Críticas

A cena em que o personagem de David Bowie envelhece rapidamente é de partir o coração. Por meio de closes demorados, vemos suas rugas se aprofundarem e seus cabelos caírem, enquanto um médico sem noção discute com ele fora da tela. À medida que o tempo passa, seus lábios ressecados e seus olhos em pânico pintam um retrato de decadência impotente.

A imaginação de Stephen King merece crédito — cada um dos seis contos mantém o espectador intrigado. Segmentos como o assassinato na praia e a história do monstro em um caixote oferecem explorações arrepiantes da escuridão humana. É um bônus que o próprio King seja o protagonista de um deles.

Sem um enredo sólido, nenhum filme pode realmente conquistar o público — e este filme da franquia prova isso. Parece que os roteiristas mal se esforçaram. A atuação é fraca e, embora alguns efeitos sejam decentes, a maioria parece barata e sem refinamento.

Baseado no verdadeiro assalto ao Lloyds Bank, em 1971, no distrito de Marylebone, em Londres, o filme cria uma teia de corrupção, chantagem e escândalo nos níveis mais altos da sociedade britânica. Embora o ritmo seja mais lento, sua dedicação em manter-se fiel ao contexto histórico o torna um filme surpreendentemente atraente.

Esse drama profundamente comovente acompanha dois adolescentes divididos entre o amor e o desejo, apenas para serem esmagados por expectativas sociais e pais autoritários. A ressonância emocional é poderosa, e as atuações conferem autenticidade a um retrato do desejo adolescente. O filme fala muito sobre a confusão e a repressão do romance jovem.

Os diretores criam uma atmosfera de tensão silenciosa por meio de planos médios apertados e design de som meticuloso, capturando olhares sutis, gestos e falas para mapear uma teia de desejo, ciúme e conflito. A narrativa pode ser mínima, mas sua estética eleva uma premissa simples a uma experiência visual atraente.

O filme parece polido, com uso magistral da iluminação e filmagem fluida com um toque de realismo. Os flashbacks em preto e branco evocam até mesmo a estética do cinema dos anos 1950. Infelizmente, a história parece pouco desenvolvida, e a revelação do assassino faz pouco sentido narrativo. A maquiagem envelhecida dos dois protagonistas também distrai e não é natural.

Baseado em um caso real com alguns elementos fictícios, o filme tem um início lento e termina com uma nota bastante fraca. No entanto, a sequência central do assalto é envolvente e construída de forma inteligente, com uma dinâmica muito boa. Ainda assim, a falta de motivação cativante dos personagens no início impede que o público se envolva totalmente de forma emocional.

Martha escapa de uma forma de controle patriarcal apenas para tropeçar cegamente em outra, perdendo completamente sua autonomia. A manipulação emocional do marido, disfarçada de amor, a despoja de sua individualidade e suprime sua capacidade de pensar de maneira independente. Fassbinder expõe o desespero do amor desigual com crueldade cirúrgica. Ao negar o abuso, Martha também nega sua própria existência — e, ao fazê-lo, deixa de viver de verdade.

Tem ação, tiroteios, cenários deslumbrantes e conspiração, mas de alguma forma o filme ainda acaba surpreendentemente sem graça no geral.

É uma cinebiografia divertida e intrigante de um produtor de televisão de sucesso que afirma ter um segundo emprego como assassino de aluguel. Se ele está delirando ou é perigoso, nunca fica claro. A cinematografia de baixa saturação, a edição precisa e as transições estilizadas refletem o gosto de George Clooney pela estética retrô, com a trilha sonora e o clima ecoando perfeitamente esse tom vintage.

Este filme para streaming se baseia em uma trama cansada e clichê: uma equipe de mercenários de operações especiais é traída, e o único sobrevivente se une à namorada para derrubar o sistema e obter a vingança perfeita. Além dos tiroteios e explosões habituais, não há muito mais a oferecer.

O meticuloso design visual constrói um mundo impregnado de absurdo, oferecendo uma lente poderosa para explorar o desespero existencial. A arte não apenas espelha a realidade — ela a distorce, exagera e usa essa distorção para formular questões mais amplas. Aqui, o filme investiga as ferramentas e os sistemas dos quais dependemos para viver, que podem ser exatamente as coisas que nos controlam. O que significa ser humano?

Este é o filme mais desconcertante e decepcionante sobre um plebeu que se torna herói que já vi, e o trabalho de câmera inexplicavelmente trêmulo com a câmera na mão também contribui. O prólogo se arrasta, a história não tem emoção ou clímax, e o filme inteiro parece mais um documentário.

Uma boa comédia começa com personagens fortes e relacionamentos sólidos, e o humor flui naturalmente a partir daí. Este filme, no entanto, segue o caminho oposto. A muito elogiada cena de dança de Greg Hsu, por exemplo, parece uma piada forçada, criada apenas para causar risos. Sem base emocional ou dinâmicas significativas entre os personagens, esses momentos cômicos acabam sendo estranhos e emocionalmente desconectados.

Não gostei do tema do filme, mas apreciei muito a violência crua e realista, o final limpo e cortante, e a atuação do jovem ator desfigurado.

Eu não diria que este é um filme profundamente profundo — seu absurdo implacável desanima muitos espectadores, e parece que nem mesmo os cineastas o levaram tão a sério. Mas Brüno, como um estereótipo exagerado, ainda reflete a maneira como muitas pessoas percebem os homens gays. Se quisermos melhorar a qualidade de vida das comunidades queer, primeiro precisamos confrontar e desafiar essas caricaturas. Alguém precisa começar essa conversa, não é?

Um filme impulsionado por um orçamento enorme, mas dirigido sem muito talento. É difícil apontar exatamente o que está errado, mas parece clichê e dolorosamente sem graça.

Com exceção de duas breves tomadas externas — uma delas na metade do filme, quando o filme corta para a vista inicial e a cena final da cabine telefônica — toda a história se desenrola em um único cômodo. A cortina final que Peter abre parece um final teatral, um eco inteligente do início. No entanto, além desses toques de estilo e composições precisas, a narrativa em si parece surpreendentemente superficial, oferecendo pouco para ser digerido emocional ou tematicamente.

Os dois filhos de Denzel Washington — um dirigindo e o outro estrelando (sim, o protagonista de Tenet) — junte-se a Samuel L. Jackson, que arrasa no papel de Nick Fury, entregando falas inesquecíveis sem ofuscar o restante do elenco. Cada personagem tem seu momento de brilhar. O filme é repleto de intensidade dramática, ritmo acelerado e narrativa envolvente — vale muito a pena assistir!