Reseñas

Serpico, el hombre detrás del nombre, el hombre noble en un mundo bastante turbio y corrupto, el director Sidney Lumet nos introduce en esa Estados Unidos de los años 70, en sus calles y culturas para si se quiere, explorar en profundidad a ese personaje alrededor de toda la vorágine y toda la esencia del lugar y de las personas que lo rodean, siendo la segunda vez que la veo ya la consideraba una de las mejores películas del cineasta, y vuelvo a reafirmarlo con mucha seguridad, siendo esta, una obra que parece no perder nada durante su camino en el tiempo y hasta quizás, teniendo la clave de que, aquello en lo que busca hacer crítica, no ha cambiado para nada y quizás eso, también juegue a favor de verse aún consolidada y sólida.

Desde un inicio acierta su primer golpe y nos muestra sus cartas, con una escena de una violencia ya consumada con un hombre en estado crítico, que hasta ese momento no sabemos quien es, ni su nombre ni lo que hace, y que, inmediatamente la tomamos como una escena que nos introduce y nos invita a explorar que fue lo sucedido para llegar a esa escena inicial, desde allí rebobina y nos lleva a un viaje que si acaso parecieran revivir las memorias de ese hombre en las últimas de su vida, y ahí si, empezamos a desandar con él todo lo que lo conforma como persona, sus creencias, sus amores y desamores, su ética y su moral.

La película como ya mencioné, captura una esencia y un carisma de esa ciudad en época, encuentra en el mayor espacio de tiempo una buena soltura con muy buen ritmo y desarrollo consistente en el que no tambalea nunca, sus pasajes coquetean con distintas facetas y distintos géneros como el dramático, la acción, el romance, también encuentra secuencias propias de tensión y adrenalina, aunque para que funcione no se asienta en ninguna de ellas de forma definitiva y las va sobrevolando a todas ellas en distintas etapas, una decisión acertada teniendo en cuenta que posee ese control sobre todas esas construcciones para poder llevarla en plenitud.

Claro está, un gran porcentaje de sus éxitos, se deben a la gran actuación que ejecuta un Al Pacino en estado absoluto de gracia, un tipo que va mutando desde el dramatismo hasta esos destellos de comedia sin escala, es fundamental recomendar que Serpico, se debe ver en idioma original con subtítulos, para percibir con mejor eficacia todo el trabajo hasta vocal que realiza Al Pacino, quien además agrega su distintivo a nivel corporal y estético, con esos distintos vestuarios que van generando una simpatía necesaria de la que se hace dueño desde lo poco que empieza hasta el último minuto.

Serpico reflexiona sobre la honestidad, la moralidad, la ética y la integridad aún cuando estas, cuestan caro llevarlas como bandera en un entorno que mientras más nos sumergimos, más podrido por dentro está, quizás podemos ver su relato reflejado en la sociedad fuera de la ficción, un reflejo que hasta el día de hoy evidentemente no ha cambiado y que, quizás la propia realidad sea parte de la efectividad en el mantenimiento de esta película que, se ve intacta y al parecer seguirá así hasta quien sabe cuando, Lumet en la dirección y Al Pacino en la actuación, combo bestial que ha quedado demostrado.

Calificación: 7.3

Correspondiente al universo de John Wick que ya cuenta anteriormente con 4 películas del personaje de Keanu Reeves, llega este spin off que a priori, es un proyecto digno de pertenecer a ese interesante mundo conviviente en el género de acción, un largometraje que más allá de la propia avanzada de violencia, peleas y explosiones propias de tal función, cumple en ese sentido pero no muestra nada nuevo, tal mención no la digo como algo negativo, si al fin y al cabo quizás entremos a ver Ballerina, solo esperando que nos ofrezca esos momentos cargados de golpes y sangre que es en donde cumple con mucha eficiencia.

En cuanto al acople que debería tener para con su universo, nada para objetar, al contrario, siendo que ya sonaba algo con fortuna en contra el hecho de lanzarse a realizar este spin off con el nombre de una saga como John Wick a sus espaldas, sonaba algo suicida, pero la cuestión es que Ballerina se ensambla a la perfección en esa serie de películas de acción en la que, no inventa nada nuevo, eso es verdad, pero que si nos regala unas buenas dosis de adrenalina y tensión propias del género de acción, ya ha cumplido con buenas razones lo que solo se espera de ella.

De hecho la película se siente más cómoda ahí, en donde las explosiones abundan, donde la sangre salta por montones y donde sus técnicas cargadas de coreografías se llenan en la pantalla, incluso son los momentos en los que más se lleva a cabo el desarrollo, habrá etapas en las que incluso aunque no hayan demasiadas razones ni nos preguntemos los por qué, todo terminará resolviéndose a los golpes, fundamento por el cual si no nos hacemos tantas preguntas de porque se llega con tantas facilidades a esa situaciones, la estaremos pasando bastante bien, porque después de todo, muchas de esas escenas y contextos se exponen en situaciones un poco incongruentes, pero en fin, no estamos para apreciar realidades aquí, sino solo como están hechas tales situaciones.

Ana de Armas como protagonista está correctísima, quizás uno de los papeles donde más cómoda la he visto desenvolverse siendo que la cubana no me parece del todo una buena actriz, pero quizás allá encontrado aquí un género en el que poder explorar su potencial con elementos que no la expongan tanto interpretativamente y que si pueda desarrollar esa capacidad corporal que requiere tales coreografías de batallas, claro que ella es la que se lleva todos los flashes en la mayoría de tiempo que transcurre el film, aunque se ve un poco obnubilada cuando comparte pantalla con Keanu Reeves, por suerte para ella, son pocas escenas para que luego ella vuelva a retomar el interés del espectador.

Ballerina como acción cumple y mucho, a la hora de confeccionarse como historia empieza a tambalear y dudar, quizás podría haber sido aún mejor si, pero bien deberíamos pensar que es una película que desde su idealización tenía varias cosas en contra, una de ellas, el pertenecer al universo John Wick, la convivencia en ese mundo la sortea naturalmente y no defrauda, aunque es verdad que no puede saltear a la figura del propio personaje protagonizado por Keanu Reeves, otra de las pequeñas cosas a reclamar es su duración, quizás dos horas y 5 minutos, es bastante para un film que solo se lleva bien a los golpes por doquier.

Calificación: 6.4

Luego de haber explorado la filmografía de Xavier Dolan y haber salido con una floja experiencia en mi visita a "No es más que el fin del mundo", aquí le daré la oportunidad de reivindicación con "Mommy", esperando que mejore mi percepción hacia su constancia artística.

El director canadiense busca excavar mediante las relaciones de madre e hijo y sus dificultades, para así poder arribar y hacer énfasis en los tratados que se le brindan íntima y socialmente a los distintos problemas de salud mental, así mismo como esos problemas van dejando huella en aquellas personas que lo sufren, así como en aquellas personas que deciden acompañar durante ese duro proceso del cual parece y al menos Dolan lo plantea así, cuesta que haya una salida.

Es impactante como se saca tanto drama y cataclismo como sé es posible, en un formato visual de 1:1, como si de representar una prisión, un encierro constante al que se los expone a nuestros protagonistas se tratase, un formato que cada tanto tiene sus pasajes donde explícitamente se abre el plano para darle un respiro y una determinada libertad ante un desarrollo que los sofoca permanentemente y que bien esa situación sigue prevaleciendo.

Los colores son utilizados con el propósito de reafirmar todos los espacios emocionales que plasman en pantalla sus figuras, paseando por filtros con tonos azules, rojos, amarillos, marrones y verdes durante todas esas etapas, simbolizando en esos colores todos sus significados negativos, así podemos transitar junto con Antoine Olivier Pilon (Steve) las fases de soledad, incertidumbre y melancolía que lo asaltan continuamente.

Es interesante como en sus trayectos de alivio que se les otorga a sus intérpretes, esos colores siguen latentes en la historia, pero esta vez, se las puede deducir como el entendimiento positivo de esos tonos en la vida de las personas y en cómo hasta el uso de la cámara puede otorgarle una composición más amena hacia ellos, teniendo en cuenta que en los momentos oscuros se planteaba una cámara en constante movimiento desorientador y confuso, y luego esos movimientos se tornan a tramos de diversión y soltura.

Más que interesante y empática interpretación de Antoine Olivier Pilon, asumiendo el compromiso de las misceláneas por las que está estructurado su figura, al igual de cómo se logra una interacción fluida con sus protagonistas secundarias, asimilando periodos de mucho sufrimiento y aflicción de su parte para con el relato, efectivizándolo de gran forma.

Un ritmo que no sé permite ser lento debido a los distintos ciclos que toca y que no le dejan ser aburrida y caer en un declive, tornando una constancia dinámica, por momentos interesantemente hilarante y desde luego asfixiante en virtud al tema que se plantea logrando atrapar y entretener en todo su recorrido.

No le puedo conceder una mayor calificación a causa de que me sucedió la sensación de que el director quiso sacar tragedia y dolor hasta debajo de las piedras, no pudiendo administrar con eficacia un final que para mi gusto hubiese sido más acorde habiendo finalizado quizás, unos 20 minutos antes.

Cuestión que vale recalcar no le quita el buen desempeño previo hacia ese seductor punto de vista que le brinda el cineasta a las relaciones entre madres e hijos armonizando una crudeza total para referirse de los conflictos que atrae en propios y extraños, los problemas de salud mental y el tratado que a ellos se les da.

Calificación: 8.5

Mickey 17 es una película que se hizo esperar bastante y que llegó con bastantes obstáculos, de hecho se esperaba que llegara a los cines para el año 2024, pero finalmente ha arribado lo nuevo de Bong Joon-ho, y claro que si estamos hablando del director coreano creador de Parasite, tales retrasos que aumentaban la ansiedad y tal nombre al frente de este proyecto, iba a esperarse algo que estuviera a la altura de esas mismas expectativas, lo cierto es que dichas ilusiones quizás solo hacen al final de la cuenta un pequeño aporte para que termine tropezando esa necesidad de algo demasiado bueno como aquel film que lo llevó al cineasta coreano a ganar dos Oscar en su momento.

En principio Mickey 17 es un interesante cóctel cargado de pestañas que nos invita a reflexionar sobre distintos temas sociales y políticos, quizás, como le gusta a Bong Joon-ho, en ella podemos encontrar principalmente una crítica hacia la explotación laboral en esas relaciones de poder que se dan en relaciones de dependencia, la búsqueda de la identidad a través del vivir, morir y nacer de nuevo, y sobre todo, el para qué vivir, aprovechando además para capturar casi caricaturescamente la visión política de lo absurdo que se ven en sus actos televisivos y propagandísticos, aunque todas sus ópticas se pueden dilucidar, no tarda demasiado en encontrar algunos conflictos a la hora de desarrollar su historia.

El primer bache que encuentro es el manejo de sus tiempos, cuestionamiento que me surge a partir de que por determinados momentos pasaba demasiado, casi de forma agobiante, sin ir más lejos durante sus primeros minutos donde nos demostrará la dinámica en la que está encajada su historia y que a la vez nos hará introducir en la propia dinámica de sus personajes para solo luego, hacernos saber que ese es apenas el inicio siendo que a mi gusto ya pasa bastante en ese período de tiempo, para después ir intercalando mayormente en altibajos constantes de tal asunto, muchos momentos de relleno y por otros algunas cosas más interesantes que aportaban bastante más, incluso su última media hora me parece bastante de más, quizás para ese relato una duración de 2 horas y 17 minutos termina siendo bastante y no puede ocuparlo con eficiencia.

Robert Pattinson como protagonista está muy correcto, ya que si nos referimos a él en amplias palabras le toca el esfuerzo de interpretar a dos personajes distintos entre si y que además los tenga que hacer convivir en escena, le resulta demasiado correcta dicha tarea, por lo que nos hace saber cómodamente cual es el semblante y la composición personal de cada uno de sus personajes sin demasiadas complicaciones, detrás de él un basto grupo de secundarios que corren con suertes distintas, algunos aportando de buena manera a la trama como Naomi Ackie, mientras que otros se escapan de tema o se quedan cortos, como en el caso de Mark Ruffalo que, ya se vio en una película como Poor Things que le queda bastante cómodo en sus limitaciones la sobreactuación, esta vez para estar un poco más desmedido respecto a ese rango actoral y a gusto personal un poco pierde el equilibrio de lo exacto.

Haciendo la cuenta final, Mickey 17 fue mucho ruido y pocas nueces, se hizo rogar bastante y nos ha dejado con las ganas, sería absurdo por parte de nosotros como espectadores esperar algo al nivel de Parasite del mismo director, si, pero quizás tanto retraso por una cosa u otra, fue ampliando las necesidades de ver algo de mucho mayor calibre cercano a esa magnitud, me ha dejado unos sabores agridulce por sus virtudes y sus varios defectos que tal vez, terminan por inclinar un poco más la balanza para el lado de lo que se queda corto, de lo que falta cocinarse, de aquello que se esperaba mucho y quedó en deuda.

6.3

Al fin he podido ver una de las películas francesas que más esperaba poder experimentar de la temporada pasada, y debo decir que ya habiéndola consumido luego de algunos días, L'amour ouf me ha cumplido a secas, quizás más bien el cumplido sea más en un punto a favor que en contra, encontrando allí varias cuestiones que la realzan como historia mientras que por otras partes, algunos puntos que le derivan hacia un determinado obstáculo del cual no puede librarse para así dar a entender que, podría haber sido aún bastante más potente de lo que termina sucediendo finalmente.

La película arranca con una escena que en ese momento podemos pensarla como futurista, un desencadenante de algo que se venía tejiendo anteriormente y que hasta ese momento, solo tenemos como referencia esa especie de punto final, lo cual es más que agradable, ya que inmediatamente nos plantea el interés de saber el por qué y el como se ha llegado hasta ese momento para luego trasladarnos muchos años atrás en el tiempo, para que con aquello justamente, nos invite a presenciar una construcción desde sus cimientos como historia en búsqueda de la contundencia para erigir a sus personajes como componentes íntimos y profundos que por consecuencia vendrán a ser el alma del largometraje.

Su duración de 2 horas y 40 minutos parece demasiado, de hecho es una de las cosas que más me causaban temor a la hora de sumergirme en su incursión, pero la cuestión es que se encuentra proporcionada de tal forma que ese tiempo se escurre fácilmente a la hora de consumirla, encontrando una buena esencia que pega decididamente en las intenciones de que el espectador se sienta cómodo con ella desde un primer momento hasta el último minuto, lo cual le resulta clave para poder potenciarse a medida que va avanzando en su desarrollo, aunque esto último no termina de lograrse en su totalidad.

Ya adentrándonos, posee en su interior momento en los cuales pretende ser bastante seria y otros trayectos en los que se queda un poco más en el absurdo o en lo demasiado light o demasiado cursi, hecho que si se hubiesen cuidado más los tonos y la clave a la que se quería dirigir, hubiese sido más redonda todavía, por determinadas etapas busca jugar con elementos demasiados surrealistas para darle una determinada composición a las metáforas amorosas que sus personajes vivencias, por otro lado busca implementar cierta visceralidad sobre sus quiebres de violencia en los que muchas veces, recae en lo liviano y no logra obtener esa atmósfera tan brutal como se deberían de experimentar dichos pasajes.

Es agradable notar como la película en su poco más de la primera hora, puede construirse exitosamente sin la necesidad de que estén en pantalla sus actores principales, François Civil y Adèle Exarchopoulos, para los cuales durante esa primera etapa se va tejiendo una especie de red para que ellos eficientemente finalicen rematando la historia con un tono totalmente elevado y acertado de que funcione así, ya que así ellos pueden brindarle un punto más exaltado al dramatismo y al dejar sus pieles en lo interpretativo, particularmente destaco a la francesa Exarchopoulos que, pocas veces me ha defraudado en las películas que he visto que la tengan como protagonista, aquí una vez más dejando su huella y entregando todo su potencial como ya casi es costumbre en ella.

L'amour ouf quizás en los papeles, se hubiese visionado con bastante más seriedad de la que finalmente tiene, esos tonos por los que va transcurriendo su desarrollo se hacen bastante disparejos en el conjunto total, Civil y Exarchopoulos acertadamente se encargan de la última posta, digo que acertadamente porque tal vez sean en grandes palabras de lo mejor y hasta quizás lo mejor de todo el film, lo que me nace la pregunta de que, si hubiesen aparecido en toda su duración, es que con tal desnivel de situaciones y de ritmo, si hubiesen caído ellos con el producto total al no poder controlar lo que está fuera de su alcance o si hubiesen podido navegar con éxito en esas tormentas difíciles.

Calificación: 6.9

Biografía, obra y vida de la periodista, modelo y fotógrafa Lee Miller, corresponsal de guerra y dueña de un puñado de fotografías de las más impactantes que han existido de la Segunda Guerra Mundial, la también fotógrafa Ellen Kuras se lanza al vuelo solitario en la dirección para tratar de dar un pantallazo de aquel personaje femenino que fue tomando dimensión con el paso de los años e incluso ya fallecida, una biopic que tiene certezas y dudas, aciertos y desatinos en los que justamente, sus puntos flojos nacen desde la seguridad establecida para poder contar su historia.

Kuras elige el camino de los juegos temporales para narrar la historia de Miller, que en este caso se va moviendo entre un pasado a modo de iniciación, su pasado al que frecuentará con mayor grado temporal y un presente en el que se cuenta todo a modo de memorias de ese pasado turbulento, tales decisiones están correctas, si, de hecho es quizás la mejor opción para ir desentrañando esos sucesos que le tocó vivir a su personaje, aunque tal vez eso implique que aparezca el primer inconveniente que he encontrado, el factor atmosférico que por momentos se me ha hecho bastante tenue y sin el potencial que podían haber abarcado ciertas ocasiones en las que le hubiese sido muy necesario.

Otro de sus problemas radica bastante en la seguridad con la que se maneja todo el tiempo la película, quizás la directora en su afán de no fallar en su primera incursión al frente de un largometraje, le genera inconscientemente un conflicto en el que no se observan riesgos, decidida a no encontrarlos ni buscarlos, lo cual lo convierte por etapas en una película bastante sosa y formal, muchas veces ir a lo seguro es fallar, y este es precisamente el caso de "Lee", también se puede divisar que aunque, no es el escenario principal en el que pretende moverse, el factor del campo de batalla propio de una guerra está un poco desaprovechado estética y técnicamente, hecho por el que se podría haber dado un poquito más de enfoque allí y no solo en los entretelones de los conflictos bélicos.

Kate Winslet está sencillamente fenomenal, el punto más fuerte de este proyecto, es interesante ver como en los distintos pasajes temporales de su desarrollo se va codeando con sus distintos actores secundarios en los que lo que no faltan, son nombres de alto vuelo, entre ellos, Alexander Skarsgård, Marion Cotillard y Josh O'Connor, además me fue agradable notar como pareciera toda la mesa servida a disposición de su única protagonista, cada uno de sus secundarios en el choque interpretativo le potencia y nutre a su cabeza de elenco eficientemente, especialmente el actor sueco y la actriz francesa, son esos momentos en los que adquiere mayor potencial interpretativa para su figura.

"Lee: Retratos de guerra", es cargada en los hombros de Kate Winslet, lo mejor de esta biopic que peca, curiosamente, de seguridad, cuando ir a lo seguro y buscar lo correcto y tratar de esquivar a toda costa los riesgos y los errores, es valga la redundancia, un error, podría haber optado por una mayor aptitud en la ambición de elevar su vuelo pero solo decide quedarse con la etiqueta de "correcta", pero no es suficiente, tenía las herramientas, si, pero el temor de Kuras ante su debut en el liderazgo de un proyecto cinematográfico le pudo más y termina dejando un sabor bastante amargo.

Calificación: 6.9

Cuando nos adentramos a experimentar The Fabelmans, estaremos hablando de presenciar la película más personal del legendario director Steven Spielberg, estaremos viendo lo que él ha considerado su vida llevándola al mundo de la ficción, la vida, inspiraciones, amores, tragedias y obra de uno de los nombres más importantes en la historia del cine, y claro que, su biografía o lo que capturamos en esencia de lo que es, está más que a la altura de tal hombre en su conformación como persona y como personaje, su aprendizaje y su camino recorrido que lo llevó a ser y pertenecer.

The Fabelmans es un manjar para cualquier cinéfilo, incluso para aquellos simpatizantes del cine que no estén tan metidos en profundidad en ese mundo de conceptos, técnicas y demás, es un pasado conformado hacia las entrañas del amor por el séptimo arte, esa semilla que se planta de manera misteriosa sin saber demasiado los por qué y los como, ese interés que va germinando como el tiempo hasta el momento clave de la determinación, esa decisión de ser y pertenecer para aquella cosa o actividad que ha flechado a ese joven de manera imprevista e instantánea.

La película tiene un interesante aura, esa particular energía de añoranza, de melancolía casi constante, aunque curiosamente no una melancolía triste, o al menos no del todo, sino de aquella de mirar el pasado con sus efectos, defectos y virtudes para tomarlos como punto de inflexión y de aprendizaje para el futuro que vendrá, aquella de mirar para atrás como el camino que se desandado aceptando sus obstáculos, su fluidez, las caídas y las levantadas para superar todo tipo de adversidades en el afán de cumplir con esos sueños que parecían lejanos.

Se entiende que es de las películas más nuevas en la basta y más que icónica filmografía de Spielberg, pero a pesar de eso se encuentran distintos fragmentos en los que uno puede dilucidad de que tienen futuro de historia para con el cine y para con la propia filmografía del director estadounidense, entre varias de ellas, destaco sin dudas la ya muy conocida escena final en la que Spielberg retrata su encuentro con el legendario director John Ford en el que le da un consejo sobre cine, destacando además que en el largometraje, Ford es interpretado por otro de los nombres históricos del cine como lo es David Lynch, claramente es uno de esos fragmentos que quedarán para la historia de una película que tiene varios en ese potencial pero que si acaso, es el primero de ellos que ha tomado la punta.

Respecto a sus protagonistas, la mayoría está muy bien y la construcción y el soporte que se brindan unos a otros para entregar una mejor explosión interpretativa está muy bien llevada a cabo, por parte de Gabriel LaBelle es interesante notar como él y su personaje va nutriéndose de sus distintos secundarios y potenciándose a través de ellos y de las distintas disposiciones que cada uno puede entregarle cuando les toca compartir pantalla, especialmente de Paul Dano y de Michelle Williams, quien es para mi gusto, la actriz quien saca más provecho individual en la composición de su personaje, esa mujer conformada con distintos grises, ese vuelo libre en su de a ratos consciente jaula, esa que ama en secreto y en profundidad, esas distintas facetas suyas las interpreta con el corazón en la mano a cada una.

The Fabelmans es de las películas más nuevas de Steven Spielberg la que más relevancia ha ido tomando con el correr del tiempo, y tal vez, tenga esa potencia de cara al largo futuro de prevalecer al menos en su filmografía, como película clásica, una película que se ha hecho con sabiduría y con amor, sobre todo con la simpatía del cariño y del corazón, un aprendizaje personal que recorre el tiempo con sus agridulces, con sus triunfos y sus derrotas, pero nunca rindiéndose, huele a melancolía, a libertad y arte, si el tiempo la pondrá en un lugar más grande, es problema del tiempo, pero ahí está, desde el corazón de Spielberg, un pedazo de su historia o al menos, lo que él captó como su historia.

Calificación: 7.3

Hacía muchísimos años que no veía October Sky, y cuando me refiero a muchísimos, realmente es así, quizás mucho más haya de hace unos 10 años que no la veía, pero sin embargo, allí sigue, intacta como siempre, una de las películas con las que más me puedo ser atraído de una manera instantánea, de esas películas que si haciendo zapping la están dando en algún canal, me la quedo viendo, tal vez vale catalogarla en uno de mis "gustos culposos", no lo sé, porque de hecho tengo la consciencia y la certeza de sus virtudes así como de sus fallas, pero sin embargo por más que esos grises en cuanto a su logro los pueda divisar, es un film al que siempre volveré y esta vez, espero que no pasen 10 años abajo del puente para volver a inundarme de su naturaleza emocional que pega bien profundo.

La película dirigida por Joe Johnston abarca distintas reflexiones propias de la vida en el proceso de una persona en crecimiento, bien podríamos asemejarla a una coming of age, con un desarrollo en el que enfrenta a sus personajes a las inevitables transiciones de enfrentarse a la vida, a sus obstáculos y sus agridulces constantes, en la otra punta, se encuentran los sueños por los que luchar, mientras que en el camino, los progresos, retrocesos, caídas, pérdidas, tragedias y triunfos para llegar a ellos, es decir, la vida misma tal como lo es, muchas, muchísimas veces injusta y solo pocas pero valiosas las mieles de la realización personal.

Cielo de Octubre, juega constantemente con el drama y los conflictos familiares, del entorno y los externos en sus personajes, acercando a ellos los distintos puntos sociales que los rodea en el afán de trabajar para cumplir sus metas, allí, en un entorno de un pueblo alejado de la gran sociedad, ellos deberán confrontar con las personas que se burlan de ellos, con aquellos que no ven futuro en sus sueños y les echan tierra al no considerarlos valiosos, pero también, con aquellas personas valiosas que uno se cruza en el camino, con esos que siempre están, con esos con los que siempre se puede contar, con aquellos que creyeron, incluso antes de que uno crea en si mismo.

Un muy joven Jake Gyllenhaal como cabeza protagónica en el que, por consiguiente la historia se enfocará en él y en su crecimiento como persona rodeado por sus amigos, con quienes comparte las metas a cumplir por más difíciles que parezcan, en ese transcurso reflexionará sobre las relaciones familiares, con sus padres, el valor de la amistad, la valentía y la determinación por lo que uno cree correcto y también le tocará tropezar con los sinsabores del camino, mención además para la dulzura que aporta la interpretación de Laura Dern, uno de los personajes más emocionales con los que uno se siente más conmovido.

October Sky y un viaje por las estrellas de los sueños, navega por las tormentas y las barreras que se nos ponen en el camino, todo eso sirve, de todo se aprende, todo se transforma, hace tantos años que no la veía y sigue ahí, tan intacta y tan bella como siempre, como menciono al principio, espero que esta vez no pasen tanto los años para volver a verla, porque quizás puedo vaticinar que me tocará profundamente como aquella primera vez que la vi, y como aquellas tantas veces en la que me invita a aprender del proceso y del camino.

Calificación: 6.8

Manchester by the Sea y como romper todo lo que ya estaba roto, o más bien, caminar sobre los pedazos de lo que se rompió casi solo por pasión, una película en la que no existe sanación, ni heroes ni villanos, solo gente transitando sus emociones negativas y atravesándolas como pueden, una obra que no nos permite ni nos exige focalizar sobre algún comportamiento ya que, simplemente se deja ver a través de ella, que allí, se vive y se sobrevive como se puede, cargando con las penas y las tragedias adheridas a la piel.

Manchester junto al mar reflexiona acerca de esas personas con las que a priori no podemos ni empatizar en la forma que tienen de manejarse ni tampoco rechazarlos por completo, aquellas personas contradictorias en sus formas de desenvolverse y de resolver sus cuestiones, con lo que si podemos lograr empatizar es con sus conflictos, sus desgracias y sus duelos, entre ello se dejarán ver sus relaciones personales, como lo son las relaciones padre e hijo o tíos y sobrinos, esos lazos bastante turbulentos que por cosas del destino les toca enfrentar otra vez más, aquel pasado tan dañino que los persigue a sol y sombra.

Entrar a su juego me fue algo caótico durante sus primeras secuencias, aunque luego ya dejándome llevar un poco más por la corriente me empecé a sentir más cómodo y a tomarle el ritmo a esos juegos de flashbacks que plantea su desarrollo, puesto a que es un montaje bastante suelto y que esboza distintos juegos temporales entre el pasado y el presente constantemente, curiosamente ese pasado se huele y se palpa aún demasiado fresco, tan fresco que parecieran fragmentos de una noche de alcohol en la que todo habrá salido mal, toda tal representación de que esos sucesos aún continúan intactos en la memoria de sus personajes, al tiempo, abarcan al funcionamiento de ir construyendo la historia y también irá delineando a sus personas y sus acciones al permitirnos seguir esa huella casi inmediata para comprenderlos.

Casey Affleck está muy correcto en su interpretación, ya que le toca experimentar en la piel de un hombre que es bastante antipático, callado y que pareciera inamovible emocionalmente, de hecho pocas veces durante el transcurso de su tiempo lo veremos perdiendo los estribos y siendo desbordado por sus sentimientos, un hombre que el mayor tiempo incursiona e implosiona por dentro esa colisión de sensaciones a la hora de mirar hacia atrás y justamente toda el agua que pasó abajo del puente, es interesante ver como el resto de las figuras, especialmente Michelle Williams, acompañan para nutrir a la cabeza principal en la eficacia de su composición protagónica.

Manchester by the Sea, del director Kenneth Lonergan, puede decirse que no es complaciente para con el espectador, no busca la lágrima fácil, ya que la va confeccionando a lo largo de su duración y tampoco pretende elaborar personajes perfectos que tengan un viaje introspectivo de aprendizaje y con los que podamos empatizar, solo ofrece la profundidad de los sentimientos de esos seres y sus desafortunadas vidas y las deja ahí para que nosotros como espectadores, las tomemos según podamos percibirlas y apreciarlas.

Calificación: 6.7

Un vehículo se encuentra detenido en el medio de un camino, dentro de ella un hombre con ciertos indicios de aflicción miranda casi al vacío pero pensando en... solo él lo sabe, de pronto observa de reojo el titular de un diario que indica el fallecimiento de un hombre, vuelve su mirada hacia la nada y empezamos a notar que ese titular es algo que lo afecta directamente, de repente nota como dos niños pasan en bicicleta y es ahí donde se nos traslada a ese mundo de aventuras, de desafíos y de aprendizaje llamado Stand by Me.

Desde el primer momento en el que presenta a ese grupo de pequeños amigos, nos introduce en la personalidad y en el rango de cada uno de ellos dentro del grupo, algo que hasta ese momento nos manifiesta al menos levemente de la conformación de cada uno individualmente, personajes muy distintos entre si y con distintas formas de ver y enfrentarse a la vida, más allá de que en profundidad compartan similares tormentos y padecimientos que terminarán por revelar tarde o temprano aquella mochila que cada uno carga consigo.

Como toda aventura, tiene que empezar con una propuesta o una consigna, en este caso la pregunta que determina tal transcurso es, "¿Quieren ir a ver un cadáver?", a pesar de lo tétrico que es la propuesta, la incursión no deja de ser aquella aventura observada desde el óptica inocente y dulce de un momento compartido entre niños, una expedición que a medida que pasan los minutos es una invitación a reflexionar sobre el valor de la amistad, la relaciones padres e hijos y la madurez emocional que los lleva a enfrentarse a interrogantes como el futuro, las oportunidades y el destino.

Una de las meditaciones más interesantes que hace, es la relación entre padres e hijos que esos niños llevan a sus espaldas, por un lado nuestro personaje principal, Gordie Lachance, quien además será nuestro narrador será principalmente el eje de esas interacciones, un joven en un proceso de duelo por la pérdida de su hermano a la vez que en su casa siente que es invisible, por lo que le toca cargar las frustraciones propias de haber perdido a la única persona que lo valoraba y que confiaba en él y las decepciones de su padre para con él ante el perceptible hueco que dejó esa tragedia en su familia.

Encuentro particular atractivo en la conformación de amistad entre Gordie y uno de los miembros de ese grupo, Chris Chambers, quien desde un primer momento se nos hace saber que es un joven con un entorno y habladurías complicadas a quien no le auguran un buen futuro, este particularmente es quien lo impulsa a Gordie a seguir sus sueños, es quien le hace saber de su empatía para con el y el potencial que tiene para llevar a cabo un buen futuro, quizás los consejos de este nacen desde una óptica intima de si mismo ante también la poca creencia en si mismo del personaje.

Es cautivante además como el componente principal que impulsa ese recorrido, el de encontrar un cadáver, va tomando a medida que avanza el desarrollo una perspectiva que en principio se comenzó como una travesía se transforma en una cuestión más seria y más intensa de cavilar como lo es la muerte, el hecho de convertirse en una especie de obsesión el llegar finalmente hacia ese cuerpo le da un grado y un cambio estructural en sus personajes en la forma de pensar tal suceso como el final de la vida, incluso en ello destaco un fragmento en el que los chicos se encuentran en una conversación muy distendida y que en diálogo no va referida al tema principal pero que, inmediatamente esa voz en off que nos guía destaca que, en ningún momento de esa conversación alguien mencionó al difundo, aunque se tenía en claro que todos lo estaban pensando.

Cuando el hombre del inicio vuelve en si luego de refrescar sus memorias, pareciera que el mismo rememorar sus andanzas le sirvió para hacer catarsis acerca de lo que al principio lo afligía por lo que leía en el titular del diario que tenía a su lado, ese hombre que se hizo escritor quizás algún día escribiría sobre los hechos y sucesos que lo marcaron a él y su grupo de compañeros, a lo que solo mientras tanto se determina a escribir en la computadora: "Nunca tuve amigos como los que tenía a los doce años. ¡Dios mío! ¿Alguien los tiene?".

Stand by Me huele a recuerdos que cambiaron vidas, a reflexiones que dejaron huella y que curaron heridas, el valor de las amistades, de sentir el apoyo del otro, un trayecto hacia las profundidades de la madurez emocional, es una de esas películas que cada vez que la veo me lleva a esas sensaciones que se encuentran intactas en una buena película, conmovedora, dulce y divertida, una película que a fin de cuenta muestra que el crecer no es tan malo como así también el enfrentarse a los desafíos de la vida, ya que lo importante es con quienes uno afronta esos retos, con los que nos impulsan a ser mejores, los que siempre estuvieron y los que creyeron antes que nosotros mismos.

Calificación: 9.0

Desde su debut en la dirección con la inconmensurable Past Lives, es que se esperaba el siguiente paso que daría la directora Celine Song, en tal caso sabiéndose de hace un buen tiempo, con Materialists, protagonizada por Dakota Johnson, Chris Evans y Pedro Pascal, un proyecto que en principio prometía debido a su directora aunque con el ojo puesto en ese elenco, ya llegada al público, el nuevo film de la estadounidense termina considerándose en más deudas pendientes y en más sabor a poco que finalmente en resoluciones y alegrías de las que terminaría dando.

Song intenta diagramar en su desarrollo de un poco más de 1 hora y 50 minutos, una reflexión profunda acerca de las relaciones amorosas y las percepciones de los seres humanos a la hora de relacionarse con sus pares, en la licuadora se ponen temas que a menudo son objeto de la realidad como lo son la importancia de la economía en una relación, la importancia que le ponemos al foco del físico y la belleza, a la vez que se encuentra justamente sumida en todo ese círculo vicioso social como punto de entorno toxico en el que sus personajes deberán adaptarse y serán invitados a la transición de sus puntos de vista y de sus conformaciones como personas individuales respecto a todo lo que los rodea.

El problema que nace de tocar tales temas, es que al fin de cuentas termina todo llegando a conclusiones bastante ambiguas rozando el "según como cada uno lo vea", es decir, una película que está bien, todo muy bonito, todos cambiaron sus formas de percibir las cosas en un abrir y cerrar de ojos pero, se terminó el film y la vida allá afuera continúa tal cual, y si, hasta cierto punto y quizás principalmente, nos fijamos en alguien por su belleza física, luego en una convivencia de pareja se vive mejor con estabilidad económica, incluso en la propia situación de los ánimos en los que se conviven, ese considero como su gran y fundamental conflicto, por el mismo hecho de que además no noto que esté férreamente atravesado por esas conclusiones, ya que parece todo el tiempo coquetear con pisarse a si misma.

Colocando el foco puntualmente en su elenco, es cierto que un grupo conformado por Dakota Johnson, Chris Evans y Pedro Pascal, tampoco es el elenco más despierto de toda la industria, causa problemas esas ciertas limitaciones interpretativas, si, pero en este caso, considero que el mayor de sus problemas no corre esta vez por cuenta de sus actores, si está bien Dakota Johnson, notándose además que es ella quien lleva toda la movida en ese punto actoral, siendo esta vez solo acompañada por Evans y Pascal que demasiado no logran traspasar en ningún sentido ni individualmente ni en conjunto como trío.

Materialists, de la directora Celine Song, finaliza siendo un proyecto con más penas que glorias, está más que claro que en la industria cinematográfica nada es color de rosas todo el tiempo, y era imposible pedirle a Song que mantuviera un nivel respecto a su Past Lives, aunque si se puede considerar esto como un paso en falso, claro está, pero tampoco podemos llegar al extremo de que le pueda mover el piso a la directora de los tiempos venideros, en tal situación, yo en mi punto de vista personal, estaré allí, esperando lo nuevo de la cineasta.

Calificación: 6.0

De la ya icónica saga de 28 días después, creada por Danny Boyle allá por el 2002 y que se ha ido haciendo fama de ser una de las películas más interesantes del género en los últimos años, que, en el medio tuvo la intervención del director español Juan Carlos Fresnadillo, vuelve a retomar desde la dirección a Boyle en esta tercera entrega de una saga que, si, continúa prevaleciendo como elemento interesante pero que también a claras cuentas, es una trilogía que viene en bajada, no pudiendo contemplar al nivel de aquel debut de 28 días después en el que, de hecho uno de los puntos claves para llegar a esa conclusión es la clara ausencia en lo venidero de aquel excepcional Cillian Murphy como cabeza interpretativa.

No uno de sus puntos más bajos, sino quizás el más bajo en esta tercera entrega, es el guion a cargo de Alex Garland, que extrañamente pareciera salirse del molde e inventar algo nuevo para con él mismo y para con este universo, siendo por lo mismo un guion que carece bastante de adrenalina y de emoción, siendo una película que desde el minuto 1 ya arranca bastante pobre, con una ausencia de la tensión que las anteriores entregas si habían podido ejecutar a modo de introducirnos en la historia, en este punto, considero que el inicio de Fresnadillo en 28 semanas después resulta bastante insuperable en su potencia introductoria, independientemente de que a partir de allí todo se le haga cuesta arriba.

En cambio si resulta agradable notar como Boyle a partir de la dirección, intenta al menos, traducir ese guion carente de corazón en determinados puntos de vorágine y de adrenalina con lo que tiene a mano, si bien claro está, con muy pocos argumentos para que tal histeria que maneja la cámara en la ejecución de ciertas escenas, puedas escalar de potencial en cuanto a las hostilidades que pudiera presentar el viaje de sus personajes, algo que incluso, da a entender que esto sería una "buena película" o "correcta película" si estuviera alejada de tal universo, ya que, hasta pareciera un poco descontextualizada de sus anteriores entregas.

Las actuaciones no me han convencido para nada, en gran parte pienso que tampoco han sido muy bien acompañados por el guion que tienen, ni Aaron Taylor-Johnson y Jodie Comer pueden hacer pie para intentar hacer suya la película, si hubiese sido por mi, le habría tratado de dar más desenvoltura a la actriz británica que a mi gusto, se encuentra bastante contenida y no se le brinda la oportunidad de poder dar su mayor potencia, si quien corre con buena suerte es Ralph Fiennes, que es uno de los puntos más destacados durante el poco tiempo que le toca estar en pantalla, cuando aparece su figura puede notarse ese aura que el resto del elenco no posee además de su carisma que le alcanza lo suficiente como para poder prevalecer en ese periodo en el que su personaje hace su aparición.

28 años después, a gusto personal, es la más baja de las tres, entretiene, si, pero no es suficiente, y más teniendo en cuenta que ese entretenimiento viene por parte de Boyle ante las fisuras de un guion bastante insuficiente y escaso de corazón, se entiende que Garland no busca en este caso agradarle a todo el mundo y que al contrario, busca dividir opiniones, bien que lo logra, pero esta es la mía, una película que incluso hubiese estado mejor vista si corría por parte de su individualidad y no estuviese anclada a ese mundo creado por Boyle allá en el 2002, debut de aquel por entonces, que por lo visto, continúa si ser superada por sus sucesoras.

Calificación: 5.8

David contra Goliat, es curioso que este escrito lo empiece mencionando aquella famosa historia bíblica en la que un joven pastor derrota a un gigante, pero el caso es que Spotlight es la sensación de la batalla que emprende en su relato, la historia de un pequeño grupo de honestos que se enfrenta a todo un sistema que, a medida que se va indagando más en profundidad en el conflicto, demuestra que todo es aún más escabroso y podrido del que parece, aunque más amargo aún es, como lo aclara su propio inicio, que toda esta película está basada en hechos reales.

El film dirigido por Tom McCarthy nos posiciona de inicio ante unos hechos de los cuales hay certeza de entrada, de verídicos, por lo que opta por ingresarnos directamente a todas las peripecias en el camino hacia la búsqueda de justicia, omite en tal caso, posicionarnos en un juego psicológico sobre si todo lo que estamos viendo es real o sugestión, para un tema bastante delicado como el que encara el cineasta estadounidense, una decisión bastante acertada, ya que además el foco del conflicto se encuentra posicionado sobre sus personajes y todos los obstáculos que deben sortear para poder llegar a cumplir con su misión.

Lo interesante es cuanto al tejido de tensión que realiza, es el darse cuenta junto con nuestros protagonistas, que todo está más embarrado de lo que en principio se cree, siendo todo un camino hacia el esperado desenlace bastante más complejo del que parece, asimilando así que hay del otro lado un componente social demasiado poderoso que mueve su poderío y sus influencias para zafarse, y no solo eso, sino que al mismo tiempo nos hace saber que cuenta con la división social que este ente conlleva de acuerdo a las estructuras de creencias religiosas, poniendo a las personas en contra de la espada y la pared con respecto a esos temas ideológicos.

Su nutrido elenco interpretativo están muy bien en equipo, notamos rápidamente que quien encabeza todo es Michael Keaton, si, pero de todos modos no puede decirse que sea él quien destaque por encima del resto, al contrario, aquí ninguno resalta por encima de otro, y eso se debe a que están acentuados sobre la base de un equipo, en el que cada uno individualmente nutre al resto y potencia a esa totalidad grupal muy correctamente, cabe mencionar que Keaton, venía de esa temporada anterior de también participar en la película ganadora al Oscar como lo fue Birdman, y que además significó si se quiere, su redención en la industria luego de sus años 90.

Spotlight es correcta en su desarrollo, encuentra un buen tono de tensión a medida que se va adentrando bastante más en su período de tiempo que, quizás 2 horas y 7 minutos le queda un poquito, apenitas, grande, pero de todos modos es un ejercicio que se puede mantener de pie durante esa duración, lo mejor es todo el paquete total que logra consolidar entre un muy buen guion, un buen clima y unas muy correctas actuaciones que están todas ellas a tono entre si, a mi punto de vista, justa ganadora fue de su temporada en la que tenía como contendientes a algunos títulos bastante potentes a los que pudo vencer.

Calificación: 6.9

Es una novela única y hermosa

Mielants adapta la historia de la novela de Max Porter titulada “Shy”, que narra la vida de un joven de 16 años en un internado para chicos con problemas de conducta en la Inglaterra de los 90, lo que curiosamente hace el director belga, es darle un giro a esos eventos y brindarles otra perspectiva, una mirada diferente de los sucesos, esta vez, no enfocada desde el punto de vista del joven como en el caso del libro de Porter, sino a través de Steve, el director de ese reformatorio, al que todos los días asiste más por amor al arte que por beneficios, haciendo de esa manera a través de su personaje principal, un recorrido profundo por la psicología de todas esas personas.

Esta película es una de esas que tranquilamente puede entrar en uno de esos desafíos cinéfilos que uno se encuentra por allí en el que la consigna es “películas que transcurran en un mismo día”, porque ese será el trayecto en el que acompañaremos a Steve, el día que vive todos los días, algo que, no solo lo hace más dinámico a ese viaje, sino que lo hace aún más asfixiante y angustiante, algo que nos permite adentrarnos aún más en su mente, en la estructura psicológica de esa figura que cree o al menos intenta poder con el resto, cuando pocas veces puede con él mismo.

Ese director del reformatorio del que estamos hablando, tiene un aspecto bastante particular, casi descuidada diría yo, ese hombre tiene la barba un poco canosa, como si el paso del tiempo hubiese ido hacia él mismo, tiene la mirada un poco perdida, como si fuese la mirada de un tipo de no duerme hace varios días, o como si fuese un tipo consumido por los excesos, o la mirada de un tipo consumido por el alcohol y los medicamentos, o más bien, un tipo que puede ser el cóctel de todos ellos, ese es Steve, un hombre que intenta mantener una institución y al resto de pie, cuando él apenas puede mantenerse parado.

La primera vez que vemos a ese hombre, es a través de una pantalla como si fuera una tv, precisamente en el backstage de una entrevista, en el que la periodista y su equipo le dan las ordenes técnicas y le preguntan si está preparado para comenzar, pero él parece estar metido en su mundo, como ya mencioné anteriormente, con la mirada perdida, llevándose las manos a la cara permanentemente, gestual y corporalmente molesto, inmediatamente la siguiente imagen que tenemos de él es conduciendo un vehículo a bastante velocidad, bajándose a abrir puertas y volviendo a subir, también con una grabadora en mano en la que empieza a lanzar distintas frases y directivas, propios movimientos de una persona desencajada en algún punto, y es que, en esas dos escenas muestra a lo que nos introduciremos en ese personaje, dos facetas distintas entre sí, pero que componen la figura del mismo sujeto en cuestión.

Hablando específicamente de que la novela de Porter se titula “Shy”, y que, independientemente de que Mielants le haya puesto el foco al director de ese instituto, también se encuentra muy presente la figura del joven protagonista del libro, y claro que también es fundamental en esta adaptación cinematográfica, ya que más bien es un componente utilizado como el detonante para que todo se escape de control y para que Steve termine perdiendo la cabeza, más de lo que ya la tiene, un personaje protagonizado por el joven Jay Lycurgo, que, quizás es el más completo de todos esos adolescentes, o al menos en el que más se profundiza, en ellos también se fusionan los pasajes de entrevistas periodísticas en los que se los invita a incurrir, cosa que los expone desde su psiques a cada uno de ellos, los pensamientos de esos jóvenes revoltosos y rebeldes que al mismo tiempo que muestran ese semblante insurrecto, puede verse que en sus adentros, también combaten contra sus propios fantasmas.

Algo de lo más acertado de Mielants es haber compuesto una película que reflexiona sobre aquellos desfavorecidos de la sociedad, aquellos a los que se empuja constantemente hacia el abismo sin caer en las facilidades de la romantización hacia esos sectores, cruda, caótica y dinámica, ese instituto bien puede verse funcionando como un suburbio de alguna de las ciudades más pintorescas del mundo, que mientras los demás viven, esos personajes ocultos, agresivos e impulsivos, apenas pueden aspirar a sobrevivir a las contiendas contra el sistema que los desecha y claro, también sobrevivientes a las contiendas contra sus propios fantasmas.

Calificación: 6.7

Hermosa película con drama romance y una historia real . No se le puede pedir más con actires tan destacados y profesionales.

Es una locura lo que transmite este nuevo Superman en términos de esperanza y luz, me siento realizado y con ganas de ser mejor persona después de ver la peli.

A MI, SÍ ME GUSTÓ, incluso con el final raro que le dieron, porque hicieron vencer al mal sobre el bien (entre comillas) cuando todos amábamos la idea de que venza la protagonista 'CAROLINE' al final de la historia. sin embargo eso no pasó, nos dieron un final muy seco e irónico que me dejó burlado por parte del director pero me gustó mucho ver la como la abuela en su representación más joven (Caroline, otra vez), a causa del embrujo/hechizo/o ritual del demonio que terminó por intercambiar los cuerpos y atrapar a la protagonista en el cuerpo de la anciana.
bien ahí! me dejaron enganchado a la pantalla! saludos!