Críticas

Como mencionei anteriormente, o gênero terror era um que não tive coragem de explorar por um longo tempo. Ainda nem estou perto de ser "expert" neste conteúdo, mas acredito que à medida que nos tornamos adultos vemos que inúmeros filmes de terror tem muito mais por trás do que simplesmente causar susto. Fora que dentro do gênero "terror" existem determinados subgêneros. O psicológico é um dos que mais me atrai. Temos uma visão mais aprofundada do que está por trás da máscara do famoso "serial killer." Confesso que não imaginava que Ethan Hawke poderia ter um desempenho tão brilhante encarnando este personagem, considerando que só o havia visto em papéis de "mocinhos." Baseado no conto de Joe Hill, filho do mestre do horror, Stephen King (tal pai, tal filho), este filme merece uma chance de ser conferido.

Me lembro calorosamente de assistir a essa comédia romântica junto com minha mãe na sala de casa no estilo "sessão da tarde." Um dos motivos pelos quais considero que um público grande, não apenas mulheres, pode se identificar com a premissa é pelo fato de que traz uma perspectiva bastante real do dia a dia de habitantes de grandes metrópoles, neste caso Nova Iorque. A correria, o trabalho, os encontros e desencontros. Michelle Pfeiffer e George Clooney formam uma dupla que desde o início você torce para que fiquem juntos.

Voltando a questão de onde o comportamento humano é capaz de chegar, eis um outro exemplo muito bom, na minha opinião, que traz inclusive um aspecto sociopolítico. Isso serve também para os dias de hoje, com determinados indivíduos que perderam a fé e esperanças em seus respectivos sistemas governamentais, o que sinceramente, considero totalmente válido. Temos como exemplo o personagem de Harrison Ford, de início o típico pai de família, mas que ainda assim demonstra um desdém pelo famoso "american way of life" e com isso decide investir em sua própria civilização. Helen Mirren, ainda não tão conhecida quando o filme foi lançado, interpreta a matriarca e River Phoenix o filho mais velho, que assume o papel de narrador da trajetória tanto no filme quanto no livro.

Não foi através deste filme que me deparei com o trabalho do talentoso River Phoenix. Sinceramente não me lembro especificamente por qual filme o conheci, mas se você ainda não checou a filmografia deste jovem ator, cuja curta carreira inclui papéis versáteis, deveria checar este como um dos principais. Responsável por lhe render uma indicação ao Globo de Ouro e Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, o filme nos leva a refletir sobre as consequências dos nossos atos cometidos para preservar aquilo em que acreditamos num mundo estritamente politizado, algo que em muitas maneiras transcende até os dias de hoje. Eu diria que as performances são uma das coisas mais bem construídas dentro do enredo. A química entre Phoenix e Martha Plimpton, sua real namorada na época, é imbatível.

Sempre ouvia falar de "O Senhor das Moscas" por seu título tão chamativo e me perguntava do que se tratava. Agora entendo a metáfora e me admiro com a genialidade do autor William Golding ao traçar uma trama tão impactante e reflexiva, assim como Peter Brook de adaptá-la. Não estudo psicanalise, mas o comportamento humano é algo que não para de me surpreender, infelizmente mais para o mal do que bem. Considero que nós como seres humanos não temos limites de onde somos capazes de chegar e como realmente seriam as consequências de ultrapassarmos essa linha. Tanto o livro quanto esta adaptação fiel são um belo retrato para termos de exemplo. Fico curiosa para saber se a situação seria diferente se fossem um grupo de meninas, ao invés de meninos.

Ainda Estou Aqui. Acho que nada descreve melhor tudo que a família Paiva foi obrigada a enfrentar depois do "desaparecimento" de Rubens. Eu não esperava que depois de tanto tempo sem assistir a filmes brasileiros, eu ficasse tão impressionada com todo o trabalho demonstrado em um filme digno de ser visto na tela do cinema. Fernanda Torres carrega o filme. Selton Mello nos dá uma performance profunda e delicada mesmo que em menos tempo na tela. Walter Salles nos entrega uma obra responsável fazer história e dar ao Brasil algo que nos deviam há tempos: O Oscar.

Ameiiiii

É impossível não se apaixonar por Barbara Stanwyck aqui. Seu charme travesso é magnético, nunca irritante, e ela essencialmente carrega o filme. No entanto, a produção permanece firmemente enraizado no seu tempo — a sua estética, valores e arquétipos de personagens refletem inequivocamente o conservadorismo da época.

O segundo filme da “trilogia feminina” de Deren, At Land, muda o foco da exploração interior de Tramas do Entardecer para o relacionamento da mulher com o mundo externo. Em pouco mais de dez minutos, ele transmite o arco inteiro de uma vida — um experimento de fluxo de consciência primorosamente onírico.

Em uma mudança de tom chocante em relação aos dois primeiros filmes, este se inclina para a comédia pastelão, muitas vezes às custas da coerência. O humor parece forçado e irrelevante para a história, enquanto os ricos arcos emocionais — a dupla identidade do Super-Homem e suas complicações românticas — são completamente deixados de lado em favor de uma estranha subtrama de amizade.

Terno e contido, o filme evita os clichês dos arcos de redenção e, em vez disso, encontra beleza na vida cotidiana. Em vez de focar nas batalhas do protagonista contra o vício ou no retorno profissional, extrai pungência da simplicidade da própria vida — uma abordagem que é silenciosamente poderosa e profundamente comovente.

O que começa como uma história de amor gradualmente se revela como um drama de amadurecimento enraizado em famílias disfuncionais. O filme de Maurice Pialat pode ter mais de quatro décadas, mas a sua representação da turbulência familiar ainda parece crua e imediata. Passamos a compreender a imprudência do protagonista como uma reação à negligência emocional e à confusão juvenil.

O filme se desenrola sob uma atmosfera pesada e silenciosa que nunca desaparece. Neste rígido sistema de classes, a sobrevivência exige conformidade — as crenças e desejos pessoais, incluindo a identidade sexual, devem ser subjugados. A clareza mental de Judd é admirável, mas o filme sugere que tal consciência é um luxo que nem todos podem pagar.

É difícil acreditar que este seja o filme de estreia do diretor — a fotografia, a edição, a iluminação e o enquadramento são de primeira linha, repletos de talento e homenagem à Nova Onda francesa. Mas, apesar de toda a sua habilidade técnica, a história me pareceu monótona — parada, tediosa e enraizada em uma visão de amor que considero estranha e pouco convincente.

Filmado em preto e branco, o segundo filme de Aki Kaurismäki é impressionante em seus visuais — árvores, ruas molhadas pela chuva e metrôs sombrios são todos renderizados com cuidado. A trilha sonora é impecável, elevando até as cenas mais absurdas. No entanto, nenhum dos Franks jamais chega à chamada terra prometida; a realidade dá seu golpe com uma finalidade sóbria.

Como um suposto encerramento, esse filme é uma bagunça. Ele confunde sua própria mitologia — Jason parece imortal no início, mas de alguma forma pode ser morto no final, minando qualquer senso de lógica interna.

Éric Rohmer lida com os envolvimentos românticos com sua sutileza característica. A reviravolta final do filme faz com que a heroína aparentemente segura de si seja superada, mas Rohmer não faz julgamentos, apenas um comentário silencioso sobre o desejo humano e suas contradições.

Dirigido por Robert Zemeckis, esse é um dos muitos filmes de aventura que seguiram o rastro de Os Caçadores da Arca Perdida. Ao contrário de Indiana Jones, o foco aqui é menos a caça ao tesouro e mais a química entre os protagonistas. É um filme de ritmo acelerado, bem escrito e repleto de personagens vívidos — um passeio agradável.

Esta edição é sobre um assassino imitador e, embora o próprio Jason esteja ausente, isso não importa — o que é mais decepcionante é o pouco esforço dedicado à maquiagem e aos efeitos. A maioria das mortes parece apressada e pouco convincente.