Críticas

Se esse documentário é um tributo a Yasujirō Ozu, eu diria que ele se parece mais com a exploração de uma cultura oriental única por um diretor ocidental. Infelizmente, diante da modernização, Tóquio não é mais o mundo calmo, pacífico e ordenado que Ozu capturou com suas lentes. O diretor não impõe nenhum julgamento por meio da câmera — ele simplesmente documenta, optando por se afastar e deixar a interpretação para o público.

O dinheiro é apenas uma forma tangível de medida escolhida pelo mundo nesta era, revelando o vazio na alma das pessoas.

Nesse filme, o diretor explora a natureza contagiosa da moralidade, aprofundando-se em suas complexidades. Ele transmite um forte senso de formalismo por meio de técnicas como evitar deliberadamente eventos importantes, omitir ações cruciais e usar close-ups para congelar momentos da narrativa. Essas escolhas refletem sua visão cinematográfica única e seu estilo distinto de contar histórias.

Os jovens desse filme não fazem nada de inovador ou rebelde. O pai, que antes era o inimigo, acaba revelando a ternura de um homem comum e cansado. Eles vagam pelas ruas, se apaixonam, xingam, roubam, danificam motocicletas e são espancados. Eles não estão tentando mudar o mundo. Estão simplesmente perdidos, sem ter para onde ir.

Esse filme é sexy, mas não no sentido convencional e glamouroso. É um tipo de sensualidade crua e não filtrada, que parece fundamentada na realidade, quase desconfortável às vezes. Não se trata de imagens polidas ou corpos idealizados; ao contrário, trata-se do não dito, do mundano e dos momentos frequentemente negligenciados que evocam o desejo em suas formas mais simples e íntimas. A sensualidade aqui parece mais visceral e real, quase como se você pudesse sentir seu cheiro no ar — cru e sem adornos.

O estilo contido e simples característico do diretor também está presente nesse filme, dando-lhe um fluxo natural. Robert Bresson se destaca como um dos melhores no uso da omissão e da repetição para destacar o sofrimento individual, as lutas humanas e o absurdo do destino. O filme está impregnado de tons de ascetismo e reflexões filosóficas sobre humanitarismo.

A vida de Mouchette é incrivelmente dura: ter um pai alcoólatra e abusivo, um irmão violento, uma mãe que morreu jovem devido a uma doença e um irmão que ainda é um bebê... Ela enfrenta tudo isso com resiliência e silêncio, até mesmo encontrando o último resquício de aconchego após um ataque brutal. Mas o final me abalou completamente. Parecia que seu destino já estava selado desde o início.

Essa é a tragédia de uma pessoa que fica cega por conta do sol impiedoso. É também uma alegoria — o autoritarismo é o sol escaldante que queima as pessoas que estão sob ele, e as pessoas perdem tanto a fé quanto a visão sob sua luz severa.

O diretor constrói a história por meio de detalhes, contando verdades brutais sem esforço. Os temas desse filme e a produção em estilo de cinema de arte realmente preenchem todos os requisitos para um filme de festival.

Usando a ficção para revelar a verdade — enquanto grandes cineastas de outros países ainda “dançam de mãos atadas”, o grande Abbas Kiarostami rompeu as limitações do cinema, alcançando um estado de espírito que pode expressar livremente as suas ideias.

Isso não seria apenas assédio debaixo da oliveira?

A ambição do diretor é bastante sutil, simplesmente oferecendo um olhar tranquilo e carinhoso enquanto a mulher sobe as escadas.

Quando a mulher subiu as escadas, o homem não pôde deixar de notar seus quadris redondos, meias brancas como a neve, cintura fina e a delicada curva de seu pescoço. Mas tudo o que a mulher viu foi o corredor estreito à frente, que conduzia a um abismo incerto e quase interminável.

Não suporto o constrangimento, mas simplesmente não consigo não gostar de Hong Sang-soo.

Após assistir cada vez mais filmes de Hong Sang-soo, às vezes me pergunto se desenvolvi uma espécie de fetiche com o voyeurismo. É por isso que não consigo parar de assistir.

Os filmes de Abbas Kiarostami muitas vezes parecem momentos da vida real, mas cada detalhe — a disposição dos personagens, o posicionamento da câmera, cada fala, cada animal que aparece e até mesmo a passagem de uma maçã rolando — é meticulosamente elaborado. De certa forma, este tipo de design cuidadoso, tão próximo da vida mas tão preciso, pode ser a forma mais elevada de fazer cinema.

Abbas Kiarostami domina a arte da repetição em seus filmes. Das intermináveis ​​refilmagens em Através das Oliveiras, aos constantes pedidos de ajuda em Gosto de Cereja, aos muitos pedidos de orientação em E a Vida Continua, e até mesmo os inúmeros telefonemas no topo da montanha neste filme. Há um sentido de ritual em tudo isso, mas a expressão permanece simples.

O diretor realmente capta algo divino na vida cotidiana, abordando sutilmente o envelhecimento, a doença e a morte de uma forma que quase faz você acreditar no poder da alma, apenas para ver tudo dissolvido em um instante. Mas fora do filme, fica claro que nada aqui é um sonho. Hong Sang-soo realmente está cada vez melhor

Finalmente entendi por que este filme não é estrelado por Min-hee Kim. Hong Sang-soo claramente não suportaria que ela interpretasse esse papel!

A escalação de Isabelle Huppert e Kim Min-hee só piorou este filme já medíocre. Por ter apenas uma hora de duração, o curto tempo mostra que o diretor não se concentra realmente em contar uma história sólida. As frequentes mudanças de câmera e a edição fragmentada parecem mais uma série de explosões emocionais repentinas. Esses estados de espírito imprevisíveis, combinados com o que poderiam ser vistos como lampejos de inspiração, são simplesmente combinados para a satisfação pessoal do diretor.