Críticas

Alguns filmes são feitos para o público em geral, alguns para amantes do cinema, outros para cineastas — os filmes de Robert Bresson são feitos para diretores.

O protagonista masculino não é um ator profissional, mas sempre consigo ver a paixão em seus olhos.

Este filme marca a obra-prima do final da carreira do diretor. Embora ainda explore os instintos primordiais dos humanos e dos animais, se afasta dos tons brutais e sombrios dos seus trabalhos anteriores, evoluindo para uma história mais terna de autorredenção. A enguia carrega dois significados simbólicos: um, explorado no monólogo final do filme, representa o desejo sexual do protagonista masculino; a outra, vista com enguias presas em sacos ou aquários, simboliza o aprisionamento e a repressão sexual.

Além do toque sombrio característico do diretor, o filme todo foi tão comovente que quase me fez chorar. Quando cheguei às cenas finais, senti como se estivesse assistindo a um filme de Yôji Yamada. Fiquei realmente emocionado! A trilha sonora é um destaque, embora o uso de enguias tenha parecido um pouco arrastado.

Este é um dos raros filmes realistas na filmografia do diretor, e até a trilha sonora incorpora inusitadamente música pop. Desta vez, o diretor mostra plenamente o seu ceticismo em relação à modernidade — é civilizada e irresistível, mas fria e implacável, abandonando todos pelo caminho. Diante dessa modernidade implacável, os indivíduos são reduzidos ao mesmo destino dos animais no final do filme.

Uma alma humilde luta desesperadamente no mundo, onde o tormento mental pode destruir uma vida mais do que a tortura física jamais poderia.

Enquanto assistia ao filme no cinema, não pude deixar de me perguntar se o filme era lento assim mesmo, pois eu até conseguia ouvir roncos na sala.

A intenção do diretor é bastante clara aqui. Para realmente capturar o período interminável de tempo, ele usa tomadas longas — a maioria das tomadas dura cerca de três minutos, e algumas até parecem um pouco repetitivas ou excessivas. Mas esse é o ponto. Imita o ciclo interminável da vida cotidiana, onde ainda há algo cativante na rotina, mesmo sem que nada de novo aconteça.

Sunhi não é namorada de ninguém.

Hong Sang-soo foi muito ousado aqui! Ele usa três homens diferentes para tentar descobrir quem realmente é Sunhi, e nós, o público, somos o quarto homem. Vemos muitas versões de Sunhi através de seus olhos, mas nem mesmo essa é a verdadeiro Sunhi.

Não parece um filme japonês típico de forma alguma. A história é realmente interessante e, honestamente, provavelmente muito rara para sua época. No final, tudo se resume ao egoísmo do personagem principal. Mas, de certa forma, trata-se do direito de buscar a felicidade. O filme apresenta uma gueixa de bom coração, uma heroína gentil e um homem fraco. À medida que os conflitos se desenrolam, é difícil culpar qualquer um deles.

A narrativa e a cinematografia do diretor já eram altamente refinadas desde o início, e a exploração da dinâmica marido-mulher foi inovadora em sua época. As duas mulheres são como rosas vermelhas e brancas — uma orgulhosa e egocêntrica, a outra gentil e carinhosa. O marido faz uma escolha, seguindo verdadeiramente seu coração, e rejeita a ideia convencional de ficar com sua esposa para sempre. Esse enredo, por si só, mostra a abordagem única do filme.

A hipocrisia é a base da civilização. E, dentro disso, as mentiras podem ser a verdade mais honesta que temos.

Do ponto de vista do diretor, a cidade parece uma miragem.

O filme tem algumas cenas impressionantes, mas, no geral, não apresenta nenhuma surpresa. Os personagens não têm profundidade e mantêm a mesma expressão do início ao fim. Apesar da magnificência e da narrativa épica, o filme não é comovente nem emocionante.

Tudo isso se desenrolou simplesmente porque a heroína era bonita. Mas se ela não fosse, alguém teria se importado com sua história?

Após assistir a alguns dos filmes de Hong Sang-soo, pode parecer que ele está contando a mesma história várias vezes. Mas se você dedicar algum tempo para realmente saboreá-los, começará a notar as diferenças sutis — cada um tem seu próprio sabor distinto. No mundo do cinema convencional, ele se sentiria completamente deslocado. Ele está perdido demais em seu próprio mundo artístico, movido pelo tipo de obsessão e arrogância que só um artista pode se permitir. Sua câmera se aprofunda nas infinitas possibilidades entre homens e mulheres. Assistir a seus filmes é como bebericar uma taça de vinho envelhecido — apimentado no início, mas com um sabor residual perfumado e persistente. Essa é a experiência que tenho com o trabalho de Hong Sang-soo.

O diretor alcança um equilíbrio delicado em um filme religioso que explora o choque e a luta entre a divindade e a humanidade. Ele usa um tom humorístico para retratar os bispos que perderam o senso de mistério, ao mesmo tempo, em que retrata o Papa fugitivo com um comportamento sério, capturando a perda da fé e o conflito interno com suas próprias identidades dentro das instituições religiosas.

Ele achava que era apenas um ator, mas, na verdade, ele era o mais próximo de Deus. Os bispos não poderiam ter escolhido um homem melhor. Somente aqueles que abordam o poder e o status com humildade, reconhecendo suas próprias limitações, podem realmente transcender a natureza humana e alcançar algo maior. Ele nunca pisou em um palco, mas suas falas estão gravadas em sua memória, assim como ele nunca foi um papa, mas a verdade sempre viveu dentro dele.

Esse documentário é menos sobre visitar a cidade natal de Ozu e mais sobre explorar a natureza tranquila e introspectiva do Japão. Começando e terminando com Era uma Vez em Tóquio, o filme entrelaça as experiências pessoais do diretor no Japão com entrevistas de colaboradores de Ozu. O momento mais marcante ocorre quando o diretor revisita um salão de pinball, onde observa a equipe ajustando a pista, peça por peça, com um martelo. Ele comenta que, amanhã, todas as bolas de aço seguirão um caminho completamente novo, e a máquina que lhe traz glória hoje pode levá-lo à ruína amanhã.