Críticas

Adorei muito! É meu filme favorito do Godzilla até agora. Ambientado em um mundo pós-guerra, o filme conta uma história de desespero, coragem e lágrimas. Fiquei realmente emocionado ao assistir a última parte do filme. A linguagem audiovisual é fantástica, e o design visual e sonoro é absolutamente impactante. No entanto, o final feliz pareceu um pouco desnecessário.

Este filme é uma adaptação bastante decente da obra original. Yi Zhang captura a vida de um homem comum com sua interpretação de 'Shi tou' (Stone). Você não encontrará uma vida chamativa e glamorosa neste filme, apenas conversas cotidianas mundanas e emoções genuínas. A sinceridade é sempre uma vencedora. No entanto, como novo diretor, Dapeng Zhang ainda precisa aprimorar suas técnicas de edição e controle de ritmo. No entanto, a forma como a história progrediu na segunda metade definitivamente supera a da versão coreana.

Por ter visto o filme original coreano “Pawn”, estou tentando ao máximo não comparar os dois. Mas nossa, Dapeng Zhang fez um filme completamente amador! A história desmorona na segunda metade, e as motivações e emoções dos personagens parecem superficiais e pouco convincentes. A atuação de Yi Zhang é competente como sempre, mas o diretor simplesmente não consegue utilizar adequadamente o potencial dos personagens.

A era de Hayao Miyazaki chegou ao fim. Pensei que seria um filme biográfico como “Vidas ao Vento” quando vi o pôster e o título. Entrei no cinema sem expectativas, apenas para me deparar com agradáveis surpresas. Os fogos infernais, a arquitetura de outro mundo semelhante aos templos gregos, a floresta, os lagos, o céu... Ainda é a mesma magia do Studio Ghibli. Pude sentir a profunda reflexão de Miyazaki sobre a vida e a morte, o bem e o mal, a vitalidade e a decrepitude, a inovação e a tradição, a ordem e o caos, bem como a mensagem que ele quer compartilhar com as gerações futuras.

Para ser sincero, ficou abaixo das minhas expectativas. Segurei o fôlego até o final do filme, na esperança de ser surpreendido. Mas ele simplesmente me deixou sentado ali, pasmo. Posso sentir que este é provavelmente o “filme pessoal” de Hayao Miyazaki, no qual ele tem mais liberdade para expressar algumas de suas próprias ideias. No entanto, para ser sincero, não entendi o que ele estava tentando dizer. É meio cheio de representações simbólicas e metáforas, especialmente na última parte, em que entra direto no território do fluxo de consciência, deixando muito espaço para o público tirar suas próprias conclusões. Acho que não sou muito intelectual porque não entendi nada. Mas a história não é tão interessante para me fazer assisti-lo de novo só para descobrir. Estou dando 6/10 como agradecimento ao esforço de Miyazaki, e este é provavelmente seu último filme. É bom para ele poder fazer algo puramente para si mesmo em seu último filme.

Fiquei meio emocionado quando vi “Hayao Miyazaki” aparecendo nos créditos finais porque parecia que esse filme poderia ser o último. Sobre o que pensam os indivíduos altamente criativos no final de suas vidas? Como eles encaram a ideia da morte? Tudo isso é vividamente retratado na segunda metade do filme, de maneiras estranhas, mas maravilhosas. O Studio Ghibli, o trabalho de sua vida, agora parece um castelo de brinquedo instável construído com blocos de madeira, que provavelmente desabará com sua morte. Os mundos que ele criou são magníficos e brilhantes, mas talvez seja hora de as gerações mais jovens assumirem a liderança.

Não entendi o objetivo deste filme. O filme inteiro pareceu um sonho febril. Desisti completamente de tentar entender o que o filme estava tentando me dizer na segunda metade, pois assisti-lo não passou de uma tortura. Estou começando a achar que esse filme pode ser uma espécie de teste do Studio Ghibli e quem o entender dará continuidade ao legado de Hayao Miyazaki.

O diretor toma como base os principais eventos históricos e dá a eles um toque humano ao inserir na trama a história de amor pessoal de Napoleão. Mas isto leva a questões em que o personagem principal se desvia um pouco da figura histórica representada e o verdadeiro significado dos acontecimentos históricos é um pouco menosprezado. Eu entendo a tentativa do diretor de fazer uma analogia entre suas sucessivas derrotas no campo de batalha e seus fracassos emocionais. Porém, a narrativa do lado emocional parecia fraca, já que o foco principal do filme era a descrição da guerra. As atuações dos dois protagonistas são louváveis, pois eles se entregam à intimidade e à saudade quase doentia da presença um do outro. No geral, o filme não parece tão épico quanto eles provavelmente pretendiam, principalmente devido à sensação de cansaço porque o diretor tentou tornar cada cena de batalha o mais elaborada possível. Não há nada particularmente revigorante na cinematografia, e a iluminação também não foi bem pensada. As gotas de chuva e a lama nas lentes causavam distração. Eu realmente gostei da trilha, pois ela se adaptou ao estilo local onde a batalha aconteceu.

O filme continua alternando entre a “perspectiva moderna” e a “perspectiva pessoal”, e a representação de Napoleão neste filme é, de fato, construída sobre a percepção moderna desta figura histórica. As cenas internas são bem-feitas, mas as cenas externas parecem um pouco apressadas.

Os manifestos interrompidos podem ilustrar o que os marxistas reivindicariam como a estratégia de concentração no que fazer, em vez de como as coisas funcionam. Os cortes alternados entre morte/miséria e os comerciais reluzentes são brilhantes.

Retrata as vidas trágicas de pessoas que sofrem com o neocolonialismo e com um governo corrupto e incompetente. É uma obra representativa do movimento do Terceiro Cinema argentino - um filme-tese/propaganda política. O diretor utiliza subtítulos, recursos visuais e música para criar uma montagem impactante. Para aumentar ainda mais a credibilidade e a persuasão, narrações são incorporadas ao lado de imagens de arquivo. No geral, é bem feito, exceto por uma questão importante: há muita intervenção da direção para ser chamado de um filme de tese objetivo e analítico, e é muito longo para ser um filme de propaganda política.

O ideal último de Eisenstein foi finalmente realizado: um filme de tese racional inteiramente construído com videomontagem. Um estilo radical de edição de Álvarez foi experimentado, servindo como ferramenta de provocação nos segmentos finais. Solanas expõe o vazio dentro do âmago do capitalismo ao revelar sua natureza enganadora e opressora através do uso de cortes rápidos. A natureza assimiladora do capitalismo torna difícil às pessoas escaparem dele, e sua bela fachada não só esconde a natureza verdadeira e insidiosa, mas também retira o poder das pessoas.

É um dos melhores filmes da década de 1970 e um excelente exemplo de filme ativista. Aborda a política por trás dos filmes “terceiros-mundistas” e do manifesto latino-americano do final dos anos 1960. É uma parte fundamental do “Terceiro Cinema”, movimento que surgiu na América Latina na mesma época do lançamento. No New York Times, o crítico Vincent Canby descreveu como "uma exploração cinematográfica única da alma de uma nação".

A recolha, coordenação e edição de materiais por Fernando E. Solanas, bem como sua expressão artística através do trabalho neste revolucionário filme, semelhante a um ensaio, foram bastante maduras. Tendo dominado mais técnicas de dramatização em seus últimos anos, ele simplesmente acrescenta mais elementos dramáticos ao estilo convencional de documentário. Quanto à sua terra natal, a Argentina, e a toda a América Latina das décadas de 1950 e 60, ele transmitiu com sucesso, através da crítica ao neocolonialismo, sua forte convicção em derrubar o velho mundo. No entanto, com a virada do século, a única coisa que pôde fazer foi continuar expressando seu descontentamento enquanto se despedia por meio de seus filmes.

Há muitas dublagens. A direção levanta muitas questões sobre a avaliação da situação atual e estratégias para ações futuras, ao mesmo tempo que oferece oportunidades para os espectadores refletirem e tirarem suas próprias conclusões. As extensas narrações e perguntas importantes me fizeram sentir como se estivesse vendo uma longa palestra e um tutorial combinados em um só, sem ter ideia de quem mais estava sentado na mesma sala de aula. É um filme para ativistas, onde todos se reuniam para travar discussões secretas, apaixonadas e profundas depois de assisti-lo.

Por fim, entendo por que Buenos Aires é retratada como uma cidade destruída em “The Journey”, juntamente com a abordagem satírica do presidente, e por que Pino se despediu dos filmes de ficção, voltando à política e aos documentários. A "traição" de promessas feitas durante as eleições pelos presidentes acontece o tempo todo, com as consequências suportadas pelo povo. Essas imagens me chocaram, pois nunca tinha visto uma cidade envolvida em violência e protestos sangrentos como este.

O cheiro de pólvora enche o ar. A violência é predominante, espreitando por toda parte nesta sociedade turbulenta e perturbadora. Não há nada além de muros cheios de balas, sangue e lágrimas nas cidades e no campo. São apenas armas e nada de flores. As pessoas vivem entre a sujeira, gritando em seus sofrimentos; as crianças inocentes correm para aterros sanitários, com a melodia fraca e arrependida de um órgão ecoando ao fundo. Tudo isso me lembra que uma Argentina como esta não existe apenas nos filmes de Solanas.