Críticas

Queria. Muito poder assistir mais não dá por que tá no cinema e não tenho dinheiro pra ir no cinema

maerg

Ao longo dos anos, a Disney vem testando os limites da nostalgia com suas versões live-action de clássicos animados. Algumas produções se perdem em uma tentativa de replicar quadro a quadro o que já era mágico na animação. Outras, porém, entendem que adaptar também é reimaginar e é exatamente isso que torna Lilo & Stitch (live-action) uma das melhores adaptações da Disney até agora.

Sim, há fidelidade visual e narrativa à animação de 2002. Stitch continua sendo o caótico e adorável experimento 626 e Lilo mantém sua essência rebelde, estranha e encantadora. Mas o grande acerto aqui é não se limitar a copiar. O live-action traz novos elementos que enriquecem a história e aprofundam as relações, conferindo à trama camadas que antes só estavam sugeridas.

Na animação, Nani já era uma personagem comovente por ser uma jovem que, após a morte dos pais, assume sozinha a responsabilidade em criar a irmã pequena. No entanto, o live-action expande essa figura fazendo com que Nani deixe de ser apenas a cuidadora para se tornar uma mulher complexa, com desejos, sonhos e dores. Sua trajetória ganha força ao ser inserida em uma rede comunitária: vizinhos, amigos e laços de afeto que mostram que, embora sua vida seja difícil, ela não está sozinha no mundo.

Mesmo com uma cena final forçada ao lado de Stitch, que exige certa suspensão de descrença, o arco de Nani é infinitamente mais elaborado e emocionalmente potente do que na animação. Ela é, enfim, reconhecida como parte essencial da história e não só como uma mera coadjuvante.

Escolher uma atriz para viver Lilo não era tarefa fácil, afinal, a personagem exige uma combinação rara de vulnerabilidade, intensidade e esquisitice. Mas Maia Kealoha entrega tudo isso com naturalidade, como se tivesse nascido para o papel. Sua interpretação convence, emociona e honra a essência da personagem.

Stitch, por sua vez, não é apenas um boneco de CGI fofo. Ele mantém o visual clássico, sim, mas ganha aqui um arco narrativo verdadeiro. Sua jornada é construída com intenção, emoção e até certa literalidade se tornando uma verdadeira jornada do herói. O live-action aposta em um Stitch que sente, aprende e escolhe, um personagem com alma e evolução real, indo ainda mais além das escolhas da animação.

As alterações em relação à animação original são bem-vindas e nunca gratuitas. São decisões criativas que trazem frescor sem trair a história. Tudo é feito com o claro propósito de aprimorar o que já era bonito: o conceito de família como escolha, o luto infantil, a solidão, a aceitação do diferente e a força dos laços afetivos.

É claro que, como tantos outros remakes, o filme também se apoia na nostalgia dos millennials que cresceram vendo Lilo encenando seus dramas com bonecos e alimentando peixes no mar. Mas diferente de outras adaptações oportunistas, aqui há profundidade, autenticidade e um cuidado real com os personagens.

Lilo & Stitch (Live-action) é um acerto raro entre os remakes da Disney. Não por ser uma cópia fiel, mas por ser uma obra que honra o espírito original enquanto acrescenta camadas emocionais que faltavam na versão animada.

É um filme que vai divertir as crianças com sua energia e carisma, mas que vai emocionar profundamente os adultos com sua sensibilidade, suas dores silenciosas e sua forma delicada de falar sobre pertencimento e amor.

Prepare-se para sair da sala com o coração aquecido e, quem sabe, até arriscando uns passos de hula ao som de He Mele No Lilo ou Hawaiian Roller Coaster Ride.

Você já imaginou uma missão tão impossível que desafia até mesmo os limites da realidade? Pois é exatamente isso que Missão: Impossível – O Acerto Final entrega. Neste oitavo capítulo, Ethan Hunt (Tom Cruise) encara seu desafio mais insano: neutralizar uma inteligência artificial capaz de manipular sistemas, governos e até a própria verdade.

Com direção de Christopher McQuarrie, o longa chega com peso sendo a conclusão direta de Missão: Impossível – Acerto de Contas Parte Um e também o ponto final (ou quase isso) de uma das franquias de ação mais consistentes e audaciosas do cinema. Não por acaso, o filme teve sua estreia mundial no Festival de Cannes, em 14 de maio de 2025, antes de invadir os cinemas em 22 de maio. E sim, o hype se justifica.

Tom Cruise está mais afiado do que nunca. Aos 62 anos, o ator continua ignorando os limites do corpo humano com cenas de ação que desafiam a física e nos deixam de queixo caído. As sequências são espetaculares e a já comentada cena do submarino, por exemplo, é um espetáculo de tensão e direção, daquelas que te fazem prender a respiração sem perceber.

O vilão da vez, Gabriel (Esai Morales), retorna como uma figura caricata, sim, mas propositalmente incômoda e isso funciona, mesmo que isso signifique perder a paciência com o personagem em muitas cenas. Ele é odioso no tom certo, trazendo peso para a ameaça da IA, chamada A Entidade, que permanece como a antagonista principal. A presença dessa inteligência artificial onipresente, invisível e manipuladora dá ao filme uma atmosfera quase distópica, mas ainda totalmente alinhada com a estética de espionagem e conspiração da franquia.

O elenco está em sintonia total. Tom Cruise, Ving Rhames (Luther), Simon Pegg (Benji) e Hayley Atwell (Grace) formam um time com química impecável. Há também boas surpresas com Janet McTeer e Hannah Waddingham, que trazem novas camadas à trama. Paris (Pom Klementieff) e outros coadjuvantes retornam com participações pontuais, mas marcantes.

Vale ressaltar que as filmagens aconteceram em locações estonteantes como Noruega, Malta e África do Sul, reforçando o aspecto visualmente arrebatador que virou marca registrada da saga. E sim, com um orçamento estimado em 400 milhões de dólares, o filme não economiza em explosões, perseguições e quedas em aturas inimagináveis.

A trilha sonora, assinada novamente por Lorne Balfe, amplifica cada momento de tensão com precisão cirúrgica e se torna a adrenalina na veia com direito a batida dramática no momento exato.

Apesar de funcionar como desfecho da saga de Ethan Hunt, o filme também encerra satisfatoriamente o arco da Entidade, abrindo espaço para que a franquia siga com novos personagens e tramas, caso a Paramount queira continuar explorando esse universo. Seria o fim definitivo? Talvez não. Mas se for, é um encerramento digno.

O saldo final é de um filme que se destaca como um dos melhores da franquia. Tem ação de tirar o fôlego, ritmo certeiro, personagens carismáticos e um tom épico que amarra bem todas as pontas.

Se essa foi mesmo a última missão de Ethan Hunt, ele saiu por cima. Literalmente.

Trasgona em uma sereia 🧜‍♀️

A influência que este filme teve na fotografia do terror está indiscutivelmente no mesmo nível do que Cidadão Kane fez pelo drama. Embora os primórdios do terror se baseassem fortemente nas sombras e formas do expressionismo alemão, este filme baseou-se no movimento e no som da câmera para criar tensão — técnicas que lançaram as bases para o terror moderno como o conhecemos.

B13

Nick e Noah forma um belo casal ,assistindo filme eu aprendi que tudo é possível e o amor chega sem explicação ele só invade e enche nossos corações

Que filme foda mano?

Ao contrário dos pares habituais de viúva e filha de Ozu, Também Fomos Felizes foca numa família grande, o que permite uma representação mais rica da vida doméstica. O filme é em camadas e silenciosamente intrincado. Suas composições em ângulo baixo conferem uma intimidade suave e espontânea, como se estivéssemos escutando a vida em vez de assistir ao desenrolar de um drama.

O enredo é simples, o cenário modesto e a fotografia pouco polida, mas o charme é inegável — ri do começo ao fim. Já faz muito tempo que não vejo uma comédia tão pura. Essencialmente um filme para dois atores, ele nunca se arrasta. E por trás das risadas estão momentos de verdadeira ressonância emocional.

Quando o cinema mudo se aproximava do fim, a obra-prima de Carl Theodor Dreyer sintetizou técnicas de toda a Europa — mise-en-scène alemã, cinematografia francesa, edição soviética — para criar um marco da cultura cinematográfica internacional.

Mulheres presas a papéis de gênero, famílias esmagadas pela pobreza sistêmica — esse é um mundo de desespero silencioso. Ao assistir ao filme em 2025, ficamos surpresos com o pouco que mudou desde 1928. O filme toma emprestada a visão urbana de Metrópolis e a melancolia romântica de Aurora, mas, ao fazê-lo, perde um pouco da originalidade.

É quase difícil acreditar que A General seja um filme mudo da década de 1920 — seu domínio técnico é surpreendente. A sincronização dos movimentos entre o homem, a máquina e a edição é perfeita, com Buster Keaton oferecendo não apenas precisão, mas também inteligência, especialmente na ação e nos efeitos habilmente encenados do filme.

Embora quase um terço do filme seja composto de fotografias estáticas, a experiência é fascinante graças à trilha sonora de Robert Israel. O corte original teria durado oito horas, e grande parte de sua exploração sutil da decadência psicológica da ganância foi perdida nas edições. Mesmo assim, o que resta é um poderoso conjunto de obras com excelentes atuações.

Os filmes de Buster Keaton estavam décadas à frente de seu tempo. Bancando o Águia combina perfeitamente pastelão e ação tão bem que o filme ainda é deslumbrante mesmo um século depois. A sequência de filme dentro de um filme — executada sem CGI — continua sendo um dos melhores momentos do cinema.

O filme não tem intertítulos, exceto no início e nos pontos de virada — tudo deve ser inferido a partir de objetos, gestos e movimentos de câmera. O uso de planos em movimento por F.W. Murnau é extraordinário, especialmente o plano de empurrar a carta de rebaixamento profissional, a panorâmica quando o uniforme é roubado e a sequência de POV do bêbado.

Talvez me falte experiência de vida para sentir o desamparo esmagador da monotonia que os personagens enfrentam. Parece simples como um filme com uma estrutura previsível e fotografia convencional. Ainda assim, a cena final em que a heroína sai correndo para vislumbrar o trem é um golpe de mestre na expressão do desejo reprimido e da hesitação.

Além da história comovente e da adaptação elegante do filme, a transformação de Joan Fontaine — de uma jovem inocente em uma aristocrata equilibrada — é perfeita tanto na atuação quanto na presença. A estrutura narrativa do filme e o uso simbólico dos objetos são tratados com maestria. Esta pode ser a melhor atuação de Fontaine — ela é insubstituível como Lisa, nenhuma outra atriz poderia ter capturado o papel com tanta graça e nuances.