Reseñas

Otra adaptación de Stephen King… bueno, más que adaptación, una secuela del relato homónimo, ya que la historia arranca desde “el final” de este. Quitando algunas set pieces interesantes, es mala con ganas. Drama adolescente, padre emocionalmente distante y un monstruo. Tarda como media hora en arrancar, el diseño de la criatura no es nada memorable y el final es medio tonto.

Fuera de joda, hay que dejar de exprimir a la gallina de los huevos de oro por un tiempo. Y si se va a hacer, que sea con cariño, no con bazofias genéricas como esta.

Fresh nos presenta la historia de Noa, una joven harta del mundo de las citas, donde parece que el universo conspira en su contra, poniéndole en el camino a un idiota tras otro. Todo cambia cuando conoce a Steve, quien transformará su vida para siempre.

Buena dirección, excelente selección musical, y la guinda del pastel: el demente de Sebastian Stan, nuestro querido Bucky, completamente desatado. El desgraciado logra que le creas que está disfrutando lo que hace, y al mismo tiempo querés que lo pague.

Quizás la única contra sea su humor, que si bien ayuda a sobrellevar la temática de la película, a veces se siente fuera de lugar. Pero más allá de eso, la recomiendo sin dudas.

Crawl (o Infierno en la Tormenta por estas latitudes) es un gran ejemplo de cómo hacer de una premisa simple una película de terror efectiva. Nunca pensé que una cinta con inundaciones y cocodrilos me iba a mantener tan en vilo, pero lo logra, con una atmósfera similar a No Respires de Fede Álvarez, aunque a medio camino entre el clásico noventoso Infierno en el Túnel y Alien.

La historia sigue a Haley, una joven nadadora devenida en heroína por la fuerza, que atraviesa todo el espectro de emociones en el proceso. Kaya Scodelario la rompe en el papel y no tiene nada que envidiarle al Kit Latura de Stallone. Le creés que se partió la pierna y que está siendo asediada por un lagarto hecho en CGI. Barry Pepper tampoco se queda atrás en el papel del padre.

No daba dos pesos y me sorprendió para bien, sobre todo en el manejo de la tensión y las actuaciones.

The Sadness es una película de terror taiwanesa que nos narra la odisea de una joven pareja por reencontrarse luego de que un virus convierta a la mayoría de la población en seres oligofrénicos, sedientos de sangre, sexo, punk y sesiones de ultraviolencia.

Confieso que no soy el mayor fan del cine gore, aunque sí de su variante splatstick, donde todo es tan exagerado que termina provocando gracia, porque está hecho así a propósito, como en la saga de Evil Dead. No ocurre lo mismo con el torture porn, categoría en la que cae esta película. Ahora, si llevás mucho tiempo viendo terror, te acostumbrás y hasta se te puede escapar alguna risa, ya que uno termina concentrándose más en lo técnico o efectista que en la trama, aspecto en el que suelen flojear estas cintas.

The Sadness, por su parte, es entretenida pero básica. Va al grano y, desde el principio del metraje, deja claras sus intenciones. Acá lo verdaderamente monstruoso es que no vemos al típico infectado descerebrado, sino que estas personas son conscientes de lo que están haciendo. La película se llama así por ese motivo: porque lo saben, les duele hacerlo y no lo pueden controlar.

Se la recomiendo a gente que ya es del palo y tiene el paladar entrenado con este tipo de cine, porque creeme, no es de esas pelis para ver un domingo en familia.

Voy a ser sincero: no daba dos pesos por esta película. Era más la curiosidad que otra cosa lo que me impulsó a verla, y debo admitir que fue una grata sorpresa. Como alguien que creció a finales de los noventa, hacía mucho tiempo que no me sentía un niño frente a la pantalla.

Psycho Goreman es una carta de amor a la serie B y a la era dorada del VHS, pero no mama de la teta de la nostalgia, sino que juega en su propia liga.

Fantasía oscura, monstruos, space opera, efectos prácticos, stop motion y litros de sangre artificial: acá hay para todos los gustos. Si sos fanático de lo bizarro, esta es tu película.

Nos adentramos en un terreno sagrado para los adeptos al cine de terror con el regreso de una de esas franquicias icónicas que sigue sacando sustos cincuenta años después. Lamentablemente, esta vez no alcanzó.

Dirigida por David Gordon Green (quien supo encargarse de la nueva trilogía de Halloween), esta nueva entrega, que anula todas las secuelas anteriores, tiene un gran problema: su nombre. ¿A qué me refiero con esto? Si bien El Exorcista: Creyentes es genérica, predecible, efectista y está lejos de esa atmósfera oscura y maligna de la original (además de ser asquerosamente cursi y más cercana al terror de principios de este milenio), el verdadero inconveniente es el peso que carga al formar parte de esta franquicia.

Si no tuviese el nombre que tiene, podría haber sido una película de posesiones decente. Pero, como siempre hay que seguir ordeñando la vaca hasta que se seque, se queda en el medio y es olvidable, tanto como película de posesiones como dentro de este universo. Le queda grande la camiseta, diríamos en mi país.

Eso sí, al César lo que es del César: las pibitas se sacan un diez en su actuación de endemoniadas y, no voy a mentir, algún que otro momento incómodo y oscuro hay. Mención especial al poema del Jabberwocky de Lewis Carroll.

Una de mis combinaciones favoritas en cuanto a géneros cinematográficos se trata: terror/comedia. Desde las parodias de Mel Brooks hasta las bizarreadas de la productora Troma (pasando por la mítica saga de Evil Dead de Raimi o los primeros largometrajes de Peter Jackson), esta mezcla es para mí lo que el agridulce a la comida: lo mejor de dos mundos.

En Little Monsters seguimos al fracasado de Dave, uno de esos idiotas a los que no podés odiar porque, a pesar de ser idiota, tiene buen corazón. Todo cambiará para él cuando se cruce en su camino la maestra de su sobrino, la señorita Caroline, y juntos tengan que enfrentar una amenaza sin precedentes.

Si bien tengo que admitir que es algo cursi, y se me hizo cuesta arriba, algunas situaciones me sacaron una que otra carcajada y la disfruté. La terminé con una sonrisa en la cara, y eso es lo que cuenta. Lupita Nyong'o, espléndida como siempre.

"Había una loba que anhelaba ser oveja, entonces se cortó las garras y se rompió los dientes.
Enterró profundamente a la loba que tenía por debajo,
Y cuando dio a luz un cachorro, lo crio como a un cordero.
Le cortó las garras y le rompió los dientes, ella enterró profundamente al lobo por debajo.
Pero cuando el cordero creció, también lo hicieron sus garras. Y también sus dientes.
Y el lobo se comió a su madre, que ya era solo una oveja".

¿Qué pasaría si mezclamos un coming-of-age con fantasía oscura y un relato intimista y lisérgico? La respuesta a esta pregunta sería Hellbender.

La historia nos presenta a la joven Izzy y a su madre, quienes viven prácticamente aisladas de la sociedad. Educada en casa con la excusa de padecer una enfermedad, Izzy pasa su tiempo nadando, dibujando o tocando la batería en Hellbender, la banda de rock que tiene con su progenitora y que le da título a la cinta. Pero toda esta vida pacífica dará un giro el día que Izzy conozca a Amanda y se dé cuenta de que su madre no ha sido tan sincera con ella como creía.

Chapeau a la familia Adams, que hace todo en esta peli: filmación, música (que pueden escuchar bajo el nombre H6llb6nd6r) y, por supuesto, actuaciones. Madre (Toby Poser) e hija (Zelda Adams) se lucen en los roles principales. Un giro de tuerca al tópico de la brujería, con breves momentos de acid trip.

No digo nada más. Vayan a verla.

Película de terror del Reino Unido que adapta la novela homónima de Adam Nevill. En esta, seguimos los pasos de Ámbar, una inmigrante mexicana que llega a Estados Unidos en busca de oportunidades tras la muerte de su madre, pero cosas extrañas comenzarán a sucederle en el momento en que se aloje en una vieja posada en Cleveland.

Es curioso que la plataforma de la N roja no le haya dado tanta publicidad cuando el resultado está muy por encima de otras de sus producciones originales. Se nota el cuidado que el director puso en esta cinta. No, no hay jumpscares ni escenas cliché; su terror pasa más por su atmósfera opresiva. Y si bien hay un recurso que se repite mucho en la película, está bien utilizado. El apartado sonoro es un diez, y la fotografía no se queda atrás.

¿Qué decir que no se haya dicho de esta joyita que permanece indemne al paso del tiempo? Es increíble cómo, noventa años después de su estreno, aún conserva esa magia que la hace única. Una historia que atrapa, un ritmo rápido, efectos especiales que todavía hoy se ven increíbles y un Claude Rains desatado, que se roba el show como Jack Griffin, el hombre invisible.

Clásico imperdible.

Podría definir esta película como un home invasion con aliens, que toca la mayoría de los tópicos de esta temática y lo hace bien, sin perder el ritmo. Arranca a los diez minutos y no para hasta el final.

Si bien no creo que entre en la categoría de película de terror, su manejo de la tensión, el ritmo y el sonido hacen que estés expectante todo el tiempo y no te aburras nunca. Hay escenas en las que te quedás sin aliento y se te frunce donde no te da el sol, todo sin una sola línea de diálogo.

Aplausos a Kaitlyn Dever, que se carga toda la peli al hombro. Es cierto que el CGI puede no ser el mejor y que el final no es para todo el mundo, pero aun así, esta película es una joyita.

También se agradecen los guiños a La invasión de los usurpadores de cuerpos, Señales, La guerra de los mundos o hasta la más reciente NOPE.

No sabía si hablar de esta película o no, ya que más que un filme de terror es una sátira con elementos del género, o más bien una tragicomedia. Una experiencia distinta de lo que vengo acostumbrado a ver, pero a la que vale la pena echarle un ojo.

Ganadora del premio a Mejor Guion en el Festival de Venecia, la cinta dirigida por Pablo Larraín y distribuida por Netflix nos narra cómo el dictador chileno Augusto Pinochet ha sobrevivido doscientos cincuenta años como un vampiro y ahora quiere morir. El metraje es claro en su declaración de intenciones desde el principio: no vas a sentir ninguna empatía por el personaje. A medida que avanza, lo retrata como un ser acabado, asqueroso y patético.

A nivel técnico y fotográfico es sobresaliente, y hay momentos que rozan el surrealismo. Es cierto que tiene algunos problemas con el ritmo, pero la resolución que le dan en el tercer acto a uno de los elementos narrativos (esa voz en off que nos acompaña durante toda la cinta) es simplemente espectacular, en el buen y en el mal sentido, ya que algunas cosas quedan en el aire sin ninguna explicación.

El crimen no paga y la maldad es banal.

Vuelve la creación de Agatha Christie, vuelve Hercule Poirot, esta vez en un caso completamente nuevo que mezclará la clásica narrativa detectivesca con tintes de terror sobrenatural.

Me gustó Cacería en Venecia, cumple lo que promete dentro de su género. No está a la altura de las otras dos de esta trilogía, ni tampoco de la tan aclamada Knives Out, pero siempre es lindo ver a Kenneth Branagh encarnando al detective belga, devanándose los sesos durante toda la película para resolver el misterio, mientras nosotros, los espectadores, sospechamos de todo y de todos… hasta que Poirot saque el conejo de la galera.

Lamentablemente, el final es medio flojo, la resolución no tan espectacular y el terror que maneja Branagh se queda en un mero coqueteo con escenas que ya vimos miles de veces.

Volvió Valak para dejar tras de sí un rastro de sangre, muerte y terror religioso pochoclero.

Si hubiera que resumir esta película en pocas palabras, diría que La Monja 2 es la primera, pero con esteroides. Misma fórmula, sustos bien construidos pero aislados, y que se ven a leguas. Es cierto que por momentos deja la tensión de lado y se decanta por un espíritu más detectivesco o aventurero, estilo Indiana Jones (cuando la vean, van a entender por qué lo digo), pero todo es demasiado conveniente.

Por momentos puede perderse en lo ominoso (inserte clip de Sirenoman gritando "¡Maldad!"), pero las imágenes y todo el lore religioso se quedan grabados en la retina. Falla nuevamente en que sigue sin explicar mucho de lo que pasa, lo que puede traducirse en algún que otro agujerito de guion o un "un hechicero lo hizo". El final, eso sí, me sacó una risa involuntaria.

Taissa Farmiga, seguís siendo todo lo que está bien en este mundo.

Where the Wild Things Are meets serie B.

Si hay dos cosas de las que podría considerarme fan (entre muchas otras) son los monstruos y los mockumentary. Los primeros me acompañan desde mi tierna infancia, cuando llenaba cuadernos enteros dibujándolos, y los segundos desde mi época de estudiante, cuando probé las mieles de Zelig, Ilha das Flores o La era del ñandú, las cuales, por cierto, recomiendo encarecidamente.

En esta comedia de terror/mockumentary (valga la redundancia) que nos ocupa, Adam Green (interpretándose a sí mismo) recibe una carta de un hombre que asegura tener pruebas fehacientes de la existencia real de monstruos. Ni lento ni perezoso, Adam, junto a su camarógrafo Will, decide visitarlo y registrar toda la experiencia.

Digging Up the Marrow realmente me hizo reír y, créanlo o no, también me asustó. Adam sabe manejar muy bien la tensión y, con pocos pero efectivos recursos, como centro al área bien pateado, logra que te enganches rápidamente con la historia. Es cierto que en el medio el ritmo decae un poco, pero vale completamente la pena llegar hasta el final.

De más está decir que esta película me encantó. La sola posibilidad de que exista un mundo oculto habitado por estas criaturas es como esnifar tiza de colores para nuestro niño interior (no lo hagan, no esnifen tiza de colores) y logra, con una premisa súper sencilla, despertar ese misterio y fascinación que, en gran parte, el cine actual fue perdiendo. Esa otrora llamada “sensación de asombro”.

Y es que Digging Up the Marrow está hecha con corazón, y se nota. Adam es uno de nosotros (gooble gobble, one of us, one of us). Admito, de todas formas, que cuesta ser objetivo (aunque probablemente la objetividad pura no exista, pero eso ya es harina de otro costal) cuando una temática te gusta tanto. Más todavía si, como a mí, los monstruos y los rechazados de la sociedad te acompañan desde que tenés memoria.

Ojalá algún día tengamos una segunda parte.

Si bien el cine exploitation (o cine de explotación) comenzó a gestarse en los años 30, consolidándose como modelo de negocio entre los 40 y los 50, y viviendo su época dorada entre las décadas del 60 y el 80, lo cierto es que tanto las ideas como el público se renuevan constantemente. Y cada cierto tiempo el cine vuelve a los clásicos, porque los clásicos siempre garpan, ya sea con una vuelta de tuerca, tomando aspectos poco explorados o prometiendo “la adaptación definitiva”.

No es exactamente el caso de The Last Voyage of the Demeter. Acá agarran un capítulo de apenas quince páginas de Dracula y lo estiran como chicle para hacer una película de casi dos horas. Y lo curioso es que, dentro de todo, caen bastante bien parados... en la costa.

Por un lado, Drácula: Mar de Sangre (como la bautizaron por estos lares) funciona como una película de terror bastante clásica y efectiva: clichés bien utilizados, atmósfera sólida y apariciones dosificadas de la criatura que ayudan a sostener el misterio. Básicamente, Alien en altamar, aunque sin el encanto de Rodolfo el xenomorfo. El metraje además tiene su buena cuota de gore y al menos un par de escenas donde probablemente pegues un salto.

Por otro lado, la historia toma ciertas decisiones que personalmente no termino de compartir. La “animalización” extrema del Conde es una de ellas, porque le quita casi cualquier rasgo de humanidad. Y si bien ese costado ya está presente en la novela, acá directamente no hay medias tintas: Drácula deja de sentirse como “el Conde” para convertirse pura y exclusivamente en un monstruo.

También hay cierta irregularidad visual. La mezcla entre efectos prácticos y CGI por momentos se ve espectacular y, en otros, más fea que reprimir a un jubilado. La fotografía tampoco ayuda demasiado: las escenas diurnas tienen una imagen clarísima y muy prolija, mientras que las nocturnas están exageradamente oscuras. Se entiende que muchas veces buscan esconder a la criatura, pero igual termina siendo molesto visualmente.

Respecto a su guion, no diría que la película sea un colador, pero sí tiene un par de balazos importantes (de hecho, hay uno que te puede arruinar la peli), aunque la embarcación logra mantenerse a flote, apenas.

Aun así, el final me gustó bastante y claramente estos muñecos estaban tanteando una secuela que nunca salió. Eso sí: habría que dejar de chorear con Drácula por, mínimo, dos años.

La mejor película de terror de su año… o mejor dicho, la mejor campaña de marketing de su año. Porque para que esta bala entre, tenés que estar bastante verde con el género. Y ojo, no digo que la película sea mala ni mucho menos, pero sí me resulta curioso cómo se la vendió casi como una revolución del terror moderno, cuando en realidad hace exactamente lo contrario: agarrar todos los clichés posibles, los mete en una licuadora y los adapta a los tiempos que corren.

Y ahí está justamente su mayor virtud.

Talk to Me no reinventa el cine de posesiones, lo aggiorna. Cambia castillos por suburbios, rituales antiguos por desafíos virales y el miedo a lo desconocido por esa necesidad medio enfermiza de grabarlo todo, compartirlo todo y convertir cualquier experiencia en espectáculo (como los Montaner o las Kardashian).

Por eso funciona.

Porque, en el fondo, es una película vieja disfrazada de nueva. De esas que te cruzabas haciendo zapping un viernes a la noche después de bajarte dos porciones de muzza y una birra. No es El Exorcista, ni cerca, pero como la pizza fría a las tres de la mañana, engaña bastante bien al estómago.

Y ojo, a su favor hay varias cosas. El universo que construye tiene personalidad, algunas imágenes quedan dando vueltas cuando termina la peli y los efectos prácticos son directamente una locura. Ahí sí se ganan un once de diez.

Ahora, si esta es tu primera vez con el género, probablemente te parezca la gloria absoluta. Si no, vas a ver venir cada golpe de efecto desde la otra cuadra, porque su narrativa es puro tren fantasma: efectiva, sí, pero diseñada para que sepas exactamente cuándo agarrarte del asiento, o saltar de el.

En resumen: funciona. No reinventa la rueda, no es la mejor película de terror de su año ni en pedo, pero como puerta de entrada al género está más que bien. Y si ya venís curtido en esto, encargate una pizza y disfrutá el viaje.

Todos en la sala sabíamos lo que iba a pasar. Sabímos a qué ibamos, conocíamos la historia y su final, y aun así, cuando el momento de la prueba Trinity llegó, no volaba una mosca. Todo quedó en silencio, la pantalla se iluminó y escuchamos la ya tristemente célebra frase: “Ahora me convierto en la Muerte, destructora de mundos”.

Y es que Oppenheimer es la película de terror de Nolan, quien demuestra que sabe manejar la tensión con maestría. Como siempre, su montaje es enrevesado porque sí, pero bueno, ya es marca registrada del director. Quizás le sobraba media hora, pero no deja de ser un excelente ejercicio cinematográfico sobre una mente brillante y atormentada, y un evento que cambió el mundo tal como lo conocemos.

Las cosas claras: tanto este film como su predecesor son una carta de amor a los fans del trepamuros. Quizás menos es más, y la primera parte se sintió más cercana, ya que muchos de los que crecimos con el personaje nos identificamos con ese Peter Parker de otro universo.

Acá hay demasiada información, lo cual por momentos puede ser contraproducente, pero igual te vuela la cabeza: la animación, las referencias… Lo único malo es que todavía nos queda una parte más. Pero lograron algo que pocas películas consiguen: introducir un nuevo concepto en el lenguaje cotidiano, como lo es el evento canon.

Y es que, a estas alturas, Across the Spider-Verse y nuestro amigable vecino ya forman parte de la cultura pop.

Quizás el último producto a la altura de la Casa de las Ideas, con un director que supo entender a estos personajes desconocidos y hacerlos suyos. Y es que (muy a mi pesar) si en algo destaca James Gunn es justamente en tomar a los don nadie y llevarlos a la cima.

Ojalá esta sea la dirección del nuevo universo de DC que ahora lidera y no la del desastre que supuso The Flash. En cuanto a esta cinta, es una lástima la nerfeada que le pegaron a Adam Warlock, pero se le perdona porque, en conjunto, es una buena película que sabe tocarte la fibra.