Críticas

Uma das impressões mais imediatas é que Hollywood finalmente criou um filme feminista que funciona bem tanto em termos de ideias como de expressão, após inúmeras tentativas fracassadas. A Barbie, originalmente concebida como um brinquedo para defender os ideais patriarcais, agora revela as questões e falhas fundamentais do patriarcado.

“Todos os dias, Sakura prepara refeições na cozinha e recolhe a roupa suja na varanda. Nesse dia específico, ela volta para casa normalmente, entra na cozinha e encontra uma montanha de legumes e frutas na bancada. A geladeira está cheia. Naquele momento, ela fica parada por um longo tempo, e é quando decide que não quer mais viver esse tipo de vida." Todo o filme consiste em momentos sinuosos que não têm culpa nem mérito.

Um filme que faz a edição parecer redundante. Ela opta por preservar cenas consideradas triviais e sem função narrativa, que geralmente são omitidas, mas são os momentos mais autênticos da vida. Reconheço o valor estético desta abordagem, mas me pergunto se a duração de cinco horas é necessária. O valor final do filme é extremamente baixo.

Depois de passar três horas assistindo a um filme tão elogiado, tentei encontrar as razões por trás de tanta aclamação, mas não encontrei nenhuma convincente. Cada personagem anda, fala e encara a câmera da mesma maneira. Vários pontos importantes da trama são impulsionados por densas narrativas pessoais. O que o cinema francês normalmente faria, os japoneses infundiram uma sensação palpável de inércia. Um filme não é uma peça de teatro, mesmo que faça referências, é melhor evitar fazer com que o filme pareça uma peça.

Drive My Car, dirigido pelo japonês Ryusuke Hamaguchi, ganhou o prêmio de Melhor Roteiro no Festival de Cannes e inúmeras indicações internacionais, chamando a atenção da indústria cinematográfica atual. É um filme com um estilo literato e repleto de reflexões filosóficas sobre a vida. Em suas quase três horas, o passado dos personagens é revelado, mesclando as especulações de Chekhov, Haruki Murakami e do próprio Hamaguchi. No geral, é uma obra instigante.

Cada uma das três histórias tem um momento de revelação, uma virada sutil que, no nível textual, é a parte mais intrigante. É acompanhado por uma sensação de estranheza criada pelo uso de zoom que perturba a narrativa que o precede. Mas há uma sensação persistente de que o potencial não foi totalmente explorado. Ainda há mais a ser feito com a atmosfera sutil, os desejos e a ambiguidade, ou as ondas de emoção provocadas pelo acaso e pela coincidência.

É um filme único e que considero enigmático; foge dos padrões do realismo com sua atmosfera mágica bem elaborada. A paixão de Asako por Baku é como um sonho que a assombra, simbolizando como a busca extrema pelo idealismo pode ter um efeito destrutivo na vida de alguém. Asako, com seu comportamento imaculado, não é uma femme fatale maliciosa, mas é obcecada por uma pureza ideal. Isso está de acordo com o espírito japonês, a impureza é o pecado original em sua mitologia. É coerente com a qualidade mística alegórica do filme (neste sentido, Ryusuke Hamaguchi de fato se inspira em Kurosawa).

A história de amor mais romântica e visualmente deslumbrante do ano, com muitos momentos que me lembram "Cantando na Chuva". É a cidade da música e a cidade das estrelas – o lugar onde os sonhos e a realidade colidem. É uma prova de quão crucial pode ser um bom final, elevando uma narrativa, que de outra forma seria comum, a novos patamares! Dou uma estrela extra para Stone, que mereceu aquele Oscar.

Explosivo! Acredito que todo músico ou intérprete que dedicou coração e alma à sua arte se sentirá representado. A mistura de reverência e medo de um mentor rigoroso; a ansiedade em absorver sua energia, mas acabar sendo levado à beira do sufoco; a luta pela perfeição técnica, que acaba expondo as inúmeras surpresas e medos além de meras notas... O filme, semelhante à trilha sonora de jazz, é uma obra de amor cheia de adrenalina: imperfeita, mas insubstituível.

Um filme de “anti-herói” que narra a trajetória de um homem comum movido pelo prestígio nacional. Ele aguenta a perda da filha e dos amigos, a oposição familiar e o ceticismo público, e tem sucesso por sorte. Ele não é um herói, simplesmente executa suas tarefas com uma sensação de inevitabilidade e, por um golpe de sorte, sobrevive, tornando-se imortalizado na história. Numa era repleta de fervor, o significado político da corrida espacial supera em muito suas implicações científicas.

A configuração inicial do enredo é complexa, com uma atmosfera envolvente e narrativa estruturada. Os espectadores ficam ansiosos, esperando pelas ações dos antagonistas. O final, porém, é um desastre total. Ele termina como um filme de terror mal executado com uma conclusão clichê, transformando o que poderia ter sido um sofisticado suspense em uma bagunça aleatória.

Por trás da fofura está o início e o término de um relacionamento, que está vinculado a um acordo tácito e perpetuamente entrelaçado na fantasia. A omissão do diálogo torna o visual ainda mais impactante, resultando em uma alta densidade narrativa semelhante à de um filme de romance, mas sua relação pura vai além do romance.

Talvez por ter gostado demais da primeira parte, minhas expectativas eram muito altas e acabei me sentindo um pouco decepcionado depois de assistir ao filme. A linguagem audiovisual de Villeneuve continua excelente e, quando combinada com a trilha sonora de Hans Zimmer, pode provocar arrepios. Porém, existem alguns saltos narrativos em que as motivações dos personagens carecem da base necessária, talvez por fidelidade ao material de origem ou por questões de adaptação.

Um tanto decepcionado. Os efeitos especiais são razoáveis e o elenco é bom, mas as cenas dramáticas ficam aquém. Há muitos diálogos longos e sem sentido, e o ritmo é muito lento. Parece que poderia ter sido condensada em quatro episódios, já que a trama avança muito lentamente. Depois de assistir, é compreensível que os criadores originais não quisessem se envolver; todo o enredo parece um produto comum da Hollywood contemporânea. Deve haver uma grande batalha, deve haver politicamente correto, o protagonista deve se sacrificar, os personagens devem se apaixonar constantemente e deve haver uma reversão de situações ruins alcançada através do sacrifício — é tudo tão chato.

No centro de True Detective está o mistério, que impacta a vida de todos e do ambiente ao seu redor. Na primeira e terceira temporadas, as trajetórias de vida dos personagens estiveram intrinsecamente ligadas ao desenvolvimento do caso. Porém, na 4ª temporada, a vida pessoal dos personagens torna-se secundária e quase irrelevante para o caso em si.

Parabéns à premissa e ao ritmo geral. A série investiga o aspecto da doença mental, retratando como a protagonista feminina, uma excelente aluna que alcança a carreira dos sonhos, entra em depressão. A narrativa não se concentra apenas em acontecimentos isolados, mas também explora a pressão da luta para atender às expectativas da família, a dor de perder entes queridos e de enfrentar o bullying no local de trabalho, entre outras questões, ao longo de vários episódios.

Cada episódio revela a vida trágica das mulheres. São enganadas pelos homens, abusadas pelos maridos e filhos e exploradas pelos sogros. Sejam ricas ou não, acabam sendo exploradas pelos homens. Nos relacionamentos amorosos, espera-se que as mulheres sejam submissas, prestando assistência e serviços aos parceiros. O final sugere que talvez casais sem muitos encargos ou responsabilidades compartilhadas possam ficar melhor separados.

Ao replicar a mesma abordagem, a equipe de produção estreia mais uma vez o primeiro episódio da próxima temporada nas telonas. Porém, em comparação com as cenas de batalha épicas do arco "Mugen Train", essa estreia carece de impulso, sendo preenchida com inúmeros flashbacks e diálogos. A decisão de usar a música tema de encerramento em vez do tema de abertura mais emocionante diminui o valor de entretenimento desse filme em comparação com o anterior. Mas a animação permanece visualmente deslumbrante e poderosa, acompanhada por enredos brilhantes e originais. Apesar de algumas cenas novas, não é tão divertido quanto eu pensava, embora ainda mantenha sua viabilidade comercial.

A atuação de Hilary Swank é digna de elogios. O roteiro é muito clichê, assim como as técnicas empregadas. Conta uma história comovente de maneira convencional. Se fosse feito há 20 anos, seria o símbolo de um roteiro premiado.

A cinematografia é louvável, mas falta profundidade à narrativa. Os personagens parecem excessivamente formalizados e carecem de convicção, levando a uma trama arrastada e desordenada com muitas tangentes. O diretor Na Hong-jin parece ter uma tendência a embelezar ou acrescentar mais coisas às histórias. Em O Caçador, por exemplo, ele optou por continuar a história quando ela poderia ter terminado com o assassinato na zona da prostituição. De maneira semelhante, em Mar Sangrento, a cena do corpo do assassino e das cinzas da esposa sendo jogadas no mar poderia ter sido um belo final, mas, infelizmente, é difícil abandonar velhos hábitos.