Críticas

As histórias de detetive mais cativantes de Chandler foram adaptadas para as telas nas décadas de 1940 e 1950, ou pelo menos durante os anos 70 e 80 pós-Código Hays. Qualquer romance policial mais severo deixado para adaptação agora provavelmente não será nada de especial, muito menos nos filmes.

Melhor do que eu esperava! Esta foi minha primeira introdução aos quadrinhos, e o filme faz um ótimo trabalho destacando o clima do Natal, ao mesmo tempo que dá a Greg e seu irmão um pouco de brilho. No geral, é emocionante e perfeito para as festas de fim de ano.

Este filme de animação em estilo francês conta a história de como um erro não intencional leva uma criança a esconder seu verdadeiro eu e a uma eventual redenção. O Natal, como época de perdão e bondade, transforma esta em uma história comovente, perfeita para pais e filhos desfrutarem juntos.

O ritmo não é tão bom e a história não tem muitos momentos de destaque, mas ainda é um filme de baixo orçamento que dá para assistir.

Embora o enredo seja bastante tênue — desastre, resgate e recuperação, tudo em menos de uma hora —, ele evita, de alguma forma, ser entediante. Os golpes emocionais do filme são desferidos com simplicidade e sinceridade, especialmente durante o súbito renascimento do personagem, que é apresentado com uma intimidade crua. Combinado com os lembretes de que é baseado em fatos reais, o filme deixa você com uma reverência genuína pela fragilidade da vida.

A ação não é impressionante o suficiente para manter o interesse, e os elementos do drama de gângsteres são muito malcozidos para serem eficazes. O filme também nunca esclarece de fato os poderes de Kraven — ele parece um pouco mais forte e mais rápido do que a média, mas é só isso. Toda a narrativa parece desarticulada, como uma sequência de cenas não relacionadas costuradas juntas.

Com cenas de luta bem coreografadas e edição perfeita, Caos e Destruição mergulha você em um submundo cheio de adrenalina. O filme carrega o mesmo DNA violento e visceral dos filmes Operação Invasão, de Gareth Evans, que usam a brutalidade como uma ferramenta estilística.

Um exemplo clássico de fantasia para toda a família, com figurinos extravagantes e cenários lindamente compostos. O destaque aqui são as tomadas de estabelecimento em estilo retrô do filme. Estranhamente, porém, o filme conseguiu ao mesmo tempo me encantar e me irritar profundamente com seus personagens humanos — suas personalidades e ações foram uniformemente desagradáveis e irritantes.

Desta vez, o diretor se concentra mais nas nuances emocionais do que na ação. Por meio de closes demorados e um ritmo cuidadoso, testemunhamos o desenrolar do conflito interno de Christian Wolff, principalmente nos momentos de ambiguidade moral. No entanto, a coreografia de ação não está à altura dos momentos de reflexão, faltando a precisão necessária para elevar os riscos.

Não joguei o jogo, mas Until Dawn: Noite de Terror é surpreendentemente bem executado como um filme de terror. A estrutura semelhante a um calabouço, a variedade de ameaças sobrenaturais e o ambiente imersivo e pouco iluminado tornam o filme atraente. O uso de filmagens com câmeras de telefone funciona para recriar um ponto de vista semelhante ao do jogo, embora assistir aos personagens filmando durante momentos de vida ou morte pareça que o filme está muito comprometido com esse truque.

Ver essa obra-prima novamente em um cinema este ano foi um lembrete de como a saga Star Wars é única entre as franquias de sucesso de bilheteria. Sua força está em sua narrativa mítica e no cuidado com os detalhes. Dessa vez, suas alegorias e o retrato sutil de seus personagens me envolveram. Ainda admiro Anakin, e esse filme é um triunfo do cinema comercial em sua melhor forma.

É raro ver um filme de terror B com tanta contenção na narrativa e clareza na expressão visual. O filme não conta apenas a história de um carro vermelho assassino; ele acompanha sutilmente sua evolução sinistra em algo quase humano. Sob a superfície do horror sobrenatural está uma transformação mais abstrata — como a máquina se torna um ser.

Os quatro segmentos refletem a infância, a adolescência, a juventude e a idade adulta, cada um com seu próprio conjunto de desafios. Adorei especialmente o primeiro — termina em um tom de melancolia silenciosa que perdura por muito tempo. O segundo captura delicadamente a maioridade de uma adolescente. O terceiro tem um final enérgico que captura o espírito da juventude, enquanto o quarto oferece humor e uma visão sobre a estranheza de entrar no mercado de trabalho como um novato.

Não acredito que esperei tanto para assistir ao longa de estreia de Edward Yang. O que mais me surpreendeu foi que, mesmo no início dos anos 1980, ele já explorava temas femininos. A protagonista escapa de uma família patriarcal apenas para cair em outra armadilha: o casamento. Yang sempre teve essa maneira de mostrar que, independentemente das escolhas que seus personagens façam, suas histórias muitas vezes voltam ao arrependimento.

O Rei da Comédia é dirigido com notável contenção. Martin Scorsese adota uma abordagem documental, usando uma câmera estática e evitando close-ups, uma homenagem ao início do cinema americano de Edwin S. Porter. O resultado é um tom fundamentado e observacional que parece quase jornalístico.

A história se desenrola em uma estrutura linear com perspectivas intercaladas de três homens e três mulheres, de modo que o público tenha uma perspectiva onisciente do começo ao fim. Eu me peguei temendo o momento em que a protagonista pudesse descobrir a verdade, ao mesmo tempo que temia que ela nunca o fizesse. Não há certo ou errado, apenas diferentes perspectivas sobre o amor e o desejo. Grande parte do filme é dedicada a discussões abertas sobre ideais românticos, que prenunciam muito bem as reviravoltas na trama que estão por vir.

Eu esperava que o filme terminasse em tragédia, com um garoto rico e imprudente eventualmente forçado a crescer e enfrentar a realidade. Em vez disso, o diretor lhe concede um final perfeito: ele ganha o amor e uma admissão na Ivy League. É um lembrete de que o cinema muitas vezes oferece o tipo de realização de desejos que a vida real raramente oferece.

Este é o filme visualmente mais deslumbrante que já vi até hoje. Embora filmado em preto e branco, a linguagem da câmera e as transições visuais de Francis Ford Coppola são elegantes, enquanto as sequências de ação são cruas e poderosas. Assistir a Matt Dillon, Mickey Rourke e Nicolas Cage no auge é puro prazer.

As impressões digitais de Spielberg estão por toda parte — embora ele não o tenha dirigido, o filme está impregnado de sua mistura característica de aventura infantil e sentimento caloroso. Como um desenho animado de live-action, sua falta de lógica é totalmente perdoável.

Entre os cineastas impressionistas franceses, Abel Gance foi talvez o mais inventivo. A Roda é seu trabalho mais célebre daquela época, e o uso da edição acelerada para simular o impulso constante de uma roda de trem cria uma experiência visual visceral. Embora a narrativa possa ser convencional, a infusão de alusões literárias lhe dá uma profundidade inesperada.