Reseñas

Es de mis películas favoritas. Una gran adaptación del libro con un buen casting. Conecté tanto con Charlie que se convirtió en mi comfort movie. No importa cuántas veces la mire, siempre me fascina como la primera vez.

Me encantan las películas que tienen todo un trasfondo del que te enterás al final.
Me encantó la música y una excelente dirección de actores.

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buenisima

'Mike & Nick & Nick & Alice' es una película que combina acción, ciencia ficción y comedia, en una trama divertida y singular. El guión le da una vuelta interesante a los viajes en el tiempo, resultando en una historia mayormente original y llega a ser hasta profunda, por momentos. Buenas actuaciones por parte de Vince Vaughn, James Marsden y Eiza González. Muy buena dirección y secuencias de acción, con un trabajo de cámara veloz y dinámico, y una banda sonora de nivel.

Me gustó, pero no me encantó a diferencia de la serie. A mi parecer se me hizo apresurada al no darle tiempo al personaje de Tim Roth de desarrollarse, que ni siquiera entendí bien cual era su cometido, hasta parece un personaje de relleno al igual que el de Rebecca Ferguson. En fin no fue lo que tanto esperaba.

ok

Muy buena peli m

ivyufk

One Piece es una película buena para pasar un rato viendo algo que te llevará al mundo de los piratas y los tesoros.

Muy buena

Muy entretenida

Infravalorada

Impactante

Capitán Phillips no es solo un thriller de alta tensión; es un recordatorio crudo de lo que sucede cuando dos mundos que nunca deberían haberse cruzado chocan por pura desesperación.
​Aquí tienes mi reseña desde una óptica profundamente humana:
​El Peso de la Responsabilidad y el Rostro del Miedo
​Lo que hace que esta película sea desgarradora no son las balas ni las maniobras navales, sino las miradas. Paul Greengrass logra capturar la fragilidad humana en medio del océano, despojándonos de la idea del "héroe invencible".
​1. Dos caras de la supervivencia
​Vemos a Richard Phillips (Tom Hanks), un hombre ordinario que solo intenta cumplir con su trabajo para volver a casa, frente a Muse (Barkhad Abdi), un joven que no tiene un "hogar" al cual volver que no esté marcado por la guerra y el hambre. No hay villanos de caricatura aquí; hay hombres atrapados en sistemas que los superan: uno por el corporativismo y otro por la miseria extrema.
​2. El colapso final
​El momento más humano de toda la película llega al final. Después de mantener una máscara de estoicismo para sobrevivir, vemos a Phillips romperse. Esa escena en la enfermería, donde el shock y el trauma finalmente lo alcanzan, es una de las representaciones más honestas del estrés postraumático jamás filmadas. Nos recuerda que, aunque el cuerpo se salve, el alma queda suspendida en ese bote salvavidas por mucho tiempo.
​3. La soledad del mando
​La película explora cómo el liderazgo es, en el fondo, una carga solitaria. Phillips debe tomar decisiones que ponen en riesgo vidas, mientras Muse debe lidiar con la presión de sus propios captores en tierra. Ambos están, irónicamente, en el mismo barco: solos, asustados y obligados a ser valientes.
​Evaluación Final: 4.5/ 5 Estrellas 💫

El maestro Akira Kurosawa renovaba con este maravilloso largometraje el género clásicamente nipón de las chanbara o jidaigeki, sentando así los precedentes y las bases para las películas de samuráis que irían apareciendo en los años sucesivos. Los films de Kurosawa son los más conocidos de su temática en occidente, pero en las siguientes décadas vendrían más obras maestras del chanbara (si bien con un estilo bastante distinto) a cargo de otros directores como Kenji Misumi (saga de Zatoichi, hexalogía del Lobo Solitario, Hanzo el navaja…) o Hideo Gosha (“Sanbiki no samurai”, 1964 o “Hitokiri”, 1969).

“Los siete samuráis” es un clásico de la historia del cine en general, y no sólo del Japón. La película, pese a su larga duración de más de tres horas y a haber sido filmada hace más de seis décadas, no se hace cargante en ningún momento y resulta fresca y entretenida; sobre todo gracias al variopinto elenco de personajes – cada uno con una personalidad bien marcada, de forma que siempre es fácil identificarse y sentir gran empatía con al menos uno de ellos.

Sin duda el más memorable de los siete es el bufón Kikuchiyo (aunque con seguridad ese no fuera su nombre real, sino sólo el que aparecía en el pergamino genealógico). El inolvidable y excéntrico ronin, cuyo origen campesino se va revelando durante el metraje, fue interpretado por Toshiro Mifune, y éste sería el papel que le catapultaría al estrellato. Kurosawa autorizó a Mifune para que diera forma él mismo a su personaje, improvisando durante el rodaje. Más adelante el talentoso actor seguiría colaborando con Kurosawa (como en “Yojimbo”, 1961).

(...) También el apocamiento servil y cobarde de los campesinos está magistralmente retratado, y ello se convertiría en un tema recurrente de éste tipo de cine (como en „Zatoichi umi o wataru“/“El peregrinaje de Zatoichi”, 1966, de Kazuo Ikehiro; o en la ya mencionada “Sanbiki no samurai”/“Tres samurais fuera de la ley“, 1964, de Hideo Gosha).

La película también ha influenciado enormemente a los cineastas occidentales: “Los siete magníficos” (John Sturges, 1960) es un remake en clave western de “Los siete samurais”. John Milius ha declarado que la escena de la batalla final en los túmulos de “Conan el Bárbaro” (1982) está inspirada en los combates coreografiados de la obra maestra de Kurosawa.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Esta obra maestra del género chambara y del cine en general parte de un planteamiento sencillo y a la vez muy efectivo. La película daría lugar a una secuela, “Sanjuro” (dirigida por Kurosawa al año siguiente). El éxito del film rebasó las fronteras japonesas, llegando a ser muy popular en Occidente. El cineasta italiano Sergio Leone realizó una adaptación libre de “Yojimbo” en clave western: “Por un puñado de dólares” (1964). No cabe duda de que el cine de samurais (o chambara) y el del oeste tienen innumerables paralelismos, y las historias ambientadas en la era Tokugawa y con un solitario ronin por protagonista pueden perfectamente extrapolarse al contexto del “salvaje Oeste” con un pistolero errante como figura principal (y por cierto, tanto las chambara como los westerns suelen estar ambientados en la misma época, en las décadas de los 60 y 70 del siglo XIX).

“Por un puñado de dólares”, la primera de la célebre trilogía del dólar de Leone, lanzó al estrellato a Clint Eastwood, que en el film italo-western rodado en Almería tiene el mismo rol que Toshiro Mifune en el “Yojimbo” que nos ocupa: Enfrentar a los criminales entre sí, ir decimando a las bandas, limpiar el pueblo de malhechores, y (como no podía ser de otra manera) sacar algún provecho económico personal. Esa es, ni más ni menos, la trama de la película. Una historia muy sencilla y efectiva, como comentaba antes.

Kurosawa denunciaría a Leone (que veía su propia película como un homenaje al maestro japonés) por plagio; ya que el italiano no pagó derechos de autor. Pero lo cierto es que tampoco Kurosawa y su guionista Ryuzo Kikushima fueron demasiado originales, pues ya antes se habían escrito novelas con una historia muy similar (por ejemplo “Cosecha roja”, de Dashiell Hammet, publicada en 1929).

Además de Mifune, actor predilecto de Kurosawa, también destaca como uno de los espadachines Tatsuya Nakadai – al que vimos en la muy recomendable “Harakiri” (1962) o en “Kwaidan” (1964) ambas de Masaki Kobayashi. En el elenco también nos encontramos a Takashi Shimura – que aparece en “Los siete samurais” (1954), igualmente de Kurosawa (una película sobre la que, por cierto, también se haría un remake western: “Los siete magníficos” de John Sturges, filmada en 1960). En un rol secundario vemos a Ko Nishimura, actor que se daría a conocer más adelante en la trilogía de “Kamisori Hanzo” protagonizada por Shintaro Katsu.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Cuenta Quentin Tarantino, gran admirador de Fernando Di Leo y del polizziesco en general, que para crear al dúo protagonista de Pulp Fiction se inspiró en los dos sicarios de “La mala ordina”. Vincent Vega y Jules Winnfield, uno blanco y el otro negro, tienen su precedente en David y Frank, los personajes de Henry Silva y Woody Strode.

(...) El título original del film que nos ocupa podría traducirse como “El hampa ordena” (“La mala” es una abreviatura para “la malavita”, es decir la delincuencia o el hampa). Como en “Milano calibro 9” tenemos aquí un gangster acusado de robar, injustamente o no, a la gran organización. Luca Canali hace las veces de Ugo Piazza en el otro film; el bandido solitario que tiene que vérselas con un nutrido y compacto grupo de enemigos, y que cada vez tiene menos personas en las que poder confiar.

Sin embargo, debido al giro que irán tomando los acontecimientos, Luca llegará a convertirse de perseguido en perseguidor…

Don Vito Tressoldi es el máximo jefe de la criminalidad en Milán, pero se siente intimidado por las noticias que vienen desde EEUU, pues allí están otros que mandan mucho más que él...

Aunque sin duda es una buena película, „La mala ordina“ es en mi opinión la más floja de la célebre „trilogía del hampa“ de Fernando Di Leo. Considero tanto a “Milano Calibro 9” como a “Il Boss” muy superiores.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

De esas que nadie quiere pero alguna vez ves