Reseñas

Henry Selick adapta a Neil Gaiman con un toque gótico que roza el terror. Coraline parece un cuento para niños, pero es una advertencia para adultos... el deseo puede volverse trampa. La animación en stop-motion da una textura táctil, inquietante. Los ojos de botón son el símbolo perfecto del control disfrazado de amor. Coraline crece mirando el horror de cerca, entendiendo que la libertad también asusta. Como espectadora, me recordó que madurar es aceptar que no todo lo que brilla es hogar.

Requiem for a Dream no se ve, se sobrevive. Su montaje frenético, la música hipnótica de Clint Mansell y las actuaciones desgarradas crean un descenso al infierno de la adicción que duele físicamente. No hay redención, solo humanidad fracturada. Como espectadora, me dejó muda... entender que los sueños también pueden destruirnos es una verdad que nadie quiere mirar.

Jean-Pierre Jeunet construye un universo donde los pequeños gestos son actos de fe. Amélie es luz en movimiento, poesía visual con cámara de juguete. Audrey Tautou encarna a una heroína que cura el mundo sin tocarlo, con la misma timidez con la que otros destruyen. Es una película que te hace creer otra vez en los detalles... una mirada, una coincidencia, un hilo rojo invisible entre los que se atreven a sentir.

Sofia Coppola filma el silencio. Lost in Translation es un poema sobre la incomunicación, sobre sentirse extranjero incluso dentro de uno mismo. Bill Murray y Scarlett Johansson apenas hablan, pero sus miradas dicen todo. La cámara los observa sin invadirlos, los encuadres los separan con ternura. Esa conexión efímera en Tokio no es amor: es reconocimiento. Como espectadora, me dejó una tristeza dulce, como una carta sin remitente.

Guillermo del Toro convierte la Guerra Civil Española en un cuento de hadas oscuro. El laberinto del fauno es una fábula cruel sobre la imaginación como refugio. Ofelia, entre monstruos y realidades, encarna la resistencia de la pureza en un mundo podrido por el poder. Cada plano es una pintura gótica... tierra, sangre, mito. Lo que más duele no es la muerte, sino la belleza con la que se filma el sufrimiento. Del Toro nos recuerda que la fantasía no escapa del dolor, lo resignifica.

Hay películas que no se ven, se sueñan. Spirited Away de Hayao Miyazaki es una de ellas. Detrás de su mundo de espíritus, baños termales y dioses olvidados, está la historia de una niña que aprende a soltar el miedo. Cada criatura simboliza un fragmento del alma humana: la codicia, la memoria, la inocencia. Visualmente es deslumbrante, pero lo que la vuelve eterna es su corazón... el crecimiento como rito espiritual. Verla es recordar que, incluso en lo desconocido, la pureza no se pierde, solo cambia de forma.

Bien

buena

Espero sea una película buena.

Armand representa el debut en el largometraje del director noruego, Halfdan Ullmann Tøndel, quien además como dato, es nieto del legendario director Ingmar Bergman y de la actriz Liv Ullmann, el joven debutante deja con su ópera prima ciertas buenas ideas aunque del todo no terminan de encajar en una determinada totalidad como producto final, con muchos momentos interesantes a la hora de ejecutarlas y algunas otras decisiones que al menos se ven discutibles, en una obra que a final de cuentas deja certezas por igualdad de dudas de un cineasta que a priori, cumple muy justito.

Armand intenta reflexionar sobre las diferentes capas de "la verdad", encontrando buena eficiencia al menos durante su primera parte, momentos en los que se nos oculta cierta información que va develando poco a poco nos permite introducir exitosamente en lo pareciera una especie de thriller que intentará ir escalando de tensión a medida que pasen los minutos, cuestiones inmersivas que por fragmentos lo logra y que mientras por otros deja a deber esas sensaciones de tensión, dejando en esos sectores solo una especie de drama bastante light que no alcanza a escalar y que la hacen intermitente pero al menos hasta esos pasajes, correcta.

Es correcto que durante el mayor tiempo de su desarrollo se vaya desmenuzando en una sola locación como lo es un establecimiento educativo con sus escaleras, sus aulas, sus pasillos, aquí si se quiere para frecuentar un estado de claustrofobia que también irá intercalando posiciones con los diferentes grados de tensión que, aunque intermitentes se perciben, lo que también es certero es que el conflicto principal gire en torno hacia su grupo más pequeño de personajes, haciendo que en tal caso todo se nutra desde afuera hacia adentro de ese núcleo.

Uno de sus puntos más fuertes es el protagonismo que toma la actriz noruega, Renate Reinsve, quien se encuentra hipnótica y a medida que avanza el film va tomando más fuerza y más presencia su interpretación, hecho por el que en determinado tiempo la película empieza a depender de ella, un factor que no es del todo beneficioso en cuanto al producto total, pero habla bien de la sostenibilidad que la actriz puede aportarle a esos pasajes de bajón que tiene el desarrollo por determinadas decisiones a mi gusto desacertadas en cuanto a la ejecución de esta se debe.

Una primera hora correcta aunque intermitente, y una segunda mitad con algunas determinaciones cuestionables que la pinchan un poco y que no la permiten ser del todo natural tal como venía siendo hasta entonces, el debut en el largometraje de Halfdan Ullmann Tøndel deja igualdad de puntos a favor como cuestionamientos a la hora de dar resoluciones, aunque se nota que las ideas están allí, algunas veces no logran llegar a un muy buen puerto y terminan por ciertos pasajes en aguas bastante turbulentas, de todos modos, será un director que puliendo algunas pequeñas cosas a futuro, será un realizador para tener en cuenta.

Calificación: 6.2

Película belga de los directores Julie Lecoustre y Emmanuel Marre, que, en principio, a pocas horas de haberla experimentado puedo decir que es un largometraje que se va digiriendo de a poco y para su suerte, a medida que pasa más el tiempo esa digestión se hace más favorable para sus suertes y para poder percibirla con mayor claridad a la hora de evaluar esos pro y esas contras que tiene en el transcurso de sus casi dos horas de duración, hecho no menor ya que también tocará hablar de la duración que abarca su desarrollo y en el modo en que esta trata de organizarlo.

Zero Fucks Given nos invita a seguir el día a día de una azafata de avión, desde allí se establece un recorrido en el que vamos a percibir como es su vida y sus emociones, el círculo laboral y privado que la rodea y lo que notamos desde un principio, lo que esconde en sus sentimientos más profundos, un vacío que intenta tapar con horas y horas de trabajo para mantener su cabeza ocupada pero que, a medida que ese ritmo laboral se para, notamos que algo sucede en el interior de esa mujer en principio distante a la hora de tener que hacerse cargo de sus emociones y que preferentemente quiere mantenerse alejada del sentir emociones demasiado profundas.

Julie Lecoustre y Emmanuel Marre no intentan hacer de su largometraje una denuncia sobre las pésimas condiciones laborales del personal de avión, o al menos, no es el punto primordial, sino que en este caso esas condiciones de trabajo son el terreno firme para crear todo un interesante cóctel alrededor de su personaje principal que va desde la crítica hacia las formas de aparentar, la banalidad de las redes sociales que predominan en la vida actual de los jóvenes, donde todo lo que se ve a través de una pantalla es lo mejor, lo más bonito, muchas veces vendiendo postales que son solo un lindo envoltorio y nada en profundidad hasta aprovechar para excavar en lo profundo de esa mujer.

En el hecho de tratar de profundizar en su figura principal, termina resultando si se quiere, en una especie de estudio de personaje, que iremos conociendo a medida que avanzamos cada vez más y mejor, alguien que sobre si giran secretos si se quiere, o cosas que mejor no decir ni recordar, esa joven que se refugia en las interminables horas de trabajo para luego desembocar en las redes sociales buscando hombres de manera fugaz para luego descargar en alocadas fiestas de excesos pero que, aún así en todas esas facetas se la nota vacía por dentro, eso es lo que expresa su mirada, alguien que intenta mediante sucesos insustanciales cubrir ese agujero que deje entrever en todo momento y más, en las ocasiones en las que le toca aterrizar a tierra.

Llegando a su segunda mitad se irán revelando esos pequeños pasajes para con nosotros los espectadores acerca de la necesidad que tendremos de saber más sobre su vida, y claro está que todo inevitablemente terminará por hacer que ella se tenga que enfrentar a todo lo que intentaba esquivar hasta entonces, es allí donde la película toma un leve vuelco de ritmo, inclinándola un poco más hacia le lentitud, hacia lo íntimo y extrayendo su faceta más personal en la que se verá obligada a enfrentar sus tragedias, sus miedos, las expectativas de los demás hacia ella y sus duelos.

Adèle Exarchopoulos como protagonista está sobresaliente, de hecho pareciera ser una actriz que es garantía de buen nivel que nunca decepciona a pesar de que a veces los largometrajes no se encuentren a la altura de ella, en su caso interpretativo en varios fragmentos logra expresar una emocionalidad por de más destructiva, cosa que el film como producto total no se permite explotar del todo ese potencial dramático e introspectivo acorde a lo que puede ofrecer su protagonista con una simple mirada hacia la nada, con una voz que parece desinteresada, como que nada le preocupa y que nada le llega, pero que sabemos que a fin de cuentas es todo lo contrario, esa chica es con la que podemos empatizar, entenderla, saber que su refugio es también su peligrosa y contraproducente zona de confort, pero que tampoco la juzgamos, sino que solo transitamos sus procesos con ella.

Curiosamente como espectador, a pesar de que pude entender los procesos por los que transita su personaje en la segunda mitad, debo decir que me sentí más cómodo durante la primera etapa, no es la primera vez que me sucede con desarrollos que proponen esos golpes de ritmos desde una etapa hacia otra en pos de pretender volverlas una especie de declive para sus figuras, aunque de todos modos y como menciono al principio, quizás ese sea el punto de quiebre adecuado para una película que se procesa un largo rato luego de experimentarla al menos en mi caso, por primera vez, sintiéndola más confortable de lo que me dejó en sensaciones durante sus primeros minutos de finalizada, si sostengo en tal caso, que hubiese sido un concepto aún más redondo con algunos minutos menos de metraje, tal vez unos 15 minutos menos le hubiesen beneficiado todavía más.

Echo Valley empieza siendo una interesante sinopsis con dos actrices como Julianne Moore y Sydney Sweeney que resultan siendo de lo mejor de la película pero que, al final de cuentas como largometraje se queda bastante cortita y a pie fácilmente, mostrando así sus fisuras como guion en las que se muestran a medida que avanza el tiempo en determinadas inconsistencias demasiado inconsistentes y en conveniencias para con su búsqueda de sorprender que al fin y al cabo resultan ser demasiado torpes e incongruentes, haciendo así que en cada momento que avanza se vaya despedazando hasta quedar poco y nada en pie.

Para empezar a desarrollarse se toma de una especie de drama familiar que poco a poco irá mutando hacia una suerte de thriller psicológico que intentará tornarse inmersivo para con el espectador pero que justamente, se queda solo en eso, en intentos de consolidar algo de lo que no tiene las herramientas para poder hacerlo, su primera hora tejiéndose a través de la relación turbulenta entre una hija bastante rebelde y una madre que no puede con ella y totalmente abatida, en principio se ve como un hilo conductor bastante interesante que a medida que van avanzando los minutos le va soltando la mano para al menos en sus papeles, pasar a un relato cada vez más turbio, hecho que solo se queda en las pretensiones.

Cuando la cuestión llega a su segunda parte el tema empieza a deshilacharse paso tras paso, primero bajo lo conflictivo que le es hacerse dueña de una atmósfera inmersiva que nos permita estar dentro de las sensaciones, dentro de la propia acción de lo que se está viviendo, no entramos a sus juegos psicológicos y menos a sus juegos de suspenso con el que trata de envalentonarse, de hecho y como si fuera para mal, pareciera que sus protagonistas, tanto Moore como Sweeney se le escapan a la propia película y que el producto no puede seguirles la huella de tales interpretaciones que se ven por encima del mismo desarrollo.

Es atractivo el choque actoral entre sus dos protagonistas, una Sydney Sweeney bastante intensa, insubordinada e indisciplinada que desemboca emocionalmente en una Julianne Moore afligida, un tanto depresiva y en duelo que no se haya que hacer con los problemas que le atrae su hija, siendo esto un punto reflexivo sobre los alcances de la maternidad y la disposición de hasta donde uno es capaz de llegar para con sus hijos, acaso ese conflicto familiar, el punto más agradable que podría haber tomado para desandar un camino que le fuera más fructífero hasta que decide soltarle la mano y darle un quiebre que no le conviene.

Echo Valley quizás tenía demasiadas expectativas como producto total y una pintoresca idea que se va quedando sin fuerzas para encarar un quiebre de historia de la cual no tiene las herramientas para poder controlarlo, sus actrices son el mejor punto y más temprano que tarde el propio film les pierde pisada a tales grados interpretativos, siendo esto que ellas resultan al final siendo demasiado para una película que no las puede acompañar y las deja tirando del carro absolutamente solas y sin chances además de que algo pueda cambiar para bien, su segunda hora es la que termina por dinamitar todo.

Calificación: 5.9

El director británico Alex Garland vuelve a meterse al barro de la guerra, tal como lo hizo en la última temporada con su película Civil War, esta vez bajo la compañía en la dirección y guion de Ray Mendoza, incluso se mete en las memorias de este último quien fue soldado de los Estados Unidos que en esta ocasión relata sus experiencias en el campo de batalla y las lleva a la pantalla grande a cargo de quien en el año pasado realizó uno de los largometrajes más impactantes del propio género, aquí, quizás elevando a la máxima potencias esas amplitudes técnicas mostradas y que por lo tanto, ya que lo técnico y el propio género presta y amerita, es evidente que el cineasta hace comparar así mismas ambas obras suyas.

Técnicamente lo ya mostrado por Garland en Civil War, en esta oportunidad se eleva a la máxima potencia en todos los sentidos, desde lo sonoro genera un impacto mucho más duro y potente, el juego entre los sonidos y los silencios e inclusos esas inmersiones psicológicas en los pensamientos de sus personajes le son funcionales a ese ascenso técnico en cuanto a lo que oímos, visualmente es mucho más sangrienta y más en primera persona, estamos plenamente en contacto con las bombas, con los disparos y con la muerte en un sentido mucho más directo esta vez debido al lugar desde donde se nos permite experimentarla.

La película prácticamente se hace muy amena y pasa con agilidad, puesto que no necesitaremos demasiado contexto de introducción y que definitivamente nos sitúa allí donde acontecen los hechos, tiene mucha habilidad para desenvolverse el mayor tiempo en una sola locación y generar allí esa energía de tensión y adrenalina propia de los conflictos armados, pocas veces sale de esa única locación con igualdad de éxito, cosa que no se le nota demasiado que haya pasajes en las que se vaya debilitando incluso, estando en el mismo lugar una y otra vez.

Mi problema con Warfare es que no he encontrado un personaje o un mensajero con el que empatizar a través de su reflexión, que la guerra es mala, innecesaria y dolorosa para la raza humana, lo sabemos, pero en esta ocasión que sea vista a la través de las experiencias de soldados que efectivamente están en esas circunstancias porque lo son, no me ha permitido meterme emocionalmente para con ellos, ya que poco se puede ver de que alguna persona allí no esté combatiendo por sus ideales y su propia voluntad y el hecho de no encontrar como base a alguien que haya sido empujado de alguna manera a vivenciarla de primera mano.

Warfare, Tiempos de Guerra, es implacable en sus elementos técnicos, si, en tal sentido era esperable del mismo director puesto que, arriesga a meterse de nuevo al género bélico por segundo año consecutivo y al menos lo esperado era que tuviese una superioridad estética y sonora que lo consigue, inmersiva en ese sentido si, pero no emocionalmente, no me ha chocado y no me sentí adentro espiritualmente de algo que en todo momento sentí como una maravilla visual si, pero distante y un tanto fría, esta vez omite la figura de que el mensajero no se encuentre en el medio de la disputa y es allí donde no me ha permitido entrar con precisión moralmente.

Calificación: 6.5

Una película que retrata la historia de Estados Unidos, o al menos una parte de ella, siendo lo interesante que es la forma de Ryan Coogler para graficar esos sectores de los cimientos del país norteamericano, la visión de un país naturalmente racista y opresor de aquellas minorías por parte de la raza blanca se sirve de muy interesantes metáforas a la hora de construir este largometraje que goza de poder pasar por distintas fases con mucho éxito al mismo tiempo que nos entrega un cóctel bastante explosivo y dinámico de vampiros, acción, terror con esa contundente crítica social a un lugar que parece no haber cambiado en nada.

El primer punto a favor que tiene Sinners es que me ha resultado tan atractiva y atrapante, que sus dos horas y 17 minutos de duración se me han escurrido con agua entre los dedos, con una primera hora en la que se encarga de construir su base como historia en la que nos hará parte del conocimiento hacia sus personajes y del contexto social en el que estos se manejan, la facilidad para poder acomodarse a tal punto se distingue rápidamente puesto que si bien no le hace falta ser terminante, podemos percibir que en los aires sobrevuela un aire a cierta hostilidad y exclusión hacia esos personajes de raza negra que, por el solo hecho de mayormente cerrar tales círculos de convivencia entre ellos, nos hace saber de la existencia de la marginación del resto para con ellos.

Durante su segunda hora interesantemente da su giro hacia el punto de coquetear con el género de terror y el elemento de los vampiros, haciendo juegos constantes entre la tensión sobre lo que vaya a pasar y no sucede y de lo correcto que guarda sus momentos propios de tal género, si bien el punto de los vampiros estéticamente está muy bien llevado, con correctos clichés propios de tal componente que ya hemos conocido infinidad de veces a lo largo de tantas películas y de que se ve espectacular toda la maquinaria que tiene para hacerla funcionar desde los efectos especiales, las coreografías de acción y la sangre, claro está que es una pieza metafórica para situarnos en el contexto de como la raza blanca oprime culturalmente y socialmente a los negros en esas circunstancias, así mismo muestra la resistencia de esas minorías ante el inminente avasallamiento de sus derechos y del siempre mantener en la memoria esas costumbres de cultura inculcadas por sus generaciones pasadas.

Sus pinceladas de género musical son más que acertadas y cautivantes, con unas letras y contextos en los que se posicionan la misma que alimentan a su desarrollo bajo un muy atractivo ritmo de blues y bailes propios donde por esos momento se huele aunque sean por pocos tiempo, esos aires de libertad otorgada por la propia cultura musical de ese sector que, además de verse en su presente, interesantemente coquetea por momentos con la visualización de un futuro al saberse visión de la misma y de la mutación inevitable que los tiempos siguientes le esperan a modo de cambios sociales.

La actuación de Michael B. Jordan es más que correcta, cumple con creces bajo un cierto punto de dificultad que puede sortearlo sin mayores problemas, siendo que es el encargado de interpretar dos personajes, que, aunque hermanos en la historia, en ciertos puntos diferentes entre si, los que independientemente de la vestimenta, el propio Jordan con sus buenas personificaciones hace que podamos distinguirlos entre si desde un principio, algo que podría haber sido un problema termina resolviéndose con esa eficacia por parte de su protagonista, también mención para Hailee Steinfeld, a quien se la dosifica de forma certera a las intervenciones de su personaje, hecho por el que no es demasiado el tiempo que aparece en pantalla pero si eficiente y se le permite aportar su parte a la historia.

Cuando se dio a conocer que Sinners sería la próxima película del director de Pantera Negra, probablemente no se haya levantado tanto revuelo al respecto, lo cierto es que, Sinners es de lo mejor en lo que vamos de una temporada que todavía está bastante cruda, un combinado de terror, acción, drama social y musical que agrada mucho a los sentidos de quien la experimenta, sabe para que pretende utilizar el componente de los vampiros y le funciona exitosamente, su elenco va en sintonía como grupo y se podría decir que ninguno de ellos decepciona, teniendo a la cabeza a unos correctísimos Michael B. Jordan y Hailee Steinfeld, acaso este será el punto de quiebre en el que, cuando nos toque escuchar en algún momento que Ryan Coogler hará una futura película, tendremos que prestar más atención.

Calificación: 7.1

Quizás una de las historias de desamor más lindas que se hayan hecho en el cine, Wong Kar-Wai y una incursión profunda a los sentimientos de las personas, esas sensaciones que transcurren casi imperceptiblemente en esos momentos de la vida donde se está solo, esos momentos donde se coquetea con esa delgada línea entre una divina casualidad y un desafortunado destino donde todo lo que siempre se soñó, llegó en un momento donde todo lo que pudo y lo que se quiso ser, no será.

Su desarrollo transcurre lento, con un ritmo curiosa y extrañamente sin apuros, algo como que, si se dejara llevar por la propia corriente y por una energía que la impulsa a ir creándose con mesura pero al mismo tiempo con la templanza de saberse que se está haciendo con sus tiempos, quizás ahí estemos hablando de su primer punto fuerte, una serenidad que atrapa enseguida, que envuelve, que abraza y que acompaña, cuestión tal que le permite transcurrir con mucha facilidad en nuestro propio tiempo, con solo 1 hora y 38 minutos de duración, es tal el buen funcionamiento que encuentra, que pareciera en realidad durar menos.

Bajo un entorno de una Hong Kong infiel, Wong Kar-Wai va tallando las diferentes pestañas sentimentales de sus personajes, entremezclando el desamor, la soledad, la depresión y el desencanto, quizás estos sentimientos negativos son los que toman en primera instancia la escena ya que, los pasajes de amor, de compañía y de fortuna se pueden llegar a percibir obstruidos y reprimidos por haber llegado tarde al lugar donde se los solicitaba en la profundidad de esas personas, dejando así todo, en una promesa de destino que no será tal.

Sus protagonistas, Tony Leung y Maggie Cheung, logran interpretar a esas dos personas que, dicen lo justo y necesario, de esos que son más bien callados y que demasiado parecen no expresar al menos en palabras lo que les corre por dentro, aunque todo lo que toca de ellos son esos pasajes de miradas perdidas, de silencios, de miradas que dicen bastante más que cualquier palabra, es interesante el juego visual de que nosotros como espectadores solo tenemos plena óptica sobre ellos dos y no de sus respectivas parejas, sobre las que inevitablemente también circula la historia, a sus parejas las vemos apenas pasando, o de espaldas, o solo por momentos los escuchamos hablar, siendo esto una concentración en el mundo entre los personajes de Cheung y Chiu-Wai, ese mundo en el que deciden aislarse para escapar de todo lo que los rodea.

In the Mood for Love va desarrollándose lentamente y cuando queremos notar, ya se ha terminado, tiene esa energía y ese ritmo que cautivan enseguida y que invitan inmediatamente a sumergirse en la vida de aquellos dos desafortunados que encuentran lo que siempre buscaron en el momento equivocado, los sentimientos negativos encuentran plenitud en la historia ante la represión del valor a impulsarse a vivir lo que siempre se soñó por parte de esas dos personas que a fin de cuentas, se acompañan a estar solas.

Calificación: 7.3