Reseñas

Maravillosa

10/10

Dolorosamente hermosa. Buen cierre de historia. Te voy a extrañar, Thomas Shelby.

Si

Muy buena peli

good

Me entretuvo

Fascinante

Película de suspenso drama, ciencia ficción, pero siempre nos pone alerta de algo futuro.

Tarantino tenía razón

Es difícil estar enojado cuando sabemos que somos parte de algo más grande.
But, at the same time Varda said...
I tried to be a joyful feminist, but I was very angry
El sentido de comunidad que genere confiar en que el otro pueda tener algo de bondad.

Esta es la película original que inspiró a Brian DePalma y a Oliver Stone a realizar en 1983 (51 años después) el brillante remake “Scarface” (“El precio del poder”), con Al Pacino de protagonista. Aunque ambos films están ambientados en contextos diferentes, los paralelismos son enormes (especialmente en lo que respecta a las relaciones entre los personajes), y de hecho hay algunos diálogos que están tomados de forma textual.

El gangster italoamericano “Tony Camonte”, que en la adaptación de 1983 sería el cubano “Tony Montana”, está basado en la figura de Al Capone – al que apodaban “Scarface” (“Caracortada”) por la cicatriz que exhibía en una de sus mejillas. La droga que maneja Tony Montana en la Miami de principios de los 80 es la cocaína, mientras que su homólogo fílmico y tocayo Camonte, en el Chicago de la era de la Prohibición, se dedica a la venta ilegal de alcohol. Los dos son fieros bandidos carentes de escrúpulos, provistos de unas ansias ilimitadas de poder. El metafórico lema del “The world is yours” (“El mundo es tuyo”) está presente en las dos películas – es el eslógan de una agencia de viajes (en 1932) y de una compañía aérea (en 1983) que los dos Tonys toman como el objetivo literal de sus respectivas carreras.

(...) Es interesante mencionar el propósito de concienciación social que motivó a la realización de este primer “Scarface”: Ya en el prólogo del inicio se critica la indiferencia y la pasividad de las autoridades frente a la violencia que ejercen los criminales en las calles. Un transfondo muy similar tenían los “polizzieschi” italianos de los años 70, donde a veces se iba incluso un paso más allá: Mostrando las connivencias entre la delincuencia organizada y las altas esferas de la política y las finanzas.

En la película de 1932 se critica también el enaltecimiento romántico y la mistificación idealista con que ciertos medios de prensa retrataban a los gangsters; haciéndolos parecer personajes carismáticos y fascinantes ante los ojos de la opinión pública. Pradójicamente, muchos años después, esta tendencia alcanzaría su apogeo con el más mediático de los capos de la Mafia: El famoso John Gotti (1940-2002), jefe de la familia Gambino en Nueva York a finales de los 80. Sobre Gotti se rodaría un recomendable telefilm en 1996 (“Gotti” de Robert Harmon).

(...) En mi opinión, el remake supera al original (algo que en la historia del cine ha sucedido en pocas ocasiones). El “Scarface” de Brian DePalma tiene el doble de duración (3 horas, frente a los 90 minutos del film de 1932) – lo que le da más tiempo para desarrollar y profundizar en la trama y los personajes. Además, en la película ochentera tenemos la excelente banda sonora de Giorgio Moroder.

Aún así, también el “Scarface” de Hawks es sin duda una gran film. Una obra maestra que ningún aficionado al séptimo arte se debería perder.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Gran clásico del cine negro protagonizado por un arrollador James Cagney, que brilla en su papel de psicopático gángster.

Según comentan durante la historia unos agentes, Cody fingía en su infancia unos supuestos dolores de cabeza para conseguir de su madre lo que se proponía; y luego terminó sufriendo punzantes y repentinos ataques de dolores de cabeza también en la realidad; en situaciones de tensión. Pues uno de los elementos particulares de la película es la gran dependencia emocional que Cody tiene hacia su madre, de la que parece haber heredado tanto la predisposición para el crimen como la completa falta de escrúpulos. La simbiosis mental entre ambos es clave a lo largo de la trama, y Cody está dispuesto a lo que haga falta para cumplir el sueño de su madre de „llegar a lo más alto…“ („top of the world“) (y, como veremos, no sólo en el sentido metafórico…)

La traición, de la que hacen gala muchos de los personajes, es otro de los ingredientes más representativos de este largometraje.

Para empezar, la de Big Ed, quien aspira a desbancar a Cody como jefe de la banda, pero también la del propio Cody hacia sus hombres cuando han dejado de serle útiles. Sin olvidarnos de Verna (encarnada por Virginia Mayo), una auténtica serpiente que, enamorada sólo de sí misma, disfruta poniendo a su marido y a su amante a competir entre ellos.

Parece que Joe Pesci se hubiera inspirado en este personaje de James Cagney para dar vida a los gángsters que interpreta en „Goodfellas“ y en „Casino“; pues las similitudes entre Cody Jarrett y los personajes de Pesci en dichas películas son más que notables; sobre todo en lo que al volátil temperamento respecta.

El director Raoul Walsh ya coloboró con Cagney en otras películas de temática similar, como „Los violentos años veinte“ (1939).

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Hitchcock pareció anticipar la constante vigilancia que tenemos en las ciudades en la actualidad (cámaras grabando en todas partes por motivos de “seguridad”). Con la excusa de prevenir o desvelar actos ilegales, la vigilancia y el control del Estado (o peor aún, de nebulosos organismos supraestatales) llegan en ocasiones a invadir la privacidad. Con el Gran Hermano Google y otros mecanismos cibernéticos, que registran todo aquello que los internautas hacen en línea, la distopía orwelliana se aproxima bastante a la realidad. Es posible que Hitchcock ya viera venir ésto, pues dicha temática puede interpretarse como el sentido profundo, oculto en la trama de su interesantísimo thriller “La ventana indiscreta”.

La intriga crece para el espectador conforme van aumentando las suspicacias y obsesiones de ese otro “espectador”: Nuestro protagonista Jeff, encarnado por James Stewart. Mediante planos secuencia y estudiados ángulos de cámara desde la perspectiva del escayolado fotógrafo, el maestro del suspense logra convertirnos en voyeurs a todos los que visionamos su película.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Una representación de mi infancia

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Un manual para ser un asesino serial prolijo.

Ver "Terapia sin filtro" (Shrinking) no es solo ver una serie sobre salud mental; es como sentarse a tomar un café con ese amigo que está pasando por un momento terrible, pero que aún así logra hacerte reír entre dientes mientras se limpia las lágrimas.
​Aunque técnicamente es una serie y no una película, la experiencia de verla se siente como un abrazo largo y algo torpe. Aquí te comparto mi reseña desde las fibras más humanas:
​🛋️ Sanar en medio del caos
​La premisa nos presenta a Jimmy (Jason Segel), un terapeuta que está hundido en el duelo tras la muerte de su esposa. En su desesperación, decide romper todas las reglas éticas y empezar a decirle a sus pacientes exactamente lo que piensa.
​Lo que hace que esta historia sea extremadamente humana es que no intenta romantizar el dolor. Nos muestra que:
​La tristeza es desordenada: Jimmy no es un héroe; es un hombre que usa el humor y la impulsividad para no terminar de romperse.
​Nadie tiene la vida resuelta: Incluso Paul (Harrison Ford, en una actuación magistral y vulnerable), el mentor sabio, lidia con su propia vejez y enfermedades.
​La comunidad es la cura: Al final, la serie nos susurra que no salimos de los pozos solos, sino apoyándonos en los vecinos molestos, los colegas gruñones y los hijos que nos perdonan.
​Lo mejor y lo más real
​Lo más honesto de la obra es su capacidad para navegar en la "comedia del dolor". Hay escenas donde te ríes a carcajadas de una situación absurda, solo para que el guion te golpee con una verdad emocional que te deja sin aire un segundo después. Es ese equilibrio perfecto entre el cinismo protector y la esperanza genuina.
​💫 Evaluación: 4.5 / 5 Estrellas
​¿Por qué no las 5 completas? A veces se permite licencias narrativas un poco irreales sobre la práctica profesional de la psicología, pero se le perdona porque su corazón es enorme.
​Actuaciones: ⭐⭐⭐⭐⭐ (Harrison Ford es una revelación de ternura y sarcasmo).
​Guion: ⭐⭐⭐⭐ (Diálogos ágiles que cortan como bisturí).
​Factor Humano: ⭐⭐⭐⭐⭐ (Te hará querer llamar a alguien que extrañas).
​"El duelo es como un invitado que no se va nunca, pero con el tiempo aprendes a reacomodar los muebles para que no te estorbe tanto el paso."
​

Hay películas que no pretenden cambiar el curso de la historia del cine, pero que se quedan a vivir en un rincón del corazón porque nos recuerdan lo que se siente estar perdidamente enamorado. "Cuando el cielo se equivoca" (Chances Are, 1989) es exactamente ese tipo de abrazo filmado.
​No es solo una comedia de enredos sobre la reencarnación; es una exploración muy dulce —y a ratos agridulce— sobre las segundas oportunidades y el peso del recuerdo.
​Lo que nos toca la fibra
​La premisa es disparatada: Louie Jeffries muere joven y, tras un error en las "oficinas del cielo", reencarna en Alex Finch (un joven Robert Downey Jr. que derrocha carisma). El problema surge cuando, años después, el destino lo pone frente a su viuda, Corinne, y su propia hija, a quien nunca conoció.
​Lo que realmente funciona aquí no es el misticismo, sino la humanidad de sus personajes:
​La lealtad de Corinne: Cybill Shepherd interpreta a una mujer que se quedó "detenida" en el tiempo. Su duelo es real, su negativa a olvidar es algo con lo que cualquiera que haya amado profundamente puede empatizar.
​El dilema de Alex: Ver a un joven lidiar con recuerdos que no le pertenecen, sintiendo un amor de esposo por alguien que legalmente podría ser su madre, es una cuerda floja emocional que la película camina con mucha elegancia.
​El "mejor amigo" eterno: Ryan O'Neal representa ese amor silencioso y paciente que muchos hemos sentido alguna vez: estar ahí, esperando una oportunidad que parece que nunca llegará.
​Mi Evaluación: Un suspiro de nostalgia
​Si tuviera que puntuarla, le daría un 8/10 en la escala de "películas que te reconcilian con el mundo".
​No es una obra maestra de la lógica, pero no lo necesita. Es humana porque acepta que el amor es un caos que no entiende de tiempos ni de cuerpos. Es una película para ver un domingo de lluvia, cuando necesitas creer que, de alguna forma, las personas que amamos nunca se van del todo.
​Lo mejor: La química eléctrica de un jovencísimo Robert Downey Jr. y esa sensación de que el amor verdadero es capaz de saltarse las reglas de la física.
Lo peor: Algunos giros de guion hacia el final se sienten un poco apresurados para forzar el "final feliz".
​Es de esas historias que te dejan pensando: ¿A quién buscaría yo si tuviera una segunda oportunidad?

buen