Reseñas

mi pelicula favorita

Esta película no es una película, es una máquina. Es un motor V8 que ruge durante dos horas, alimentado por gasolina, sangre y una fe casi religiosa en la coreografía práctica. Miller no dirige actores, dirige colisiones. Y si hay una escena que sirve como su sermón más elocuente, como la prueba irrefutable de que la acción real siempre superará a la fantasía digital, es el ataque de los "Polecats".

me encanto

Buenaa

La película sigue a un grupo de conquistadores españoles en el siglo XVI mientras descienden por el Amazonas en busca de El Dorado. Pero la historia no va de eso. La historia va de cómo la selva, ese organismo masivo, verde e indiferente, va digiriendo lentamente su cordura. El calor, el hambre, el miedo a las flechas invisibles... todo funciona como un agente patógeno que ataca el sistema nervioso del grupo, disolviendo la jerarquía, la lealtad y la razón. Los hombres dejan de ser soldados de un imperio y empiezan a comportarse como una manada acosada, paranoica y condenada.

Tras la muerte de Superman, Bruce Wayne (Batman) y Diana Prince (Wonder Woman) se apresuran a reclutar un equipo de metahumanos (Flash, Aquaman y Cyborg) para enfrentar la inminente amenaza de Steppenwolf. La película se sintió apresurada y poco desarrollada, con un villano genérico y efectos visuales irregulares. El tono es inconsistente, ya que combinó el estilo solemne de Zack Snyder con el humor impuesto por Joss Whedon durante las regrabaciones, lo que resultó en una película que decepcionó a muchos fans y críticos.
Reseña de La Liga de la Justicia de Zack Snyder (Snyder Cut) (2021)
Esta versión de cuatro horas restaura la visión original del director y ofrece una experiencia épica, oscura y más desarrollada.
Trama y tono: Amplía la historia, profundiza en el trasfondo de los personajes (especialmente Cyborg y Flash) y presenta a Darkseid como el verdadero villano. Su tono es consistentemente serio y épico, sin el humor forzado de la versión de 2017.
Recepción: Fue aclamada por los fans que habían clamado por su lanzamiento, y muchos críticos la consideraron una película superior, más coherente y rica que la versión que llegó a los cines.

Scream, dirigida por Wes Craven y escrita por Kevin Williamson, no solo revitalizó el género de terror en los años 90, sino que lo reinventó con una mezcla audaz de autocrítica, suspense clásico y humor negro. Estrenada en 1996, en un momento en que el cine de terror parecía estancado en secuelas interminables y fórmulas desgastadas, Scream irrumpió como un vendaval fresco, inteligente y letal. Lejos de ser una simple película de asesinatos, se convirtió en un comentario metacinematográfico que desmontaba las reglas del género mientras las utilizaba con maestría para asustar, sorprender y entretener.

La historia se desarrolla en la apacible ciudad de Woodsboro, California, donde la vida tranquila de Sidney Prescott —una adolescente que aún lidia con el trauma de la muerte de su madre— se ve brutalmente interrumpida por una serie de asesinatos atribuidos a un misterioso asesino enmascarado conocido como Ghostface. A medida que las víctimas comienzan a caer, Sidney se convierte en el blanco principal, y pronto descubre que nadie a su alrededor está completamente a salvo… ni libre de sospecha. Lo que sigue es una carrera contrarreloj llena de giros, tensión creciente y una constante sensación de paranoia, donde cada llamada telefónica podría ser la última.

Lo que distingue a Scream de otras películas slasher es su autoconciencia. Los personajes no solo conocen las convenciones del cine de terror; las discuten abiertamente. Frases como “Nunca digas ‘voy a volver’”, “No tengas sexo” o “Siempre muere la chica promiscua” se convierten en reglas tácitas que los protagonistas intentan seguir para sobrevivir. Esta capa metanarrativa no resta tensión a la trama; al contrario, la potencia. Al saber que los personajes están al tanto de los clichés, el espectador siente una inquietud adicional: ¿lograrán romper las reglas a tiempo… o serán víctimas de ellas?

Wes Craven, ya un maestro consagrado del género gracias a Pesadilla en Elm Street, demuestra aquí una versatilidad impresionante. Combina su instinto para el horror visceral con un pulso narrativo moderno, ágil y lleno de ritmo. Las escenas de tensión —especialmente las icónicas llamadas telefónicas de Ghostface— son ejercicios magistrales de suspenso, construidas con precisión casi hitchcockiana. La máscara blanca del asesino, inspirada en una pintura de Edvard Munch (El grito), se convirtió instantáneamente en un ícono cultural, tan reconocible como la de Michael Myers o Jason Voorhees, pero con un toque irónico y contemporáneo.

El reparto es otro de los grandes aciertos de la película. Neve Campbell entrega una actuación sólida y empática como Sidney, una heroína vulnerable pero decidida, lejos del estereotipo pasivo de la “víctima final”. Courteney Cox, en un giro inesperado frente a su rol en Friends, interpreta a Gale Weathers, una periodista ambiciosa y cínica cuya obsesión por la noticia la lleva a cruzar líneas éticas. David Arquette, como el torpe pero entrañable sheriff Dewey, aporta calidez y humor sin caer en lo caricaturesco. Y el elenco secundario —con jóvenes actores como Skeet Ulrich, Matthew Lillard y Rose McGowan— aporta energía, carisma y, en algunos casos, una dosis de imprudencia fatal que encaja perfectamente con la lógica interna de la película.

Técnicamente, Scream es eficaz sin ser pretenciosa. La fotografía de Mark Irwin crea una atmósfera suburbana que oscila entre lo cotidiano y lo ominoso, mientras que la banda sonora de Marco Beltrami mezcla tensión orquestal con toques modernos que refuerzan el tono contemporáneo de la historia. Pero más allá de los elementos técnicos, lo que perdura es la sensación de que Scream respeta tanto al género como al público: no se burla del terror, sino que lo celebra, lo cuestiona y lo actualiza.

Psicosis (Psycho), dirigida por Alfred Hitchcock y estrenada en 1960, no es solo una de las películas más influyentes del cine de terror, sino una revolución narrativa, técnica y psicológica que redefinió para siempre las reglas del suspense cinematográfico. En una época en la que los estudios de Hollywood se regían por fórmulas seguras y personajes claramente delineados, Hitchcock se atrevió a desafiar todas las expectativas: mató al supuesto protagonista a mitad de la película, exploró temas tabú como la locura, la identidad fragmentada y la sexualidad reprimida, y utilizó el blanco y negro no como limitación, sino como herramienta estilística para intensificar el miedo. El resultado fue una obra maestra que sigue siendo tan perturbadora, innovadora y emocionante hoy como lo fue hace más de seis décadas.

La historia comienza con Marion Crane, una joven secretaria de Phoenix que, impulsada por el deseo de escapar de una vida insatisfactoria, toma una decisión impulsiva que la lleva a huir en coche hacia California. Exhausta y bajo la lluvia, decide detenerse en el solitario Bates Motel, un lugar aparentemente inofensivo regentado por Norman Bates, un hombre tímido, educado y visiblemente atormentado por su relación con su dominante madre. Lo que parece un simple desvío en su viaje se convierte rápidamente en una pesadilla de la que no hay retorno.

Desde el primer minuto, Hitchcock ejerce un control absoluto sobre el espectador. La banda sonora de Bernard Herrmann —con sus agudos, estridentes violines en la icónica escena de la ducha— no solo acompaña la acción, sino que la dicta, convirtiéndose en una extensión del pánico interno de los personajes. La fotografía en blanco y negro, obra de John L. Russell, acentúa las sombras, los contrastes y los ángulos inquietantes, mientras que el montaje —especialmente en la ya legendaria escena de la ducha— rompe con las convenciones de la época, utilizando más de 70 planos en menos de un minuto para crear una sensación de caos, vulnerabilidad y violencia pura, sin mostrar nunca explícitamente el acto.

Pero más allá de su técnica revolucionaria, Psicosis es una exploración profunda y sutil de la mente humana. Norman Bates, interpretado con una mezcla de inocencia y perturbación por Anthony Perkins, es uno de los personajes más complejos y trágicos del cine. No es un villano al uso; es un hombre atrapado en una prisión psicológica construida por el trauma, la culpa y la imposibilidad de separarse de una figura materna opresiva. Hitchcock, con una empatía sorprendente, nos invita a comprenderlo incluso mientras nos aterroriza. Por su parte, Janet Leigh, en el papel de Marion, entrega una actuación llena de humanidad y contradicciones: no es una heroína perfecta, pero su humanidad la hace profundamente identificable.

Lo que realmente distingue a Psicosis es su estructura narrativa audaz. Al desviar el foco del personaje inicial a otro completamente distinto a mitad de la película, Hitchcock no solo rompe con las convenciones del guion clásico, sino que obliga al espectador a cuestionar sus propias expectativas y lealtades. La película se transforma de un drama criminal en un thriller psicológico, y luego en una especie de estudio clínico del desdoblamiento de la personalidad, todo sin perder un ápice de tensión.

Además, Psicosis fue pionera en muchos aspectos técnicos y culturales. Fue una de las primeras películas en filmarse íntegramente con cámaras de televisión (lo que le dio un estilo más crudo y documental), y Hitchcock impuso reglas estrictas en las salas de cine: nadie podía entrar después del comienzo, una medida inusual que reforzaba la importancia de cada detalle. La película también enfrentó la censura de la época por su contenido —incluyendo escenas de ropa interior femenina y un retrete—, pero Hitchcock las defendió con inteligencia, convirtiendo lo prohibido en arte.

Dirigida por Roman Polanski y basada en la novela homónima de Ira Levin, El bebé de Rosemary (Rosemary’s Baby, 1968) es una obra maestra del horror psicológico que, más de medio siglo después de su estreno, sigue siendo una de las películas más inquietantes, sofisticadas y perturbadoras jamás filmadas. Lejos de recurrir a efectos especiales, monstruos o sangre, Polanski construye el terror con lo más cotidiano: una pareja joven, un nuevo apartamento, vecinos amables y el sueño de formar una familia. Es precisamente en esa normalidad donde se siembra la semilla del horror, haciendo que la película resuene con una fuerza que trasciende la pantalla y se instala en la mente del espectador.

La historia sigue a Rosemary Woodhouse, una mujer dulce, optimista y profundamente tradicional, interpretada con una mezcla de inocencia y creciente angustia por Mia Farrow en uno de los papeles más icónicos de su carrera. Junto a su marido Guy, un actor ambicioso pero frustrado (John Cassavetes), se muda a un histórico edificio de apartamentos en Nueva York. Allí, conocen a sus excéntricos vecinos, los Castevet, una pareja mayor cuya amabilidad inicial pronto se vuelve inquietantemente insistente. A medida que Rosemary queda embarazada, comienza a experimentar sueños extraños, síntomas inexplicables y una creciente sensación de aislamiento. Lo que al principio parece una historia de maternidad se transforma, con una lentitud deliberada y una precisión casi clínica, en una pesadilla de paranoia, manipulación y pérdida de control.

Lo más brillante de El bebé de Rosemary es su ambigüedad controlada. Durante gran parte de la película, el espectador —al igual que Rosemary— no sabe si lo que está ocurriendo es real o producto de su imaginación, de su ansiedad prenatal o de su vulnerabilidad emocional. ¿Está siendo víctima de una conspiración siniestra… o simplemente está perdiendo la cordura? Polanski nunca apresura las respuestas. En cambio, utiliza la cámara para reflejar el punto de vista de Rosemary: planos subjetivos, encuadres que la encierran visualmente, sonidos distorsionados y una banda sonora minimalista (a cargo de Krzysztof Komeda) que oscila entre lo melancólico y lo ominoso. El resultado es una experiencia profundamente subjetiva, donde el miedo nace no de lo que vemos, sino de lo que intuimos.

La película también es una crítica mordaz y adelantada a su tiempo sobre el control del cuerpo femenino, la desconfianza en las instituciones médicas y la manipulación social disfrazada de amabilidad. Rosemary es constantemente minimizada, ignorada y silenciada: por su marido, por sus médicos, incluso por sus amigas. Su instinto le dice que algo está mal, pero nadie la cree. Esa dinámica —tan familiar para muchas mujeres— convierte la película en una alegoría poderosa sobre la gaslighting y la pérdida de autonomía, temas que hoy, en la era del #MeToo y los debates sobre los derechos reproductivos, suenan más relevantes que nunca.

El reparto es excepcional. Mia Farrow entrega una actuación frágil pero resiliente, capaz de transmitir terror sin necesidad de gritos. John Cassavetes, habitual colaborador de Polanski, retrata a Guy con una mezcla de carisma y egoísmo escalofriante. Pero es Ruth Gordon, en el papel de Minnie Castevet, quien roba cada escena con una actuación que equilibra perfectamente la comedia y el horror: su exagerada dulzura es tan inquietante como su posterior revelación. Su interpretación le valió un Oscar a Mejor Actriz de Reparto, un raro logro para una película de terror.

Visualmente, la película es austera pero efectiva. Polanski filma en locaciones reales en Nueva York, lo que refuerza la sensación de verosimilitud. No hay trucos ni exageraciones; el horror se esconde en los detalles: una taza de chocolate con sabor extraño, una llave que no encaja, una conversación susurrada al otro lado de la pared. Todo está al servicio de la tensión psicológica, nunca del espectáculo.

La película, animada en un stop-motion dolorosamente tangible, nos presenta a Michael Stone, un hombre atrapado en este infierno personal. Para él, literalmente todo el mundo —su esposa, su hijo, el taxista, los empleados del hotel— tiene la misma cara y la misma voz masculina, apática y sin inflexiones. Kaufman no nos lo explica con un diagnóstico; nos sumerge en la percepción sensorial de Michael. Es una representación literal de una depresión profunda o del síndrome de Fregoli, un trastorno en el que una persona cree que diferentes personas son en realidad una sola persona disfrazada. Su mundo es una prisión de sameness.

Cuando se habla de películas que redefinieron el cine de terror, pocas tienen el peso histórico, cultural y emocional de El exorcista (The Exorcist, 1973), dirigida por William Friedkin. Basada en la novela homónima de William Peter Blatty —quien también escribió el guion—, esta cinta no solo se convirtió en un fenómeno global desde su estreno, sino que estableció un nuevo estándar para el horror sobrenatural, mezclando con maestría lo espiritual, lo psicológico y lo visceral. Más de cinco décadas después, sigue siendo una experiencia cinematográfica perturbadora, intensa y profundamente humana.

La historia gira en torno a Regan MacNeil, una niña de doce años cuya vida aparentemente normal en Georgetown se ve abruptamente alterada por una serie de extraños y aterradores cambios de comportamiento. Su madre, Chris —una actriz divorciada interpretada con una mezcla de fuerza y vulnerabilidad por Ellen Burstyn—, busca desesperadamente respuestas médicas, psiquiátricas y, finalmente, espirituales. Lo que comienza como una crisis inexplicable se transforma en una confrontación entre el bien y el mal, la fe y la duda, la ciencia y lo sobrenatural.

Lo que distingue a El exorcista de otras películas de posesión demoníaca —un subgénero que, en gran parte, ella misma popularizó— es su enfoque serio, casi reverente, hacia sus temas. Friedkin nunca recurre al sensacionalismo barato. En cambio, construye la tensión con una lentitud deliberada, usando el realismo como herramienta de terror. Las escenas cotidianas —una madre preocupada, una habitación de hospital, un sacerdote dudando de su fe— se vuelven inquietantes porque están ancladas en la verdad emocional de sus personajes. Esa verosimilitud hace que, cuando lo sobrenatural irrumpe, el impacto sea devastador.

La película también se beneficia de un reparto extraordinario. Además de Burstyn, Max von Sydow, en el papel del anciano Padre Merrin, aporta una presencia casi mítica, serena y cargada de sabiduría espiritual. Jason Miller, como el joven sacerdote Damien Karras —un hombre atormentado por la culpa y la crisis de fe—, entrega una de las interpretaciones más humanas y conmovedoras del cine de terror. Y, por supuesto, Linda Blair, con apenas catorce años en el momento del rodaje, realiza una actuación que trasciende lo físico: su transformación en Regan es tan aterradora como trágica, y su inocencia corrompida se convierte en el núcleo emocional de la historia.

Técnicamente, El exorcista es impecable. La fotografía de Owen Roizman crea una paleta visual fría y realista que contrasta con los momentos de horror extremo. El diseño de sonido —incluyendo esa inquietante música compuesta por Mike Oldfield, cuya pieza “Tubular Bells” se volvió icónica— juega un papel fundamental en la construcción de la atmósfera. Cada crujido, cada susurro, cada silencio está calculado para mantener al espectador en un estado constante de alerta. Los efectos prácticos, revolucionarios para su época, siguen impresionando hoy en día por su crudeza y realismo, especialmente considerando que se lograron sin el uso de CGI.

Pero más allá de sus logros técnicos, El exorcista es una película profundamente espiritual. No se trata simplemente de un demonio poseyendo a una niña; es una exploración del sufrimiento humano, de la lucha por la fe en un mundo aparentemente indiferente, y del sacrificio como acto de amor. La película no ofrece respuestas fáciles. Más bien, nos enfrenta a preguntas incómodas: ¿Qué hacemos cuando la ciencia falla? ¿Dónde encontramos consuelo frente al mal inexplicable? ¿Puede la fe coexistir con la duda?

Su impacto cultural fue inmediato y duradero. En su estreno, provocó desmayos, ataques de pánico e incluso exorcismos reales solicitados por espectadores convencidos de que la película estaba “maldita”. Fue nominada a diez premios Oscar, incluyendo Mejor Película —un logro casi inédito para una película de terror—, y ganó dos: Mejor Guión Adaptado y Mejor Sonido. Hoy, está preservada en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por su “significado cultural, histórico o estético”.

El resplandor (The Shining), dirigida por Stanley Kubrick y estrenada en 1980, es una de esas películas que han trascendido el cine para convertirse en un fenómeno cultural, psicológico e incluso filosófico. Basada libremente en la novela homónima de Stephen King —aunque con notables diferencias que han generado décadas de debate entre fans y críticos—, la cinta no se limita a contar una historia de terror sobrenatural en un hotel aislado. Más bien, El resplandor es una inmersión lenta, hipnótica y deliberadamente perturbadora en la fragilidad de la mente humana, la disolución de la familia y el eco del mal en los lugares donde el tiempo parece detenerse.

La trama sigue a Jack Torrance, un escritor en crisis que acepta un trabajo como cuidador de invierno en el Overlook Hotel, un lujoso pero remoto establecimiento en las montañas de Colorado. Acompañado por su esposa Wendy y su hijo Danny —quien posee una misteriosa habilidad psíquica conocida como “el resplandor”—, Jack espera encontrar en la soledad del hotel la paz necesaria para escribir. Pero lo que comienza como un retiro tranquilo se transforma, con una precisión casi quirúrgica, en una pesadilla de aislamiento, paranoia y violencia creciente.

Lo primero que impacta de El resplandor es su atmósfera. Kubrick, conocido por su perfeccionismo obsesivo, construye cada escena con una frialdad deliberada que contrasta con la creciente locura que se despliega ante nuestros ojos. El hotel Overlook no es solo un escenario: es un personaje en sí mismo. Sus pasillos infinitos, sus alfombras con patrones hipnóticos, sus salones vacíos y sus espejos silenciosos parecen respirar con una vida propia, observando, tentando, manipulando. La fotografía de John Alcott, junto con la icónica banda sonora que mezcla música contemporánea, coros gregorianos y sonidos discordantes, crea una sensación de inquietud constante, incluso en los momentos aparentemente más calmos.

Jack Nicholson, en uno de sus papeles más recordados, entrega una actuación que va de lo contenidamente tenso a lo absolutamente desquiciado. Su transformación no es abrupta, sino gradual, casi imperceptible al principio, lo que la hace aún más inquietante. Shelley Duvall, por su parte, encarna a Wendy con una vulnerabilidad palpable y una desesperación que nunca cae en lo melodramático; su rostro agotado y sus ojos llenos de miedo se convierten en el contrapunto humano frente al descenso al abismo de su marido. Y Danny Lloyd, en el papel de Danny, logra transmitir una inteligencia intuitiva y un terror infantil que resuenan profundamente, especialmente en escenas como aquellas en las que interactúa con su alter ego imaginario, Tony.

Pero más allá de las actuaciones y la técnica impecable, lo que hace única a El resplandor es su ambigüedad. Kubrick nunca confirma si los eventos sobrenaturales son reales o producto de la mente fracturada de Jack. ¿Está el hotel poseído por fuerzas malignas? ¿O es simplemente un espejo que refleja y amplifica los demonios internos de quienes lo habitan? Esta dualidad es la clave de su poder duradero. La película funciona tanto como relato de fantasmas como como estudio psicológico del aislamiento extremo, la frustración creativa, el alcoholismo y la violencia doméstica.

Además, El resplandor está repleta de simbolismo y detalles que han alimentado incontables teorías: desde interpretaciones freudianas hasta lecturas sobre el genocidio indígena en Estados Unidos, pasando por análisis numerológicos y referencias históricas ocultas. Aunque Kubrick rara vez explicaba sus intenciones, esa riqueza interpretativa es parte de lo que convierte a la película en una obra abierta, inagotable, que invita a ser revisitada una y otra vez.

En cuanto a su legado, es innegable. Frases como “¡Heeeere’s Johnny!” o imágenes como la sangre que inunda los pasillos del hotel, los gemelos en el corredor o el laberinto nevado se han convertido en iconos del cine de terror. Pero más allá de los memes y las referencias populares, El resplandor sigue siendo una experiencia cinematográfica intensa, incómoda y profundamente artística.

Muy buena

buena