Críticas

Filme muito familiar, especialmente para pessoas que são próximas das próprias famílias. Você vai acabar desejando que a vida fosse tão simples e feliz.

Foi okay, na verdade; não é um daqueles filmes de terror em que assistir ao trailer significa assistir tudo. Os cenários e a iluminação são ótimos, e os jump scares tem o estilo de James Wan. O momento em que Irmã Irene exorciza a protagonista foi muito bem atuado, tive vontade de chorar durante toda a cena.

Houve tão poucos bons filmes de terror este ano que este, em comparação, é sólido. O trabalho da câmera e os jump scares são ótimos; o final é interessante.

É criativo em algumas partes, mas eu realmente não entendi os monstros abstratos no final.

As cores são ricas e a iluminação é brilhante e suave. Denzel Washington atua e entrega bem suas falas, e embora a trama seja lenta, não me deixa impaciente (acho que é culpa de Denzel). As cenas de luta são nítidas e limpas, com muito uso de armas frias, ao mesmo tempo em que há ênfase nas interações emocionais entre as pessoas. Existem metáforas religiosas, o que é bom, embora num nível bastante superficial. A trilha sonora e a cinematografia são esquecíveis.

Nolan bagunçou um filme biográfico com um ótimo tema. A edição é confusa e o ruído excessivo; os personagens aparecem rapidamente para dizer algo e logo mudam de cena. É importante dar detalhes, espaço e tempo para o público reagir; é impossível ter empatia com tanta falta de contexto. Além disso, realmente carece de apelo estético, o que é uma pena.

Não é fácil fazer um filme biográfico tão ruim. O filme é cheio de falas, o ritmo é lento e a edição dos flashbacks é muito cuidadosa, resultando em uma inversão regular de planos subjetivos e objetivos que não difere das reconstituições experimentais.

Muito bem feito, muito realista e muito chato. A realidade é chata, extremamente chata. O objetivo final de um filme não é conseguir os melhores atores para fazer um documentário.

Um enredo que passa rapidamente por várias cenas diferentes é a ideia de Nolan; mas todo o resto levanta a questão de por que tal filme foi feito. A articulação de certas agitações internas dos personagens e da política da época cria um impacto especial, ou é apenas uma revisão da vida em estilo contável?

Três horas se passaram sem que eu sentisse nada. Finalmente entendi porque Nolan usou IMAX em um filme com diálogos tão densos: as excelentes atuações são um espetáculo visual.

Ao assistir aos filmes de Nolan, sinto que seu estilo está se tornando cada vez mais reconhecível, e os atributos desses filmes estão ficando cada vez mais fortes; não importa o assunto que ele grave, no final, são todos filmes distintos de Nolan. As pessoas costumavam dizer que o som era muito alto em seus filmes, e aqui é a mesma coisa. A trilha sonora não apenas externaliza as emoções do protagonista, mas também controla o humor e o ritmo, manipulando a cada momento a reação mais instintiva do público e indicando como ele deve se sentir. Nolan tem seu próprio entendimento de trilhas sonoras, como encontrar um equilíbrio entre arte e comércio; e seu estilo de direção é a mesma coisa. Ele é um dos poucos diretores de Hollywood que possui profundo conhecimento da linguagem audiovisual e sabe usar filmes comerciais para trabalhar qualquer assunto, encontrando um equilíbrio perfeito entre arte e comercialismo, inclusive em Oppenheimer, que tem uma enorme quantidade de falas e é muito literário. À medida que o número de obras aumenta, a experiência cinematográfica trazida por essa ponderação e identificação se tornou seu estilo autoral, e Oppenheimer pertence a uma categoria em que pode se destacar as habilidades audiovisuais do diretor.

Entrei nessa história quase sem conhecimento. O visual e o áudio são exuberantes, lindos, desenfreados e transbordantes; mesmo que eu não tenha gostado, não posso nem negar que são elogiosos. A tecnologia é muito poderosa, mas mantém uma reverência pelo coração humano. Bons filmes sempre mostram valores silenciosamente; os melhores transmitem compaixão introspectiva. A ciência é infantil diante da política, e a política é nada diante da ciência.

O enredo evolui para uma fuga com refém devido a um conflito familiar. Os três personagens, o protagonista, sua esposa e o policial, são criados com uma grande tensão dramática e a história se passa na Suécia, o que pode lembrar a Síndrome de Estocolmo, mas o filme não aborda isso. O filme depende totalmente das emoções dos personagens e da atuação dos atores para conduzir a trama, lidando com questões de imigração, conflito de classes e a divisão entre duas gerações. Os três atores provaram suas ótimas habilidades de atuação.

É uma questão de afinidade. Como policial que faz negociações, tenho empatia; um dia e meio para salvar um homem à beira do desespero é bom o bastante.

O ritmo narrative é bem pobre e as cores primárias são sem textura. A adaptação não é nem um live action nem um quadrinho, fica presa em um ponto muito estranho. Os atores não têm fundamentos de artes marciais e o diretor também não trabalha com a câmera, o que resulta em cenas de luta prolongadas e inconsistentes sem sentimento de impacto. A caracterização depende unicamente da seriedade e das primeiras impressões dos atores. Não tenho problemas com adaptações de mangás, mas essa é totalmente inferior mesmo como um drama independente.

A produção no geral é atmosférica; a imagem dos personagens é restaurada; a integração do enredo é bem natural; a apresentação do passado é delicada; as cenas famosas foram levadas em conta; há efeitos especiais, mas não muitos ; as cenas de luta são um pouco superficiais; as falas um pouco estranhas; a marinha apareceu demais; a animação de Luffy não é tão nítida; o rugido de Zoro não é bonito o suficiente, a personagem de Nami não é emotiva o bastante, a cena de amor de Usopp não é necessária, Shank não ajoelhou para agradecer e os olhos de Koby são como os de Bambi.

Amei! Bom para pessoas como eu que não querem acompanhar o mangá e o anime, mas querem entender a história! Amei a versão dramática, sem apresentação exagerada, e os personagens parecem pessoas reais. Ansiosa para a 2ª temporada.

Peter Sarsgaard interpreta um personagem bastante simples, e o personagem em si raramente dá espaço para o ator brilhar. Na verdade, todo o filme tem a tendência a ser um filme que “prioriza a trama e simboliza o personagem”.

Tem um toque feminino da época. Ao utilizar um conhecido conto de fadas como modelo, a diretora deliberadamente retrata como uma garota inocente é atraída pela aura e então aprisionada no pântano dos desejos materiais, disposta a ser transformada, tornando-se, por fim, uma boneca subordinada a perda do desejo próprio: não apenas uma escrava do amor, mas também uma escrava deste mundo de vaidade e glamour. A tragédia é que aqui existe o amor verdadeiro. Mesmo que todos estejam exaustos e sejam hipócritas, quando ela finalmente diz que está indo embora, o passado se torna uma bolha fantasma. É uma tragédia para a mulher que se sacrificou, mas não podemos julgar sua felicidade.