Críticas

Quando há um elefante na sala, você duvidará da realidade do elefante ou questionará se a sala é mesmo real.

Inesperadamente bom! A música funciona como uma fita requintada, unindo perfeitamente as duas histórias paralelas. Melhor ainda, as músicas e danças dão vida a cada parte do filme – seja o restaurante na França, a taberna no Mediterrâneo ou o barco sob o céu azul – cada cena é absolutamente cativante.

Nos últimos segundos, todo o cinema ficou em silêncio. Sem música, sem diálogo – apenas flashbacks rápidos, até a cena final. Então, quando a última bola passou pela rede, os dois arqui-inimigos compartilharam seu primeiro toque e a música começou. Essa é a verdadeira magia do filme.

Não há confissão de Sakuragi Hanamichi, nenhuma música tema clássica, nenhuma cena atemporal como a travessia de Densha e nenhum flashback da animação original. Este filme não depende de truques baratos para fazer você chorar. O diretor não tenta impressionar o espectador com alguma manipulação sentimental. Em vez disso, ele quer que você se lembre do filme dele. Só isso já impõe respeito.

Na verdade, o que é ainda mais trágico é que a imagem do pai foi destruída.

Não muito após o ator principal terminar de trabalhar neste filme, ele realmente teve dificuldade para encontrar o próximo trabalho.

Embora este filme seja repleto de música excessivamente sentimental, a realidade capturada pela câmera é surpreendentemente calma. Isso imediatamente me lembra o filme dinamarquês A Caça de 2012; o cenário e a dinâmica dos personagens são quase como um rascunho para À Procura da Felicidade, com Will e Jaden Smith. As atuações do pai e filho são suficientes para entrar na história do cinema como referência.

A surpresa aqui é um novo robô azul como ajudante — ele é absolutamente adorável. Seu rosto expressivo de desenho animado canaliza de maneira hilária a presunção, o desdém, a indiferença e o humor sarcástico característicos de M3GAN, tornando-o muito mais envolvente do que o rosto de plástico da boneca no original.

Este filme oferece um vislumbre imersivo do mundo da Fórmula 1, movido pela adrenalina. O rugido dos motores, o uivo do vento, os aplausos da multidão — tudo isso se esvai a 300 km/h, deixando apenas a emoção visceral de beirar a morte.

O filme se destaca no trabalho de personagens. Cada figura principal é vividamente desenhada — os desejos reprimidos da protagonista e de sua irmã, o marido ausente, o irmão mais novo curioso, o irmão rebelde e a mãe emocionalmente ausente. Alguns traços hábeis esboçam um mundo inteiro moldado pela religião, pelo patriarcado e pela guerra.

Apesar de sua extensão, o enredo permanece bastante envolvente. O cinema indiano continua a entregar roteiros e trilhas sonoras sólidos e, claro, os números de dança energéticos obrigatórios. O filme peca por suas atuações irregulares, especialmente pelas oscilações chocantes do ator principal entre bravura e covardia, e as atrizes coadjuvantes, infelizmente, entregam algumas das atuações mais fracas.

O que mais me comoveu foi a decisão de Isla de abrir mão. Ciente de sua doença e do fardo impossível do filho, ela opta por ficar para trás para que Spike possa escapar com o bebê. Seu sacrifício não é melodrama — é um ato de amor silencioso e lúcido.

Há um momento que pretende retratar a memória traumática de Rosario — seu braço está ferido, o que explica o cinto sempre presente em volta dele —, mas é estranhamente marcado por tons suaves e quentes. Essa escolha visual contrasta com sua angústia, e uma paleta mais fria poderia ter intensificado o impacto emocional.

Devo dizer que os corpos são todos lindos. Mas não esperava o final. É de partir o coração ver a Amaia alienada por todos, mesmo tendo se esforçado tanto para se manter fiel ao que é certo, mas no fim das contas tomou o caminho errado só para impressionar a mãe como uma garotinha. (Acho que vai ter uma segunda temporada. Por favor, não torturem mais a Amaia.)

O enredo parece cheio de acontecimentos, mas na realidade é arrastado, com ritmo lento e narrativa exagerada. Esta família parece estar se preparando para algo grande, mas esse "grande momento" chega com um baque. Além da reviravolta envolvendo a identidade da mãe no final, muito pouco parece realmente inesperado.

Embora se autodenomine um reboot do original, "O Exorcista: O Devoto" parece tão descuidado e sem inspiração quanto os muitos imitadores do clássico de 1973. Oferece poucas novidades ao gênero de exorcismo, mais uma vez contando com a contorção de corpos femininos jovens e cenas nauseantes de vômito como destaques, sem profundidade nem criatividade.

Ambientado nas planícies ventosas da Europa do século XVIII, O Bastardo acompanha o capitão Ludvig Kahlen, um colono solitário que luta contra o caos e a crueldade em busca da justiça. A imagem inicial — Kahlen polindo seu distintivo no escuro — sinaliza sua crença inabalável na honra, um tema que ressoa ao longo do filme.

A atuação é sólida e o ritmo mantém bem a tensão. A atmosfera em várias cenas importantes é palpável. No entanto, há um momento chocante em que, durante uma sequência de tortura, um colega de equipe é executado e o protagonista perde abruptamente um dente — seja uma edição desajeitada ou violência censurada, mas de qualquer forma isso atrapalha o fluxo.

Esta cinebiografia do cantor brasileiro Ney Matogrosso homenageia seu legado como ícone musical e figura pioneira da comunidade LGBTQ+. Assumidamente gay em uma época profundamente conservadora, Ney nunca se esquivou de discutir sua sexualidade, mesmo durante a década de 1970, quando tal honestidade tinha um preço. Sua coragem definiu não apenas sua imagem pública, mas também sua identidade artística.

Alguns críticos consideram o enredo muito simplista, mas trata-se claramente de uma comédia leve, voltada para o público jovem. Ela não pretende ser profunda, e isso faz parte do seu charme. As microexpressões dos atores são irresistivelmente fofas, adicionando uma energia divertida a cada cena.