Críticas

Até aos que estão habituados a esse aspecto do cinema de terror pode ocorrer um estranhamento no tom ou nas atuações exageradas, provável que seja algo cultural mesmo, mas creio que fez Alucarda se sobressair apesar da trama bastante simples. Curti demais a concepção, que é direto ao ponto sem querer se resumir demais, e prensar a história, mas pelo tramite de começar e terminar no momento que interessa dentro da narrativa.

A magia de Nosferatu é que não existe certo nem errado, uma adaptação livre de Drácula em que cada diretor ao criar sua versão pode trazer a tona o que lhe achar necessário. Admiro a licença poética de Eggers em cavar tão fundo referencias reais em trajes, perfis e comportamentos, fazendo isso ele deu a luz a um novo Nosferatu. Me surpreendi com a multidão que foi ao cinema, seja pelo amor ao gótico, seja pelo próprio diretor ou pelo Bob Esponja, que seja. Achei uma loucura que nos primeiros dias do ano não encontrei uma sessão livre para comprar meu ingressos.

Dito isso, não curti alguns detalhes nessa adaptação, o que é uma questão pessoal minha: a caracterização de Orlok me causou certo estranhamento, o fato dele ser um tanto verborrágico e sem sutileza no trato para com Thomas no inicio do longa, não me permitiu comprar sua sagacidade. Vez ou outra a postura de Ellen possuía um exagero que na minha concepção não cabe ao seu personagem, creio que seja condução de personagem e não ação deliberada de Lily Rose Depp, que fique bem claro, ela estava incrível em seu papel, mas apesar da possessão, não estou vendo um filme de exorcismo. Outro ponto negativo foi o excesso de didatismo e algum apelo clichê em se chegar na questão central da trama, talvez até haja um motivo para isso, o que sabemos bem.

Nas questões menores aqui e ali foram a estética que lembra um pouco o cinema de Tim Burton e um pouco do ar de fantasia. No mais, nasceu um Nosferatu cossaco putão como o pessoal tem dito por aí, e qualquer versão nascida é válida, essa foi bem vinda.

Minha prima já havia falado sobre e afins
Até que fui assisti

Em seus primeiros trabalhos, Takeshi Kitano prefere a atmosfera à narrativa complexa. Violência e brincadeiras inocentes colidem em praias ensolaradas: gangsteres correm como crianças — apenas para caírem de repente, com os rostos vazios e entorpecidos. É um retrato impressionante da tensão sutil entre a vida e a morte.

O destino está no cerne de todo filme de gângster. A partir do momento em que o personagem de Takeshi Kitano declara que acabou com a máfia, sentimos a roda do destino girando, irreversível e inflexível. Todo jogo divertido e toda piada inocente está destinada a ser destruída pelo som de uma arma. Este é o destino inevitável dos gangsteres — brutais, mas impregnados de romance melancólico.

Um grande filme não precisa de um enredo organizado; o que precisa é de profunda tensão dramática. Robert Altman é como um mestre alfaiate, usando seus personagens como agulhas e suas edições como linha para costurar um retrato panorâmico da América dos anos 1990.

Esta narrativa fortemente tecida é totalmente cativante. Sua sátira absurda nunca parece forçada em meio às fatias que se cruzam da vida cotidiana — uma verdadeira “tela da vida” de Robert Altman. Foi a primeira vez que vi Tom Waits na tela e, sem surpresa, ele e os outros atores merecem o prêmio de Melhor Elenco, na minha opinião.

Quando abraçamos o amor, também abraçamos a dor e a perda. A vida é assim: ela não oferece o para sempre, mas momentos de eternidade ainda podem ser criados.

Entrar na vida de alguém é um ato solene e sagrado, e nem todos entendem ou respeitam isso.

Todos os três filmes de RoboCop refletem questões do mundo real, mas a terceira parte concentra-se no impacto da ascensão do Japão nos Estados Unidos. Neste capítulo, o chefe japonês finalmente se curva e os robôs ninja são facilmente derrotados — simbolizando uma vitória americana. Murphy assume o papel de força de resistência contra o sistema, adotando uma postura mais abertamente política. No entanto, o roteiro ainda parece subdesenvolvido.

Eu diria que este filme é o melhor da trilogia. A sátira do diretor aos grandes capitalistas e aos oligarcas financeiros é feita perfeitamente — despejos violentos levam ao derramamento de sangue, a heroína morre inesperadamente e ver robôs ninjas se fatiando é, ao mesmo tempo, emocionante e sombriamente cômico.

Dada a obsessão britânica pela tradição e pela estrita autodisciplina, não é surpreendente que Londres tenha uma das taxas de suicídio mais elevadas do mundo. Embora eu respeite um forte autocontrole, sacrificar emoções genuínas em prol do decoro parece pura hipocrisia

Existem pessoas que são profundamente sensíveis, mas ostentosas, reprimindo constantemente suas emoções interiores. Essas pessoas são as mais lamentáveis. Stevens, interpretado por Anthony Hopkins, é limitado pelo dever e pelo decoro ao enfrentar a mulher que ama, parecendo indiferente e distante. A tragédia deles era inevitável.

Se a guerra mutila o seu corpo, a indiferença e a injustiça da sociedade do pós-guerra destroem o seu espírito. O que ele ganhou com o seu fervor patriótico nada mais foi do que uma medalha no peito, que não pode ser comparada a uma vida inteira de pobreza e desespero. Michael Haneke usa mudanças de cor para refletir as mudanças nas circunstâncias do protagonista, com transições de cena inteligentes e uma trilha sonora clássica avassaladora.

A vida dos veteranos feridos é brutalmente difícil, marcada por constante rejeição social. Após se casar, o protagonista é abandonado. Quando a convocação do tribunal entra em conflito com os interrogatórios policiais, ele é preso por isso. Após sua libertação, ele começa a trabalhar em um banheiro, vivendo tranquilamente até sua morte, apenas expressando sua confissão de “rebelião” em seu leito de morte. O filme é majoritariamente em preto e branco, com as cores aparecendo apenas em momentos de fantasia e breve beleza.

Este mundo pode entrar em colapso a qualquer momento, mas as pessoas continuam como se tivessem esperança. O protagonista encantador, experiente e melancólico vagueia; ele entende os outros, mas não busca ser compreendido por eles. Viver simplesmente para existir, ou talvez apenas esperar para morrer.

Na vida real, a maioria evitaria alguém como Johnny — mas na tela ele é irresistivelmente carismático.

Na época em que o amor era falado em versos líricos, você nem precisa saber que é Shakespeare para sentir seu estilo distinto por meio do diálogo. Os protagonistas, que já foram estrelas em ascensão, agora se tornaram nomes consagrados. Kenneth Branagh como vilão foi uma grande surpresa. E aquelas idas e vindas espirituosas entre ele e Emma Thompson? Absolutamente hilário.

Não há ninguém mais adequado para dar vida às obras de Shakespeare no cinema britânico do que Kenneth Branagh. Ele pode ser considerado o herdeiro de Laurence Olivier. Este filme é um modelo de adaptação de Shakespeare, repleto de diálogos originais e espirituosos e apresentando uma atuação estelar do próprio Kenneth Branagh.

Este filme é direcionado diretamente aos fãs do jogo e, nesse sentido, cumpre exatamente o que promete. Grande parte do impacto emocional depende de uma conexão prévia com os personagens conforme eles aparecem no jogo. Para o seu público-alvo, o filme consegue aprofundar o engajamento e a lealdade.