Críticas

O personagem principal já está dando o seu melhor, então forçá-lo a trabalhar ainda mais parece um pouco duro. A morte é claramente uma questão filosófica; mesmo usar a ideia da selva caótica para explicá-la é melhor do que usar complicações emocionais. Eu sinto que o protagonista deveria ter a liberdade de escolher a morte, mas sem se sentir tão apressado. Como surgiram essas regras? Estamos nos beneficiando ou sendo prejudicados por elas? Será essa suposta “simpatia” algo real e palpável, ou apenas resultado do condicionamento pavloviano? Mas como essa série – sendo uma história coreana que adora retratar emocionalmente o amor dos pais – consegue se libertar dessa "simpatia"?

A narrativa me lembra “Todo Dia Uma Vida”, com “rostos” no lugar de “destino”. Com tantos caras bonitos, você provavelmente diria que o roteiro não foi feito para ser levado muito a sério; os roteiristas parecem um pouco preguiçosos, reciclando piadas antigas e resumindo assuntos recentes para integrá-los ao texto. As séries coreanas são realmente diferentes. A vida é dura e o azar é presente, mas não se pode nem morrer porque a “morte” toma uma atitude.

Um personagem reencarnando doze vezes é um dos cenários mais intrigantes das séries coreanas recentes. Fiquei me perguntando como esse programa conseguiu reunir um elenco tão excepcional, mas cada ator só aparece na tela por uns trinta minutos haha.

Este filme quase perfeito de 81 minutos conta uma história simples que subtrai a complexidade e os ressentimentos profundamente enraizados dos grandes temas de hoje, mas ainda mantém técnicas de produção cinematográfica refinadas e um profundo senso de cuidado humanístico. O diretor utiliza uma linguagem audiovisual impecável para criar um mundo do norte europeu envolto na sombra do conflito Rússia-Ucrânia. A composição elegante e ordenada e os tons de cores vibrantes formam um contraste marcante com o ambiente social sombrio e indiferente e, neste cenário, estão duas pessoas comuns em busca de beleza em suas vidas. Eu amei.

É curto, peculiar e comovente. Eu adoro romance fofo. Este filme combina habilmente doçura e tristeza, retratando a vida cotidiana das pessoas comuns da classe trabalhadora tendo como pano de fundo o conflito Rússia-Ucrânia. Não é uma típica história de amor; está enraizado nas dificuldades e na monotonia da vida real. O filme captura a essência do amor que floresce na adversidade, e a simplicidade dos personagens torna tudo ainda mais encantador e comovente. Aki Kaurismaki é simplesmente adorável, e os vários elementos misteriosos são vantagens com certeza.

O sol parece tão distante no inverno interminável, mas Aki Kaurismaki aperfeiçoa facilmente sua arte cômica inexpressiva. Por coincidência, num local onde a luz do sol é tão rara quanto um tesouro enterrado, as pessoas podem já ter desenvolvido um talento para conter emoções e aceitar peculiaridades sociais. Como resultado, o diretor dominou a alquimia do “humor inexpressivo” neste cenário intrigante, nos dando filmes que fazem cócegas em nossas veias humorísticas da maneira mais finlandesa imaginável.

Foi como assistir a um filme do século passado que ainda se apega a cores, melodias e inocência familiares. Em meio a guerras violentas e vidas em ruínas, o amor ajuda as pessoas a dominarem suas sombras interiores e os horrores em seu entorno, superando separações inesperadas e permitindo que duas pessoas estejam uma com a outra como duas folhas caídas dançando juntas na brisa do outono. Qual é o problema com coisas nostálgicas? Há tanta beleza que antes apreciávamos, mas que aos poucos estamos esquecendo.

Os filmes são uma forma de arte única por causa dos momentos fugazes de magia inesperada. Kaurismäki retratou o amor mais apaixonado com minimalismo e frescor. Em seu mundo de luz e sombras, os bons e os maus eventualmente se tornam fantasmas eternos.

Além das atualizações por rádio sobre a guerra Rússia-Ucrânia, o filme de Aki Kaurismäki parece um sopro do passado, quase exatamente como era há vinte anos. Retrata com humor a mesma classe trabalhadora cativante com seus empregos, vidas e amores. É difícil dizer se o tempo parou para o autor ou se as mudanças no mundo não afetaram realmente o criador. De qualquer forma, essas delicadas iguarias cinematográficas são exatamente o que precisamos em nossos festivais de cinema – pequenos (curtos), alegres (leves) e nostálgicos (inalterados).

O desenvolvimento da personagem parece um pouco estranho, passando de um súbito despertar sexual para ser decente, me deixando com a sensação de que faltou muita coisa no meio. Isso também faz com que a mudança de poder no final pareça um pouco abrupta. Mas eu amei muito o design no geral! As fotos de estúdio de Lisboa e do navio de cruzeiro são deslumbrantes, mesmo com as cores mais saturadas. É definitivamente um forte candidato ao prêmio de design de produção deste ano.

A lógica por trás do desenvolvimento dos personagens é praticamente inexistente, o enredo carece de detalhes, a sátira não é muito acertada, o estilo audiovisual não tem sentido e a expressão da política de gênero é estereotipada. Simplesmente colocar a protagonista simbolicamente “combatendo fogo com fogo” no final não o torna um filme realmente feminista. Nem sequer consegue estabelecer com eficácia a função da protagonista. Embora Lanthimos tenha direito às suas próprias ideias e métodos, o maior problema é que ele os transformou num filme horrível.

Este filme é uma peça feminista direta que se disfarça de road movie apresentando uma mulher Frankenstein, mas em seu âmago, é uma história sobre uma jornada feminista de autodescoberta e um retorno no estilo Odisseia. O uso de recursos visuais em preto e branco e coloridos serve como metáfora para o estado de espírito da protagonista. Muitas tomadas com lentes olho de peixe são usadas no início do filme, e as mudanças na apresentação se alinham com o desenvolvimento mental e o crescimento da protagonista. O uso extenso de profundidade de campo rasa dá ao segundo plano uma qualidade de pintura a óleo, o que é muito bonito. No geral, tem um efeito misterioso, especialmente quando combinado com música não convencional, que lembra o cinema expressionista mudo alemão. No entanto, não gostei totalmente do filme porque o tema parecia muito direto, o estilo carecia de inovação, o final foi anticlimático e o retrato monástico da protagonista parecia subutilizado.

A paleta de cores impecável, os figurinos, a música e as ocasionais tomadas feitas com lentes olho de peixe, juntamente com a imaginação encantadora e a narrativa vibrante, fazem-me sentir como se tivesse retornado à era de ouro do cinema. Porém, a história é tão comovente que há momentos em que não consigo encarar o olhar determinado de Bella na tela, principalmente quando ela substitui o “pai” como uma “autoridade” no final. Será este o caminho inevitável do “despertar feminino e da resistência contra o patriarcado”? Eu não tenho certeza.

Acredito que este filme vai além do feminismo. O que vejo no filme é a protagonista rompendo aos poucos com as restrições das visões tradicionais sobre as mulheres e os indivíduos, com suas observações perspicazes do mundo e da sociedade, encontrando, por fim, clareza sobre o que realmente importa para ela neste mundo caótico. Talvez todos comecem como uma folha em branco na infância, com a oportunidade de desenvolver as suas personalidades independentes, mas, infelizmente, as disparidades no ambiente, na educação e na autoconsciência são muito vastas.

Este é absolutamente o melhor filme live-action do ano para mim. É um filme feminista que satiriza o patriarcado de forma assumida e descarada. Embora os personagens masculinos possam ver a protagonista feminina como uma pobre criaturinha, conforme o filme avança, acredito que o título "Pobres Criaturas" provavelmente se refere aos homens que tentam controlá-la, explorá-la e restringi-la, o que é verdadeiramente patético e muito comum. As mulheres demonstram a sua verdadeira força quando se recusam a se conformar com as expectativas da sociedade, priorizam consistentemente as suas próprias necessidades e acolhem o amor-próprio. Além disso, aprecio muito a estética, a cinematografia, o humor sombrio e o estilo peculiar do diretor.

É sem dúvida o melhor filme que ganhou o Leão de Ouro nos últimos três anos e é também o auge das carreiras de Yorgos Lanthimos e Emma Stone. Conhecido pelos seus filmes excêntricos, Lanthimos desta vez colocou o seu absurdo na era vitoriana, usando o cenário de “Frankenstein” para se aprofundar em vários aspectos da sociedade – da etiqueta à religião, ao patriarcado, à libertação do corpo, à especulação filosófica e ao autodomínio. No entanto, o absurdo neste filme parece muito mais natural em comparação com os estilos misteriosos habituais encontrados em suas obras anteriores. No geral, este filme apresenta um conto de fadas mais sombrio e rico do que “Barbie”, e Lanthimos realmente entregou um desempenho excelente desta vez.

Este filme se tornou um clássico cult para as mulheres este ano. “Barbie” se desenrola como um conto de fadas, enquanto “Pobres Criaturas” assume um tom mais sombrio. A história original, combinada com o design steampunk de Yorgos Lanthimos e a excelente atuação de Emma Stone, tece a história de uma mulher Frankenstein viciada em explorar o sexo. De ser remodelada por homens a remodelar homens, de uma criatura lamentável a uma mulher iluminada, o filme examina o bem e o mal do mundo através da perspectiva de uma criança e lentes olho de peixe, incorporando uma variedade de cenários surreais que me deixaram maravilhado.

É bem difícil avaliar um filme como este... Ele parece bastante autoindulgente, então, como intruso e espectador, eu daria apenas 6 ou 7. No entanto, também é a primeira vez que um excelente artista se expressou tão livremente, compartilhando sua própria história sem se importar com o público - é um resumo de sua vida, um trabalho de despedida. Como eu poderia não dar nota máxima a um filme como esse?

Não importa quantos filmes eu tenha assistido na minha vida, ou quantos grandes edifícios se explodiram na vida real, nada é mais comovente do que os tijolos de brinquedo desmoronados e as torres de pedra em ruínas de Miyazaki.