Críticas

À primeira vista, o filme parece ter todas as características de uma produção de qualidade — fotografia obscura, trilha sonora atmosférica e edição nítida. Mas à medida que avança, a promessa desaparece. Embora baseado em eventos reais, o roteiro parece imaturo e vazio, dependendo, em última análise, da atuação de Anthony Hopkins. A narrativa depende inteiramente da descrença de um homem, enquanto todos os outros abraçam totalmente o sobrenatural, o que faz as comparações com O Exorcista parecerem totalmente injustificadas.

O conceito é atraente, mas o filme demora muito para chegar à arena — quase uma hora de preparação antes do início dos Jogos. E quando o fazem, o ritmo permanece estável. A parte mais esperada e potencialmente emocionante do filme não causa impacto. O romance entre os protagonistas também parece forçado, sem química ou construção convincente. A repentina história de amor deles é mais intrigante do que comovente.

Absolutamente brilhante, além de relevante. A série satiriza corajosamente o capitalismo, o extremismo religioso e as complexidades da identidade negra e da cultura pop. Até traz Martin Luther King Jr. para a narrativa com humor destemido. Quase duas décadas depois, permanece atual. E para os fãs de anime, o aceno de abertura para Samurai Champloo é uma homenagem perfeita. Uma joia inteligente e subversiva.

Não tenho certeza de como o romance original foi escrito, mas se um enredo como esse pode se tornar um best-seller, podemos questionar os padrões dos “best-sellers”. A única coisa que me chamou a atenção foi Naomi Watts e suas cenas com Val. Além disso, grande parte da história parecia desconcertante — especialmente a reconciliação forçada entre ela e a primeira ex-esposa, que acrescentou pouca profundidade emocional ou necessidade narrativa.

Por meio da relação entre Rule e Shaw, o filme explora as barreiras emocionais, o crescimento pessoal e o impacto duradouro da dinâmica familiar no amor jovem. Ele investiga a complexidade psicológica por trás das conexões românticas, oferecendo uma visão mais detalhada do que uma história de amor normal. O conflito interno de Shaw — presa entre as expectativas da sociedade e seus próprios desejos — acrescenta um peso convincente, levando os espectadores a refletir sobre a identidade e a autodefinição no mundo de hoje.

A França entregou alguns thrillers policiais decentes no passado, mas este não é um deles. A cena de ação mais significativa é uma virada de carro medíocre, e o resto é pouco inspirado ou mal coreografado. O filme não apresenta tensão e desenvolvimento de personagens, resultando em uma adição esquecível no gênero.

O filme luta com o ritmo, principalmente em suas sequências de suspense. Ele passa por momentos emocionais ou filosóficos que poderiam ter acrescentado profundidade, mas os enterra sob ação gratuita. Isso cria uma experiência chocante onde a tensão ofusca o significado, tornando difícil para os espectadores se envolverem totalmente com a vida dos personagens.

Estou cansada de documentários obcecados com a infância ou a família do assassino — como se isso explicasse alguma coisa. Para as famílias das vítimas, o assassinato não é apenas mais uma verdadeira reviravolta na trama do crime; é uma realidade devastadora e contínua. Este documentário finalmente muda o foco para onde ele pertence: nas mulheres desaparecidas e nas pessoas que ainda lutam por elas.

Keke Palmer está inesquecível como Drex. Ela captura a exaustão de uma mulher sob pressão constante, mas confere inteligência e resiliência à personagem. Seja pensando rápido ou navegando no caos, Palmer dá vida a Drex com expressões diferenciadas e autenticidade. Enquanto isso, SZA faz uma estreia surpreendentemente forte como atriz, incorporando com facilidade o charme impulsivo e o espírito despreocupado de Alyssa.

Esta série prospera em seus excelentes visuais. As transformações demoníacas e o combate sangrento são feitos de forma impressionante, amplificados por ângulos de câmera exagerados e inclinações holandesas que aumentam a tensão. Visualmente, é como assistir a um filme de ação de grande orçamento vestido com uma estética de terror. O sinistro cenário de cidade pequena — com sua iluminação misteriosa e cantos sombrios — aumenta a atmosfera assustadora.

Um dos aspectos mais fortes do filme é a música, que apresenta clássicos de Bob Dylan ao lado de faixas específicas da época que evocam vividamente a contracultura dos anos 1960. A fotografia e o design de produção são igualmente dignos de nota, com cores vibrantes e um trabalho de câmara fluido que realçam o seu apelo estético, mas a narrativa não consegue capturar o fascínio mítico de Dylan.

Apesar de ter sido reduzido de um corte de cinco horas para apenas duas, o que deixa partes da narrativa obscuras, e apesar da inclusão de elementos românticos indiscutivelmente excessivos para um apelo mais amplo, este é, ao mesmo tempo, um pico criativo e um ponto de virada para Hayao Miyazaki. Com 135.000 imagens desenhadas à mão sem precedentes, imagens viscerais e o raro uso de CGI e violência gráfica para o Studio Ghibli, o filme é um choque visual e emocional para o público. Aqui, Miyazaki abandona o idealismo, enquadrando a humanidade e a natureza como forças fundamentalmente opostas, e postula a sobrevivência — e não a harmonia — como a nossa preocupação mais urgente.

A trama avança rápido, embora a analgesia congênita do protagonista pareça exagerada. Não sentir dor é uma coisa, mas continuar a se mover como se não estivesse ferido após um trauma nervoso dificulta a credibilidade. Ainda assim, há um prazer culposo em ver tanta violência gráfica na tela grande. É uma história simples com um ritmo familiar, mas envolvente o suficiente para prender a atenção.

O filme pretende conciliar temas de crescimento, família, amor e ambição, mas apenas toca a superfície de cada um. A jornada de Alex por sua lista de tarefas parece superficial, esgotando a profundidade emocional da história. A trama é previsível e o final se desenrola exatamente como esperado, deixando pouco espaço para surpresa ou impacto.

O filme se inclina para uma estrutura misteriosa, começando com o brinco perdido de Nancy — um pequeno mal-entendido que desperta suspeita e paranoia na personagem. Seus sonhos, o comportamento estranho de seu marido e a tensão crescente criam uma atmosfera envolvente. Infelizmente, o filme passa mais de uma hora construindo a dúvida de Nancy antes de finalmente apresentar sua reviravolta, que chega de forma muito abrupta. A revelação não tem o peso que merece e o ato final apressado parece uma oportunidade perdida.

A maior falha do filme é o próprio Homem do Saco — uma figura tão implausível que acaba com a tensão antes mesmo que ela aumente. Se o público não consegue acreditar na ameaça central, não há suspense. Parte da lógica também é frágil. Em uma cena, a criatura bate educadamente antes de entrar em uma casa... mas já vimos ela aparecer do nada, então por que se preocupar com formalidades? São detalhes como esse que tornam o terror pouco convincente.

Em sua essência, esta é uma história genérica de salvar o mundo envolta em uma skin do Minecraft. Sem a marca do jogo, seria apenas mais um filme de aventura esquecível. Dito isso, está repleto de referências que apenas os jogadores irão perceber — mobs familiares, ferramentas e lógica de jogo entrelaçadas na narrativa. Infelizmente, o roteiro não aproveita totalmente o imenso potencial criativo do jogo, e os escritores parecem presos a uma visão simplificada.

Bertolucci derrama sua frustração política no roteiro, experimentando loucamente com movimentos de câmera e edição, canalizando claramente a influência de Godard e da Nova Onda Francesa. Os cortes não comprimem mais o tempo, mas enfatizam a desconexão emocional. Adriana Asti é brilhante — seus gestos sutis à mesa de jantar (00:19), sua troca repetida de óculos (00:23) — são lindamente enquadrados e memoráveis.

É difícil justificar gastar tanto para contar um conto de fadas tão desatualizado e excessivamente familiar. Apesar de algumas atualizações superficiais voltadas para o público moderno — como tornar Branca de Neve mais independente — a história central permanece inalterada. Rachel Zegler, infelizmente, não tem o carisma ou o charme necessários para o papel. Suas interações com os animais e anões parecem vazias, longe do personagem que o público imagina.

Jason Statham apresenta sua marca registrada de durão estoico, com cenas de luta impecáveis e presença inegável na tela. Entretanto, o personagem é quase indistinguível de muitos de seus papéis anteriores. A verdadeira surpresa é David Harbour como Gunny, um homem cego que ainda consegue atirar flechas e contar piadas. Seu carisma acrescenta um brilho muito necessário ao filme.