Críticas

Estruturado como um filme mudo, com inter títulos entre as cenas, o filme se desenrola como um evangelho cinematográfico. Estas 11 histórias narram as provações e alegrias de São Francisco e seus seguidores. Para alcançar a paz espiritual, é preciso suportar o sofrimento sem resistência, abraçar a pobreza e doar livremente — só então a verdadeira alegria pode ser encontrada.

É muito legal 😎

Emoção, adrenalina e suspense.

O talento de Kurosawa já era formidável em seus primeiros trabalhos. Seu retrato das profundezas do Japão é cru e lírico. A descida de Mifune ao submundo da cidade é fascinante — quase como um sonho. As composições são pictóricas e precisas, claramente o resultado de um trabalho artesanal meticuloso.

O diálogo do filme capta a essência cultural da sua época — é mais do que apenas uma exposição; é um veículo para humor, tensão e atmosfera. Cada fala parece cuidadosamente elaborada e carregada de significado. À Beira do Abismo é um noir definitivo: estiloso, cínico e que reflete a linguagem cinematográfica de sua época.

Uma sólida nota 7 de 10, com a maior parte do crédito devido à escala impressionante da movimentação de gado. A escala dessas cenas é notável até hoje. No entanto, o enredo parece bastante convencional, e a tensão emocional entre os personagens do pai e do filho não parece convincente — talvez seja porque os cowboys da era da fronteira estão tão distantes de nós que é difícil compreender as suas emoções e comportamentos pelas lentes dos valores modernos.

Embora o enredo geral seja inegavelmente falho, o enredo criminal tem seus momentos e o final oferece uma surpresa genuína. A mistura de romance e suspense o mantém um tanto envolvente. Dito isto, o diálogo é fraco, prejudicado por atuações exageradas e argumentos repetitivos e infrutíferos. Os conflitos são resolvidos em um ciclo frustrantemente estereotipado, interrompendo o ritmo narrativo.

Sempre adorei essa história. Eu a encontrei pela primeira vez como uma peça de teatro, mas a adaptação cinematográfica me conquistou — especialmente com seus close-ups que intensificam a turbulência interna dos personagens. As revisões do roteiro atendem aos gostos americanos de meados do século, acrescentando um toque dramático. Gostei particularmente do final.

Um episódio assustadoramente imaginativo, com elevadores celestiais, sinos ecoando e chamas infernais gravadas em minha memória. Assim como Tom, senti puro alívio ao acordar do pesadelo. O curta não é apenas fantástico, mas também musicalmente rico — uma das primeiras experiências com música clássica da minha infância.

Adaptado do romance de MacKinlay Kantor Glory for Me, o filme conta a história de três veteranos que retornam e tentam encontrar um propósito após a guerra. Suas jornadas refletem as profundas cicatrizes emocionais deixadas pelo combate e a alienação que sentem em casa. Mais do que apenas um drama do pós-guerra, é uma acusação silenciosa de uma sociedade despreparada para receber de volta os seus heróis.

Mickey 17 explora os limites da humanidade num futuro de exploração extraterrestre. Uma ficção-científica que retrata com sátira as transformações tecnológicas, econômicas e sociais que uma equipe de tripulantes passa para colonizar um planeta hostil, habitados por seres alienígenas que aparentemente são hostis. O filme conta a história de Mickey, que passa a ser usado como "rato de laboratório" pelo governo, para testar formas de habitar o planeta. Mickey acaba infligindo uma das normas, e convivendo com uma réplica sua. Juntos, eles lutam contra o sistema do governo, imposto na nave, e impedem que a espécie extraterrestre seja dizimada. No subtexto, o filme fala sobre o que é essencialmente humano, sobre o peso do trabalho, sobre o imperialismo e o governo autoritário. Também discute a exploração de outras espécies pelos seres humanos, que, por muito tempo, vivem de forma antropocêntrica.

Como o não conhecimento da história do outro implica na atuação da empatia?

Em Umbrella (2020), os autores trazem, em poucos takes, como conhecer as visões de mundo do outro implicam na interpretação que você tem da pessoa.

Além disso, em um curta sem falas, todas as outras formas de ambientação devem ser exploradas, e o autor traz isso em formato de cores e sonoplastia. A cor amarela, que da vida ao principal objeto, aparece de diversas formas e em diversos lugares da animação, e a mudança da música e sons, dependendo da situação, facilitam a experiência do telespectador, colocando-o na história de forma que se sinta comovido por ela.

UMbrella é uma animação muito bem feita, que por meio de seus angulos de camera consegue transmitir cada emoção, cada segmento e cada caminho que a cena deseja seguir. Os traços da animação estão incríveis e transmitem um conforto familiar. é um filme brasileiro que merece sua atenção

Nos últimos anos, perdi realmente o "pavor" de filmes de terror que tinha durante a infância. De forma alguma sou uma expert no gênero, até porque o gênero terror contém inúmeros subgêneros, me faltando ainda inclusive assistir a filmes clássicos hollywoodianos que moldaram o terror como o conhecemos. Na Faculdade Cásper Líbero recentemente, tive a oportunidade de assistir a uma sessão de Raquel 1:1 e fiquei admirada com como a diretora Mariana Bastos e equipe conseguiram, com algum esforço, entregar um produto audiovisual dentro desta categoria que também nos faça questionar nossas crenças e os supostos princípios dentro da religião. Vale reforçar que o audiovisual de maneira geral ainda tem um longo caminho a andar com relação às mulheres como protagonistas e críticas de suas histórias, além de ir quebrando aos poucos o fato de serem subestimadas dentro da estética do horror.

Paris, 1968, três amigos e a efervescência de estudantes revolucionários - Essa é a atmosfera que engloba a narrativa seduzente, ardente e política de Os Sonhadores. O filme é um retrato da sociedade da época, a partir de um triângulo amoroso entre dois irmãos franceses e um jovem norte-americano recém-chegado na cidade de Paris. Louis Garrel e Eva Green englobam o cenário cinematográfico francês, juntamente com a elegância de tal cultura. Os Sonhadores é, por si só, um reflexo da sociedade francesa da época, através de três jovens revolucionários, eletrizantes e apaixonantes.

O filme "Bastardos Inglórios" dirigido pelo renomado Quentin Tarantino, conhecido pelos seus filmes cativantes, cheios de "plot-twists" e que tocam na ferida, faz jus ao estilo gráfico e épico do eleito 19° maior diretor de cinema dos últimos 25 anos.
Divido em capítulos, o filme segue não só um protagonista, mas três: os Bastardos Inglórios, estrelando figuras icônicas como Brad Pitt dando vida a Aldo Raine e B. J Novak, o "Little Man", que são um grupo de soldados que elimina nazistas e impõe medo no inimigo; Hans Landa (Christoph Waltz), um oficial nazista que carrega o apelido de "caçador de Judeus"; e Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) uma dona de cinema judia e francesa que busca vingança contra Hans Landa pelo assassinato de sua família no começo do filme.
Acompanhar essas três personagens durante as 2h30 de filme te faz contemplar sobre esse período tão triste e revoltante da história, sobre diferentes olhares: da vítima por Shosanna, dos revolucionários pelos Bastardos Inglórios, e dos causadores do genocídio de milhões de pessoas e milhares de mortes dos soldados aliados pelo Coronel Landa da SS. A narrativa é fluída, com momentos de tensão no momento certo, e carregada por um humor sinistro - mas coerente com o filme - dirigidos de uma maneira que te situam na cena perfeitamente.

Um drama profundamente autêntico que nos mergulha nos ritmos cotidianos da vida da aldeia, da cozinha ao cais. A tentativa dos pescadores de resistir aos atacadistas acaba por desmoronar sob o peso da sua própria impotência. Visconti adota um realismo documental — usando tomadas longas, zoons e profundidade de tela — para unir neorrealismo e estética. O uso da narração aumenta ainda mais a sensação de documentário do filme.

Com uma primeira temporada fenomenal, Sram volta para sua a segunda temporada encantando ainda mais o público. Com a amada Nora como protagonista, a temporada segue sua historia de vida, seu cotidiano, seus grupo de amigas, sonhos e sua "vergonha": sua relação com Roko. A serie croata consegue transmitir as dores, sentimentos, amores e situações da adolescencia de forma muito profunda e crível. Fazendo o telespectador se conectar com os personagens e sentir aquilo que eles estão sentindo´o que é a proposta principal de sram.
Por mais que seja um remake da serie norueguesa "Skam", sram consegue por meio da sua cinematografia, mudanças pequenas mas significativas na storyline e suas musicas, ser resfrescante e inovadora.