hay películas que no buscan entretenerte, sino incomodarte hasta la médula. El rey de los cerdos (Dwae-ji-ui wang), del surcoreano Yeon Sang-ho, pertenece a esa categoría brutal y necesaria de obras que te obligan a mirar lo que preferirías ignorar. A través de una animación áspera, casi sucia, Yeon construye un retrato demoledor de la crueldad humana y las cicatrices invisibles que deja una sociedad construida sobre jerarquías, abusos y silencios.

La historia sigue a dos antiguos compañeros de escuela que, tras años sin verse, se reencuentran. Ese encuentro, lejos de ser nostálgico, sirve como detonante para desenterrar los recuerdos más oscuros de su adolescencia en un colegio donde la violencia y la humillación eran el pan de cada día. Lo que podría parecer una historia de “bullying” pronto se transforma en una radiografía del alma rota de toda una generación que creció sin esperanza.

Yeon Sang-ho —quien más tarde dirigiría Train to Busan— demuestra aquí una sensibilidad feroz y una valentía narrativa fuera de lo común. En lugar de usar la animación para suavizar la tragedia, la utiliza como un bisturí: preciso, frío, cortante. Los personajes no son caricaturas simpáticas, sino cuerpos desgastados, rostros deformados por la desesperanza, y ojos que cargan con el peso de la impotencia. Es como si la animación misma se rebelara contra su naturaleza colorida y escapista.

El ritmo es contenido, casi claustrofóbico. Cada diálogo está impregnado de resentimiento, cada silencio pesa más que un grito. Y cuando llega la violencia —porque llega— no lo hace para impresionar, sino para confrontar. No hay catarsis, no hay redención, solo una verdad incómoda: el sistema no solo produce víctimas, también fabrica monstruos.

El mayor logro de El rey de los cerdos es su capacidad para reflejar una realidad social sin moralismos ni concesiones. El filme expone cómo la desigualdad y la humillación sistemática deforman el alma humana, convirtiendo la infancia en un campo de batalla moral. No es una historia sobre “los malos”, sino sobre lo que la sociedad empuja a crear cuando todo el mundo mira hacia otro lado.

Visualmente, la película se sostiene en una animación limitada pero efectiva. Su aspereza técnica se convierte en parte del lenguaje del filme: los colores apagados, las sombras densas, los movimientos rígidos… todo comunica una sensación de angustia y deterioro emocional. Es como si el mundo entero estuviera encerrado en una pesadilla sin salida.

El rey de los cerdos no es una película para todos. Su tono depresivo y su crudeza psicológica la alejan del consumo masivo. Pero para quienes se atrevan a enfrentarla, ofrece una experiencia cinematográfica única: incómoda, intensa y profundamente humana.

Yeon Sang-ho firma con ella una de las obras más despiadadas y sinceras del cine de animación contemporáneo, una que te deja con el estómago revuelto y el corazón en silencio. No se trata de disfrutarla, sino de sobrevivirla.