Críticas

É um filme clássico de John Woo, repleto de cenas de ação intensas e viscerais que transbordam de tragédia. O vínculo entre os três amigos carrega um senso mais profundo de introspecção em comparação com Alvo Duplo. O flashback final dos três andando de bicicleta quando eram crianças é muito emocionante.

Dos arranha-céus de L.A. ao aeroporto de Washington, D.C., John McClane está em toda parte. Ele está de volta em uma dupla missão de resgate: proteger sua esposa e salvar os passageiros de aviões em fuga. Esse superpolicial indestrutível quase derruba sozinho uma equipe inteira de operações especiais. Como um blockbuster, ele oferece espetáculo visual e suspense — especialmente aquele resgate de última hora, que é o puro clássico McClane.

Para enfatizar a invencibilidade de John McClane, o filme inclui vários personagens “tolos” e se apoia em efeitos visuais para aumentar o impacto das sequências de ação.

Esse raro filme francês realmente mostra seu valor de produção de grande orçamento. Já vi inúmeras adaptações dessa história, mas essa é a primeira vez que realmente apreciei a versão original. O diálogo pode ser complicado, mas ainda assim é bonito e cheio de estilo literário. A batalha no terceiro Ato parece um pouco caótica — talvez o diretor não tenha tanta experiência com cenas de guerra. Ainda assim, a subtrama da jovem que entrega os suprimentos é tratada de forma brilhante, dando a Christian e Roxane a chance de brilhar sem Cyrano.

Como um filme de 1990, não há motivo para dar uma nota baixa. Suas reviravoltas prendem o espectador do início ao fim. Fico feliz que Cyrano acabe fazendo Roxane entender seus sentimentos.

Ele mantém o clima de thriller criminal contundente dos filmes de Steve McQueen dos anos 60 e 70. Embora não tenha recebido os mesmos elogios que o original, é ainda mais brutal. Sinto falta dos filmes de ação daquela época — diretos, com protagonistas anti-heróis e sem efeitos chamativos ou pose de cara bacana. A violência e a sexualidade pareciam cruas e naturais.

Um típico thriller policial da velha guarda, convencional e sem grandes destaques. As cenas de ação são aprimoradas em comparação com o primeiro filme, mas o enredo parece rígido e o charme do protagonista não tem nada de especial.

As comédias dos anos 80 podem parecer forçadas hoje em dia — atores infantis se esforçando demais para serem bonitinhos —, mas a cena do banheiro do jardim de infância de Quem Vê Cara Não Vê Coração ainda me faz rir. O fato de John Candy ter participado do SNL no início dos anos 80 e depois ter falecido, infelizmente, de uma doença cardíaca, acrescenta uma nota meio amarga.

Assim como o filme anterior de John Hughes, Esqueceram de Mim, esse filme mistura de forma inteligente a comédia familiar com o humor adolescente, terminando com uma nota inspiradora e comovente. Sem dúvida, é uma das melhores atuações de John Candy.

A vida mercantilizada corrói a natureza humana. Percebo que os carros significam mais do que conveniência ou status para os indivíduos modernos — seu espaço fechado parece uma membrana fina que oferece um falso abrigo. O trabalho de câmera fragmentado do filme é exemplar; Michael Haneke sabia exatamente que estava fazendo um filme.

Embora inúmeros filmes e séries, deliberadamente ou não, tenham tentado imitar a reconstrução meticulosa de cenas de A Tênue Linha da Morte, nenhum realmente teve sucesso. Nenhum outro cineasta demonstrou a paciência e a coragem de Errol Morris, repetindo cenas centenas de vezes, acrescentando detalhes infinitos e descartando todas as possibilidades concebíveis. Estes se destacam como prova inegável de lógica e poder de persuasão.

Errol Morris renuncia à tradicional narração documental, optando pela narrativa cinematográfica — visuais impressionantes, boa trilha sonora e edição dinâmica — para construir sua obra. As reconstituições são fascinantes: cenas parciais e fragmentadas atraem e espectador, mas ainda deixam espaço para imaginação. A riqueza de entrevistas e evidências eleva o impacto do filme muito além do seu tempo de duração. Além disso, a trilha sonora é fantástica.

No terceiro filme, Sylvester Stallone abandona completamente a perspectiva introspectiva do Vietnã que o primeiro filme oferecia pelos olhos de um veterano — o próprio elemento que destacou as atitudes dos americanos em relação ao conflito.

Cara, esse filme é uma delícia! De combates na selva a confrontos no deserto, tem uma das melhores aberturas já feitas. Assistia Rambo III e você entenderá rapidamente por que Sylvester Stallone era o herói de ação de todas as crianças naquela época — ele é a própria definição de um cara realmente durão.

Este filme é um barato: o enredo, o ritmo, as atuações — todos eles funcionam como o programa de TV americano mais cafona ainda mais incrementado. Tudo é exagerado, descaradamente sentimental e totalmente absurdo — cada cena é uma piada própria. O encanto absurdo vive na imaginação selvagem dos detalhes; quanto a uma história coerente, claramente esse não é o ponto.

Posso assisti-lo novamente e ainda rir muito — há pelo menos duas camadas em sua comédia: as piadas óbvias e as pausas silenciosas que lhe dão espaço para rir. Essa entrega inexpressiva em meio ao caos é o que consolida sua posição como um clássico da comédia absurda americana.

É basicamente aqui que O Exterminador nasceu — nenhuma das sequências se preocupou em explicar nada. A história de um policial desonesto massacrando civis inocentes dá uma sensação sombria e noir. As reviravoltas deliberadamente ilógicas despertam a imaginação selvagem. Os fãs de emoções sombrias e excêntricas vão se divertir com esse filme.

Começa como um thriller, depois se transforma em uma história de detetive e, finalmente, se transforma em um filme de ação. É bastante divertido, com algumas sequências pesadas de perseguição de carros na parte final do filme, embora no geral não seja algo digno de ser considerado “imperdível”.

Em retrospectiva, este filme não é muito amigável com suas personagens femininas. Os homens existem num plano superior — vivendo nas profundezas do oceano, deleitando-se em profunda solidão e liberdade. Enquanto isso, a mulher grávida enfrenta a dor tangível do mundo real. Ainda assim, se você olhar além do gênero, qualquer um poderia aspirar ou escolher esse tipo de vida.

Este é o melhor trabalho de Luc Besson antes de se aventurar em Hollywood — uma reflexão significativa sobre as escolhas e o destino de um homem. As emoções são tão profundas e tão genuínas que sua duração de quase três horas nunca parece arrastada. O mar não alimenta seu ódio; ele lhe ensina o amor universal. Sua fé em suas profundezas transcende tudo, e o final é belo e comovente. Não o vi como mero escapismo, mas como uma espécie de redenção espiritual.