Críticas

A iluminação, a cinematografia e a edição do filme em suas cenas internas com muitos diálogos realmente se destacam — essenciais para uma história que se baseia em conversas. Sessões de terapia, projeções de filmes, detectores de mentiras, jantares, trapaças, manipulações — todos os elementos que poderiam facilmente descrever um casamento como uma missão de espionagem. Embora Código Preto se refira às operações confidenciais que os agentes não podem compartilhar, metaforicamente aponta para os segredos e mentiras entre os cônjuges. No final, trata-se de confiança — do tipo que exige tudo.

O filme se apoia muito em clichês, como a dinâmica tensa entre pai e filha e as elites ultra ricas de desenho animado. Os efeitos visuais do unicórnio são funcionais, mas não se destacam. Reduzir a história poderia ter ajudado, especialmente porque muitas das cenas de morte são tão telegrafadas que perdem qualquer tipo de tensão.

A história se baseia no sequestro real do dissidente marroquino Mehdi Ben Barka, mas também é uma homenagem estilizada ao noir americano, especialmente a filmes como À Beira do Abismo. O diálogo é deliberadamente sem sentido, como um roteiro noir escrito por uma inteligência artificial depois de se empanturrar de filmes do gênero. Quando as explicações do enredo aparecem, elas são frequentemente abafadas por aviões barulhentos, como se o próprio filme estivesse propositalmente escondendo a verdade.

Rebeldia Indomável carrega um potente subtexto religioso. Luke se transforma de um anti-herói cínico em uma figura de fé tranquila. A guerra pode ter destruído sua crença, mas o amor por sua mãe a reacende. Sua morte — filmada em uma igreja, de baixo para cima, com uma cruz aparecendo atrás — torna-se um martírio simbólico. Os guardas da prisão, antes meras figuras de autoridade, transformam-se em símbolos da justiça corrompida e da supressão da liberdade.

Quando Marcello entra no gabinete do ministro, Bertolucci enquadra a cena em um plano geral extremo de um ângulo alto, diminuindo a figura humana dentro de um espaço vasto e mecânico. É uma metáfora visual impressionante para o poder esmagador do autoritarismo. A colocação do personagem na parte inferior de um quadro desequilibrado enfatiza sua alienação e desolação espiritual. Entretanto, três grandes planos dos pés descalços de uma mulher sugerem o vazio moral decadente das classes fascista e burguesa. Bertolucci revela uma habilidade magistral de exteriorizar estados interiores por meio da imagem e da composição.

Como o título sugere, Faces é um filme construído em torno de expressões — austeras, íntimas, implacáveis. John Cassavetes, ator que se tornou diretor autodidata, conhecia rostos como poucos. Ao contrário da vanguarda nova-iorquina do seu tempo, Cassavetes traçou um caminho mais fundamentado e realista dentro do movimento do cinema independente americano, que se afasta de Hollywood.

Eu não esperava que fosse um filme de viagem, mas é exatamente isso que é — um que traça elegantemente um relacionamento desde o encontro casual, passando pela crise romântica até a crise do meio do casamento, tudo por meio do uso hábil de narrativa transversal e não linear. No final, você percebe o quão perfeitamente compatível o casal é. A segunda característica notável do filme é sua perspectiva centrada na mulher, que enquadra sutilmente o desenrolar do relacionamento como sendo, em grande parte, culpa do homem. A reconciliação no final parece um pouco abrupta, mas o diálogo é encantador — lírico, nítido e carregado de personalidade.

Este filme animado captura o comportamento de humanos e animais com notável realismo. O andar desajeitado e a presença desajeitada do menino na selva contrastam perfeitamente com a agilidade ou lentidão dos diversos animais. Os números musicais são animados e sintonizados com os temas de otimismo do filme. O final — onde o menino retorna à sociedade humana enquanto os animais retomam suas próprias vidas — parece emocionalmente sólido e até progressivo para os padrões atuais.

A força do filme está em seu enredo envolvente e atuações poderosas. Ele incorpora seu comentário racial em um tenso mistério de assassinato, permitindo que ambos os tópicos se desenvolvam em paralelo. O xerife branco de Rod Steiger e seu arco de personagem parecem naturais. As cenas de abertura são especialmente atmosféricas.

Rapaziada n sei com fazer pra assistir porr MN aí e foda 🤦🏻🤦🏻

Ao misturar terror adolescente com mortes grotescas e imaginativas, o filme cria uma mistura única de fantasia infantil e espetáculo encharcado de sangue. Tudo — da narrativa ao estilo visual e às elaboradas cenas de morte — se inclina mais para um pesadelo infantil surreal do que para o realismo fundamentado de Premonição. Dito isto, a execução é áspera e a história não apresenta coerência entre as diferentes seções.

A obra original prosperou com sua narrativa esparsa e com a assustadora solidão pós-apocalíptica, mas o filme a transforma em um grande sucesso de bilheteria. Temas de revoltas de robôs e liberdade parecem pouco inspirados, sobrecarregados por execuções clichês e diálogos juvenis. As motivações emocionais são exageradas e os arcos dos personagens são dolorosamente previsíveis. Embora os robôs sejam encantadores e os efeitos visuais impressionantes, essas são as únicas qualidades redentoras do filme.

Mui buena

A perspectiva de Rohmer está longe de ser objetiva. O público não sabe mais do que os personagens; em vez disso, a autoavaliação do protagonista molda continuamente a nossa percepção. Esta é uma experiência em primeira pessoa, não uma observação imparcial. Rohmer não observa de fora — ele elimina completamente o observador, deixando os personagens verem e falarem por si próprios. E neste filme a voz que prevalece do início ao fim é inconfundivelmente a do protagonista masculino.

Além de seus cenários luxuosos e magníficas sequências de multidão, o que realmente cativa o público são os close-ups prolongados, as amplas tomadas de zoom e o uso magistral de espelhos e luz para esculpir a profundidade dos personagens. As cenas no castelo local são de tirar o fôlego. No entanto, a segunda parte do filme apresenta um volume de áudio inexplicavelmente mais alto — às vezes, o diálogo, a trilha sonora e os efeitos sonoros ficam distorcidos, tornando-se uma experiência auditiva frustrante.

O roteiro e as atuações são excelentes. Em vez de tentar reencenar a história, o filme usa essa famosa família real para explorar a corrupção do amor sob o peso do poder. Cada personagem é ricamente dramático e, em meio aos conflitos trágicos, há momentos de humor mordaz. O filme retrata com maestria o choque inevitável entre o amor e o poder — entre cônjuges, entre pais e filhos e entre mães e filhos.

Na velhice, até as salas de aula enfadonhas e os momentos familiares frustrantes são coloridos com a doçura da nostalgia. Fellini interpreta um narrador imparcial e um participante, revivendo a infância pelos olhos de um menino. Sonhos e fantasias se entrelaçam, moldando as primeiras noções de amor e desejo. Com a morte da mãe e o casamento de “Malèna” como pontos de virada, a viagem rumo à idade adulta toma forma. A própria cidade torna-se uma tapeçaria viva e, à medida que o filme chega ao fim, parece uma comovente despedida da infância.

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Retirando as camadas de sociologia, reflexão moral e contexto histórico, a essência do filme é bem diferente do que parece em um nível superficial. Em sua essência, ele carrega um senso universal de compaixão e uma tragédia inevitável e predeterminada. Esse é um tipo de fatalismo clássico. Mesmo que não seja uma obra-prima, é, no mínimo, um filme impressionante.