Críticas

Esse filme é quase perfeito e, sinceramente, não sei como fazer uma crítica de algo tão brilhante. Talvez as lágrimas que escorrem pelo meu rosto sejam o melhor tributo que posso oferecer à sua magia.

Quando era criança, sempre tive o coração partido pelo fato de o capitão Crewe ter morrido inesperadamente no original A Princesinha. Eu não esperava que o filme reescrevesse o final de modo que o guardião de Sara acabasse sendo seu pai. Na chuva torrencial, o momento em que o pai recupera a memória e chama por “Sara” parece a solução perfeita para o arrependimento da história original.

As crianças são tão puras e maravilhosas; não entendo por que os adultos sempre sentem a necessidade de destruir essa inocência.

Foi ainda melhor do que eu imaginava. Como pode haver um filme de terror tão incrível no mundo! Sinto que tenho uma sorte extrema por ter vivenciado um mestre como John Carpenter — ele mais uma vez destruiu todas as expectativas que eu tinha em relação a filmes e romances de terror.

A atmosfera sinistra desse filme é a melhor de John Carpenter. A realidade e o pesadelo se entrelaçam de forma tão inteligente — não é apenas um filme de terror, é uma reflexão sobre religião e uma questão de fé. Entendi demais sua trilha sonora característica de heavy metal e alguns designs de monstros realmente perturbadores. E a cena final? Está repleta de ironia — não posso deixar de aplaudir.

A maneira como os personagens se sobrepõem à vida real ressalta as metáforas políticas inevitáveis no trabalho de Hou Hsiao-Hsien. Mesmo que a sociedade progrida, não podemos parar de perder as pessoas que amamos.

O filme alterna entre duas linhas do tempo: a primeira revela uma história de amor apaixonada e trágica, ambientada em ideais revolucionários e perseguição política; a segunda revela a indiferença fria e o desvio espiritual nos tempos modernos, em que o amor é obscurecido pelo desamparo e pelo arrependimento. Homens e mulheres de bem tornam-se peões de sua época, e seu amor nos oferece uma lente poderosa para enxergar esse tempo.

A cinematografia é bastante sofisticada, concentrando-se em alguns jovens envolvidos na agitação de maio de 68. O clímax chega um pouco tarde, mas as marcações de tempo recorrentes nos mantêm preparado para o impacto, aumentando a tensão até que a explosão emocional aconteça perfeitamente.

Um filme feito há trinta anos ainda reflete a realidade social de hoje: o caos e o clamor não mudaram. É tão cru quanto um documentário, mas a cinematografia e a iluminação são deslumbrantes. O final é impactante — curto, incisivo e inesquecível.

Quando assisti a esse filme pela primeira vez, eu nem sabia quem era Jim Jarmusch; apenas impossível não se apaixonar por Johnny Depp. Agora sou totalmente fã dos filmes de Jarmusch.

Naquela época, eu não conhecia Jim Jarmusch; simplesmente achei que era um filme incrivelmente envolvente. A ambientação antes da jornada me atraiu, e o ritmo no meio tocou fundo. Não consegui me acalmar por um bom tempo depois que os créditos rolaram! É fantástico, mesmo que eu não tenha captado todas as nuances.

Esse filme divide o público — alguns o aclamam como um clássico, outros o consideram um desastre. Seu fracasso de bilheteria já é notícia antiga, mas se você me perguntar por que, é simplesmente porque o filme foi “exagerado”. Todo aquele espetáculo deliberado faz com que ele pareça brega. Para mim, essa é a sensação: mais do que o necessário.

É incrível o fato de os filmes de artes marciais dos anos 90 equilibrarem a simplicidade com valores de produção de primeira linha. Seus cenários inventivos e iluminação criativa ainda superam muitas produções modernas. O estilo é cru, a edição é incisiva e rápida, e a energia feroz e furiosa dos personagens se espalha pela tela como sangue. É o puro New Wave de Hong Kong com uma pitada de clima cult.

No filme, as pessoas que você menos espera que defendam a tradição ou a solidão são as que se mantêm por mais tempo.

Eu não assisti a O Tigre e Dragão e O Segredo de Brokeback Mountain, mas adorei Banquete de Casamento, A Arte de Viver e Comer Beber Viver. Eu preciso de uma narrativa convincente e, nesses três filmes de Ang Lee, ele mergulha sem medo em relacionamentos inter-raciais, homossexualidade, romances entre pessoas com diferença de idade e gravidez fora do casamento. Ele já abordava questões centrais de gênero e relacionamento na sociedade moderna muito antes de 1994 — e só por isso, sempre terei respeito por Ang Lee.

Esse filme foi absolutamente espetacular! As cinco horas e meia de duração passaram voando em um piscar de olhos, e só percebi que minhas costas doíam no final. A ambiguidade política de Bernardo Bertolucci sempre me intrigou, mas esse épico da história italiana do início do século XX pode ser sua declaração política mais evidente até hoje. O vínculo profundo entre o jovem mestre rico e o filho de um fazendeiro pobre acaba não conseguindo superar a divisão de classes. O filme oferece uma perspectiva realmente distinta sobre como o fascismo surgiu do domínio violento da classe proprietária de terras.

Não vejo esse filme de cinco horas apenas como um estudo da luta de classes; em vez disso, ele revela uma verdade universal: seja proprietário ou camponês, comunista ou capitalista, nossas batalhas são, na verdade, diferentes estratégias de sobrevivência. O conflito de classes acaba se resumindo a confrontos individuais e, embora esses dois personagens lutem da infância até a velhice, tudo parece um jogo infantil de faz de conta.

O filme revela a decadência no coração do capitalismo, acompanhando uma jovem cujos sonhos de estrelato a levam ao strip-tease, e culmina com o assassinato de um cantor para enfatizar como a arte e a política sempre foram mantidas separadas.

Se eu tivesse que escolher um filme que captasse o espírito estadunidense, eu o escolheria sem hesitar. Ele não glorifica um herói solitário ou algum sonho estadunidense idealizado; em vez disso, Robert Altman disseca brilhantemente a psique do povo norte-americano e a expõe para o público.

Esse é o retrato de uma mulher loucamente apaixonada, que busca incessantemente o afeto apenas para se deparar com a indiferença e o abandono a todo momento. Com apenas 20 anos de idade, Isabelle Adjani provavelmente não imaginava que sua interpretação de Adele iludiria ao romance difícil de sua própria vida. E a participação especial do diretor é deliciosamente encantadora.