Críticas

Para Treadwell, a natureza selvagem do Alasca era uma utopia — uma fuga da feiura da civilização. No entanto, esta utopia era, em última análise, uma fantasia, pois os ursos que ele venerava lhe tiraram a vida. Enquanto isso, a humanidade que ele desprezava trabalhava para preservar sua memória. Herzog contrasta o idealismo com a realidade brutal, revelando beleza e escuridão em igual medida.

Herzog despreza a beleza das paisagens da Antártida — não existem grandes icebergs ou auroras deslumbrantes. Em vez disso, ele se concentra nos indivíduos estacionados na selva implacável, cada um com uma história única. Para Herzog, a experiência humana tem precedência sobre o cenário.

A figura paterna ausente e as referências fugazes à família da protagonista destacam o foco da história na solidariedade feminina. Certos personagens masculinos são retratados com um tom ameaçador, enquanto o clímax emocional do filme — que acontece numa sessão de terapia — eleva toda a narrativa. O uso de close-ups por Hittman nos mergulha no mundo interno da protagonista.

O delicado estilo de contar histórias de Ang Lee concentra-se nas emoções pessoais, e não no drama em grande escala da Guerra Civil Americana. Sua indiferença ao resultado da guerra, enfatizando a vulnerabilidade humana, faz com que o filme pareça discreto e lento às vezes. No entanto, as poucas cenas de ação são executadas com brilho.

Este não é um típico filme motivacional sobre esportes — trata-se de autenticidade. Jogadores corruptos, patrocinadores gananciosos, médicos antiéticos e escândalos de doping revelam o lado sombrio dos esportes profissionais. No entanto, os mesmos indivíduos imperfeitos brilham intensamente em campo, criando um paradoxo que é ao mesmo tempo enfurecedor e inspirador.

As cores, os cenários e os figurinos retrô evocam um encantador romance francês. A descrição da primeira metade do vínculo crescente dos meninos é idílica. No entanto, as imagens do filme — desde a abertura do cadáver até a dança à beira do túmulo — impregnam a narrativa com uma sensação assustadora de mortalidade.

O tema do filme é inesperadamente pesado. O caminho autodestrutivo de Neil e a vida cheia de pesadelos de Brian estão enraizados no trauma do abuso na infância, que lança uma sombra sobre toda a história. A cena em que Brian ouve Neil contar memórias esquecidas é profundamente perturbadora, o que faz com que seja difícil continuar assistindo.

Tudo o que ela queria era atenção, mas ninguém a notava. Suas ações, por mais extremas que pareçam, decorrem de um problema psicológico não tratado, moldado por uma educação negligente. Essa negligência geralmente leva a comportamentos semelhantes. Felizmente, seu momento de clareza traz uma sensação de encerramento, deixando o final satisfatório.

Por trás de seu exterior com tema de Halloween, há uma história de bondade e bullying. É reconfortante ver Sandler e sua equipe familiar ainda lançando filmes em 2020. Infelizmente, a história é medíocre e o humor é escasso.

Em alguns aspectos, esse filme supera Ladrões de Bicicletas. Ele destaca a tensão entre o rápido crescimento populacional da Itália no pós-guerra e a estagnação dos salários, com um jovem casal ansiando por privacidade e independência. O ritmo do filme é excelente, e a cena com a polícia do lado de fora da janela é especialmente terna e comovente.

O filme retrata o medo de forma autêntica. Nem toda pessoa é um herói destemido; muitos priorizam a própria segurança. Observar o protagonista vacilar diante do perigo me tocou. Infelizmente, assim que Bobby ingressa na força policial, o filme volta à narrativa previsível e à edição convencional.

O uso frequente de close-ups — de pés, correntes, roupas e cruzes — transmite opressão e enriquece a profundidade da narrativa. A sequência final é assombrosa: Joan quase tropeça em seu caminho para a pira, a luz do sol captura sua cruz e suas roupas em chamas se tornam o trágico ponto focal do filme.

Apesar de uma premissa sólida, o roteiro vacila e a direção amadora drena a energia do filme. As subtramas dispersas — departamentos de polícia, DEA e outros — nunca se unem. Embora tenha tentado ser mais do que apenas um mistério de assassinato, a narrativa fragmentada não consegue causar impacto no filme.

O longa-metragem de estreia de Apichatpong tem uma mística única, diferente de seus trabalhos posteriores. Quando o cenário do vendedor de peixes se mistura na história do menino deficiente e do professor, ele evoca uma força misteriosa que conecta os dois. A narrativa em estilo de revezamento é solta, espontânea e intrigantemente fluida.

A história se desenrola em um ritmo deliberado, mas sua simplicidade não se traduz em banalidade. Este filme sugere o estilo visual dos trabalhos posteriores de Anderson. O final parece satisfatório e a dinâmica entre pai e filho adotivo é comovente. Temas de expiação e redenção seriam recorrentes nos futuros filmes de Anderson.

O filme efetivamente cria suspense e a trilha sonora é impressionante. A cena de perseguição no shopping é especialmente intensa, mostrando a excelente mise-en-scène do diretor. No entanto, a primeira metade se arrasta, e a segunda metade apressada cria um ritmo irregular.

A narrativa é bastante abstrata, tornando o filme um pouco obscuro para um espectador casual como eu. No entanto, percebi uma sensação de liberdade em seus temas. Houve momentos de destaque: o cenário da floresta montanhosa, a música animada enquanto os personagens entram na selva após uma longa construção de cena, e o longo plano no final.

Hincha la película se la recomiendo no la he visto pero póngala gratis

Muy buena