Adaptando A Besta

Adaptando A Besta

Desde os primórdios do cinema, no início do século XX, a forma artística do filme manteve uma relação estreita e sutil com a literatura. Por mais de um século, o público apreciou inúmeras adaptações cinematográficas inspiradas em romances, testemunhando como a nova mídia continuamente reimagina e reinterpreta, desconstrói ou se rebela contra seus predecessores clássicos. Nesta época mais tardia – durante uma era pós-Resnais e pós-Godard, em que os cineastas conseguiram, até certo ponto, a atomização completa dos textos nos filmes – como podemos abordar as adaptações? Talvez a verdadeira questão seja se o olhar do público ainda consegue manter o foco e a curiosidade em relação às adaptações cinematográficas, o que está relacionado com a forma como o cinema aborda a relação entre o passado e o futuro.

Do ponto de vista do público comum, podemos dividir as adaptações cinematográficas em três tipos principais básicos. O primeiro tipo é a adaptação mais valiosa para o capitalismo e comercialmente viável – adaptações baseadas em conteúdos já existentes. Começando pelos filmes de contos de fadas da Disney e continuando por franquias como Harry Potter, O Senhor dos Anéis, Crepúsculo e outras sagas, essa tendência acabou se expandindo para o mercado adulto, até que o Universo Marvel, uma variante dessa adaptação, levou as adaptações de super-heróis para as telas a níveis de dominação global. Esta estratégia de adaptação visa essencialmente construir um parque temático centrado num determinado cenário, alimentando o público com experiências e fantasias sensoriais sofisticadas, impactantes e brilhantes, de modo a comprar cultura popular para consumo. No entanto, nem é preciso dizer que esse método de adaptação é como uma corrida do ouro fugaz. Além da onda imediata e coletiva de dopamina, não ganhamos mais nada com isso; os aparentemente ambiciosos mapas do "universo" criados por grandes empresas são, na verdade, simplesmente os mais conservadores e pouco ambiciosos empreendimentos de comportamento especulativo não originais.

A segunda categoria é a adaptação clássica e dramática. Esse tipo de adaptação tem raízes profundas na história do drama. Dos antigos anfiteatros gregos aos palcos dos teatros europeus, a experiência do drama forneceu nutrientes vitais para influenciar significativamente o cinema. Os cineastas se aprofundam no texto adaptado, integrando personagens e cenas e visualizando-os, analisando as tensões do enredo e os temas morais, metáforas do texto e, finalmente, tentando restaurar esses elementos por meio dos visuais. É neste processo que os cineastas aprendem a “transplantar” ideias, tal como romancistas e dramaturgos qualificados e ilustres. Assim como os escritores muitas vezes tecem habilmente o paradigma dos conflitos éticos de Édipo ou Hamlet em textos com origens e cenários originais e narrativas diversas, os cineastas muitas vezes transplantam as relações originais dos personagens e os enredos principais, ou apenas alguns elementos icônicos, para novos contextos e paisagens ao adaptar os cenários. Ao longo da evolução deste processo, a adaptação cinematográfica alcançou gradualmente a rebelião e a inovação, rechaçadas contra a "dramatização" tradicional. Quando Bresson adaptou The Forged Coupon, de Leo Tolstoy, na França, na década de 1980, o foco não estava mais na irônica reação em cadeia, mas nas emoções transmitidas pelas mãos, na textura dos rostos e na frieza do sistema.  Com isso, é permitido que o público se liberte das orientações e restrições do texto original, obtenha informações sensoriais e busque mais livremente esclarecimentos mais profundos nas imagens. Esses benefícios de iluminação surgem da natureza e do poder único do meio cinematográfico.

Até hoje, o encanto desse tipo de adaptação continua influenciando tanto o cinema quanto os cinéfilos; definitivamente não são ruins ou sem mérito, mas para o público da Geração Z, essas adaptações provavelmente se tornaram cada vez mais “chatas”, já que o público hoje é quase patológico em sua busca pela “moda”. Como resultado, os cineastas mudaram do ofício tradicional de "transplante" para uma abordagem mais contemporânea e pós-moderna, conhecida como uma evolução do ofício de jardinagem pré-moderno de "transplante", e começaram a se envolver em uma síntese pós-moderna atualizada com tecnologia – a “proliferação”, que é a terceira categoria. Ao contrário dos compositores clássicos que criaram obras em torno de motivos específicos, os cineastas do século XXI são como DJs, sampleando e remixando de uma forma selvagem e desenfreada, quebrando e reorganizando os textos, criando muitas lacunas quebradas e proliferando neles uma gama infinita de imagens. Esta estratégia de adaptação também pode ser rastreada até décadas atrás – vista na louca e fascinante continuação de textos originais de Calvino, e na apresentação de tempo, espaço e memória de Resnais por meio de montagens caóticas e radicais. O futuro parece confirmar a profecia de Duras, onde o texto e a narrativa linear se tornariam obsoletos, enquanto as expressões cinematográficas que transmitem emoções e experiências de formas inovadoras estarão em ascensão.

Tendo essa tendência como cenário, em 2023, dois filmes adaptados do mesmo romance, The Beast in the Jungle, de Henry James, apareceram de duas maneiras bizarras: La Bête Dans La Jungle, de Patric Chiha, e La Bête, de Bertrand Bonello. Esses dois projetos, originalmente estrelados pelo mesmo ator, simultaneamente reinterpretados e ampliados, subverteram e multiplicaram o texto do romance na mesma instância. Curiosamente, a complexa jornada de como o romance surgiu aumenta o significado do tortuoso caminho de transmissão da adaptação deste tema, tornando o significado da adaptação ainda mais vívido. A imagem da fera na selva foi inspirada originalmente em uma série de pinturas do pintor francês Henri Rousseau. Influenciado por essas obras, Henry James criou um romance baseado em seu próprio relacionamento fracassado. Desde a sua publicação, o romance foi adaptado para filmes em várias formas, apareceu em filmes em diferentes formas mais de uma vez, mas só um século depois é que estes dois filmes redescobriram a sua magia de uma forma única.

A adaptação de Chiha destaca um elemento de “transplante” mais óbvio ao colocar um gene – ele colocou o vínculo vitalício entre os protagonistas John e May em uma boate francesa do final do século XX ao início do século XXI, basicamente mantendo a direção original da trama e metáforas realistas . O que dá ao filme um charme incomum é o peculiar efeito surreal do meio cinematográfico. Os cineastas tratam o tumultuado cenário histórico como ruído ambiente – a história turbulenta da época como o ruído de fundo, no ambiente, quase sempre confinando inteiramente a limitação da visão do público à boate sem janelas, onde a convulsão social e as consequências do terremoto social se manifestam pelo cenário, com a música e as multidões dançantes. Em contraste com os elementos da época em mudança e os rostos jovens ao seu redor, John e May permanecem fisicamente inalterados, nunca envelhecendo durante os 25 anos de espera. As linhas de tempo entrelaçadas permitem que o tempo e o espaço físicos cruzem as fronteiras, se cruzem e se transformem. O espaço torna-se fluido, influenciado pelos vestígios visíveis da história, que foi liquefeito no fluxo do tempo devido aos vestígios visíveis das épocas. São introduzidos eventos importantes, como mudanças de governo, mudanças na política mundial e a crise desenfreada da AIDS. Assim, as novas experiências, emoções e subculturas da humanidade refletem uma realidade mais concreta que vai além do texto original. A longa espera partilhada por John e May condensa-se num gesto universal, de modo que a mão de May no corrimão enquanto sobe as escadas se assemelha a um membro de mármore que afasta a aparência caprichosa do tempo, permitindo que todas as pessoas medrosas do século passado encontrem seu próprio reflexo nele. A boate torna-se assim a estranha sala de Twin Peaks, onde o público entra e revisita, como faz o agente Cooper, reencontrando-se com a imagem eterna de cada época. A sensação de eternidade presente neste tema criativo se torna possível por causa dessas imagens evocativas.

Se Chiha apenas adicionou uma camada extra ao texto, então as múltiplas adaptações de Bonello em La Bête estão próximas do nível da fissão nuclear – vão muito além, efetivamente quebrando o texto original e remontando-o de maneiras complexas. Ele usa dois personagens reencarnados para unir a experiência humana entrelaçada ao longo da história, presente e futuro. Pela mística que envolve, aqueles aspectos de partes invisíveis encontrados nas lacunas entre os elementos visíveis da história nos fascinam ainda mais. Bonello usa diferentes estilos cinematográficos em cada história e incorpora fragmentos de imagens de diferentes formas e mídias, como pinturas, vídeos online, programas de TV, anúncios pop-up, imagens de vigilância e assim por diante, destruindo-os ou reeditando-os de maneira divertida. Sua ambição fica evidente desde o início do filme – Léa Seydoux segue instruções e atua sem adereços diante de uma tela verde, lembrando ao público a artificialidade e falsidade de todas as imagens seguintes. Por um lado, esta destruição da confiança do público repensa, reconsidera e expõe a lógica tradicional das narrativas ficcionais, fazendo com que o público comece a duvidar de adaptações questionáveis, romances originais e até emoções e experiências universais. Por outro lado, o filme, na sua própria forma, proporciona uma interpretação bastante moderna da imagem da besta – o medo do desaparecimento do amor numa sociedade avançada e tecnologicamente próspera. Assim como o boca a boca sobre as lendas que cercam a “besta” há mais de um século, tudo muda, mas apenas o medo permanece constante. Os humanos nunca saberão quando e como a catástrofe chegará para fazer o julgamento final sobre a greve e, em última análise, determinar o seu destino, e só podem confirmar a sua existência por esse medo.

Por fim, gostaria de salientar que as obras de Bonello são mais delicadas que as de Chiha, pois ele trocou os gêneros dos dois protagonistas do romance, um movimento que reflete a evolução do pensamento feminista no século passado na sociedade moderna, destacando como as mulheres enfrentam, sem dúvida, uma gama mais ampla de medos e desafios em comparação com aqueles que os homens têm de enfrentar. Bonello está perfeitamente consciente da política inerente e indelével do ato de estar envolvido na adaptação. À medida que os cineastas reinterpretam textos antigos num novo contexto, têm de escolher entre invocar os espíritos mortos ou revolucioná-los. Com uma firme afirmação e uma forte crença no potencial do cinema, espero que os cineastas possam, e sempre escolham, a última opção – só através da rebelião poderemos verdadeiramente preservar o núcleo e a essência dos textos clássicos.

escrito por TWY