Reseñas

Tengo que decir que ¡todos tienen unos cuerpazos increíbles! Eso sí, el final no me lo vi venir. Fue desgarrador ver cómo Amaia termina completamente aislada, cuando todo el tiempo estuvo intentando hacer lo correcto… y al final se equivoca solo por querer impresionar a su mamá, como una nena chiquita. (Supongo que habrá una segunda temporada. Pero por favor, ¡basta de hacer sufrir a Amaia!).

La trama parece emocionante, pero en realidad es tediosa con un ritmo lento y una narrativa cargada. Esta familia parece estar preparándose para algo grande, pero ese “gran momento” no logra impactar. A excepción del giro final relacionado con la identidad de la madre, muy pocas cosas resultan realmente inesperadas.

Aunque se promociona como una reinvención de la original, “El exorcista: Creyentes” parece igual de descuidada y poco original que los numerosos imitadores del clásico de 1973. Ofrece pocas cosas nuevas al género del exorcismo y se basa nuevamente en la contorsión de cuerpos de jóvenes mujeres y escenas nauseabundas de vómitos pero carece de profundidad y creatividad.

Ambientada en los yermos brezales de la Europa del siglo XVIII, "El Bastardo" sigue al capitán Ludvig Kahlen, un colonizador solitario que se enfrenta al caos y la crueldad en busca de justicia. La imagen inicial (Kahlen puliendo su placa en la oscuridad) refleja su creencia inquebrantable en el honor, un tema que resuena a lo largo de toda la película.

La actuación es sólida y el ritmo mantiene bien la tensión. La atmósfera en muchas escenas cruciales es palpable. Sin embargo, hay un momento discordante en el que, durante una secuencia de tortura, un miembro del equipo es ejecutado y el protagonista pierde abruptamente un diente, ya sea producto de una edición descuidada o violencia censurada, altera el flujo.

Esta película biográfica del cantante brasileño Ney Matogrosso honra su legado tanto como un icono musical como una figura pionera de la comunidad LGBTQ+. Abiertamente gay en una zona muy conservadora, Ney nunca se avergonzó de debatir su sexualidad, incluso durante los años 70, cuando esta honestidad venía con un costo. Su coraje definió no solo su imagen pública, sino también su identidad artística.

Algunos críticos piensan que la trama es muy simplista, pero esta es claramente una comedia ligera hecha para los más jóvenes. No pretende ser profunda, y eso es parte de su encanto. Las microexpresiones de los personajes son irresistiblemente adorables, lo que agrega una energía juguetona a cada escena.

La trama sigue una fórmula familiar, aunque está repleta de vacíos argumentales. En comparación con las películas de acción previas de Gerard Butler, esta parece más tranquila, pero también más realista. Las peleas armadas son menos llamativas y los personajes son más creíbles, lo que la convierte en una experiencia más animosa y tal vez convencional.

La trama toma muchos elementos de "Búsqueda implacable", aunque la película se inclina más por el drama doméstico que la acción plena. Como resultado, las pocas escenas de lucha son breves y se resuelven abruptamente. Se siente como una película de streaming de nivel medio y, si Liam Neeson no fuera el protagonista, probablemente no hubiera causado tanta conmoción.

La crítica social de la película no profundiza mucho, y su mensaje feminista se siente igual de superficial. Intenta resaltar la fuerza femenina al colocar a una protagonista ruda en un ambiente en el que las niñas no tienen derechos. Sin embargo, la mayor parte de la película se utiliza para desarrollar todo para una única misión de rescate. Para una película de acción, carece sorprendentemente de ella.

La película no profundiza lo suficiente en ciertos detalles esenciales: cómo Stockton Rush desarrolló esta mentalidad, cómo un sumergible estructuralmente defectuoso pasó escrutinios muchas veces y qué sabían o sospechaban realmente las personas que lo rodeaban. La narrativa se apega estrechamente al material legal público, lo que limita su alcance.

"En presencia del diablo" no es una película de exorcismo convencional, sino una pieza filosófica de terror sobre la fe, la historia y la oscuridad dentro de la naturaleza humana. La relación entre el extraño japonés y el chamán coreano se presenta como deliberadamente ambigua, lo que invita a los espectadores a decidir por sí mismos quién es el verdadero malvado. Esa incertidumbre es el centro de la película: al enfrentarse a lo sobrenatural o al trauma histórico heredado, los humanos con frecuencia no encuentran claridad, solo miedo que eventualmente los consume.

La trama es dolorosamente aburrida, y las pocas escenas de acción no son memorables. La historia es anticuada, sin sorpresas y, aparte de una protagonista razonablemente pasable, no hay nada que valga la pena recomendar. Es incomprensible por qué una película tan lenta y poco interesante tenía que ser tan larga.

Julianne Moore y Sydney Sweeney presentan actuaciones excelentes. Moore canaliza la crisis interna de la madre con expresiones sutiles, mientras que Sweeney captura los conflictos y las vulnerabilidades internas de una adolescente rota con sus ojos. Sin embargo, el guion mantiene su relación demasiado superficial. Flashbacks irritantes rompen el flujo narrativo, haciendo que sea difícil para los espectadores conectar emocionalmente.

La mayor parte del tiempo, la historia se siente lenta y familiar: es otro relato sobre un hombre decepcionado que reconecta con una antigua amante. De todas formas, las imágenes dispersas e invernales y las actuaciones sólidas crean un atractivo discreto. El ambiente es frío pero extrañamente reconfortante.

Tenía muchas expectativas pero me fui decepcionada. La película se lanza precipitadamente a un asesinato tras otro sin ningún tipo de construcción real, y la coreografía de las batallas no se parece en nada al ballet. No muestra ni una sola vez cómo una mujer podría usar la gracia o la precisión para vencer la fuerza bruta. La secuencia final con fuego es visualmente audaz, pero no hay mucho más que parezca innovador o creativo.

El director, Mike Flanagan, le da una ternura al estilo "Cuenta conmigo" a esta adaptación del cuento corto filosófico de Stephen King. Al abandonar la estructura lineal, deja pistas en forma de presagios (como la mansión embrujada de la niñez y el comienzo de un tumor cerebral en la adultez) para construir un sentido de fe inquietante. El resultado es más emocionalmente resonante que el material original.

Muchos parecen desconcertados por la elección de la protagonista, pero en realidad es bastante simple. En una ciudad tan materialista como Nueva York, una mujer que gana un salario sólido tiene todo el derecho a elegir a alguien que genuinamente le guste y seguir un trabajo que la haga feliz. Su felicidad proviene de su valía personal, no de la aprobación de un pretendiente adinerado. Ella cree que puede ser feliz de cualquier forma, y esa creencia es motivadora.

Esta es una recreación casi idéntica a la versión animada, lo que se siente como el método más perezoso posible. La recreación live action termina viéndose como una experiencia en un parque temático de gran presupuesto: extrañamente artificial y emocionalmente superficial. Mientras que la protagonista se ve fuerte, la mayoría de los personajes parecen marionetas incómodas. Lo peor es que repite una historia de hace quince años sin ningún tipo de novedad, lo que la hace parecer completamente irrelevante.

La historia se construyó meticulosamente, con dos casos de homicidio entrelazados en una línea temporal ingeniosa. A medida que la policía descubre lentamente al culpable detrás del crimen nuevo, la verdad sobre el crimen viejo se revela naturalmente a la par. La obra está bien ejecutada y es satisfactoria.