Reseñas

Execelente

ممتاز

Nada es lo que parece 3 (Now You See Me 3) intenta recuperar la magia de la franquicia apostando por el relevo generacional y un ritmo vertiginoso, pero termina dependiendo más de la nostalgia y de los efectos visuales que del verdadero asombro.
​Evaluación: ⭐⭐⭐☆☆ (3 de 5 estrellas)
​El choque generacional: La interacción entre la vieja guardia (Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Mark Ruffalo) y la nueva camada de ilusionistas aporta cierta frescura, aunque por momentos el elenco se siente demasiado saturado y resta espacio para que los personajes respiren.
​El espectáculo visual: La puesta en escena cumple con creces. Los trucos y las secuencias de escape resultan vistosos y técnicamente deslumbrantes, manteniendo el dinamismo tan característico de la saga.
​El guion y el misterio: La trama recurre a giros argumentales un tanto predecibles. La fórmula de engañar al espectador se siente cansada y carece de la chispa o la elegancia que tuvo la primera entrega.
​Funciona muy bien como entretenimiento pasajero para pasar la tarde, pero deja la sensación de que a la saga se le van agotando los trucos bajo la manga.

3.5 de 5 estrellas 💫
​Hay algo profundamente perturbador en sentarse a ver una historia sabiendo, de antemano, que no hay red de contención posible. Barreda (2026) no busca que empatices con el monstruo, pero tampoco comete el error fácil de dibujarlo como una caricatura. Se mete en esa casona de La Plata y te encierra ahí, entre el olor a humedad, el resentimiento masticado en silencio y el crujido de las tazas de té a la tarde.
​La película funciona más como un drama psicológico claustrofóbico que como un thriller de impacto fácil. Lo mejor se lo lleva la construcción del clima: la cámara se queda incómodamente cerca de los rostros, capturando cada desprecio cotidiano, cada mirada congelada. La actuación principal sostiene todo el peso; hay un manejo de la calma antes de la tormenta que da verdadero escalofrío, mostrando cómo la decadencia familiar se va acumulando hasta volverse insostenible.
​Lo que impacta: La frialdad con la que se retrata la rutina previa al crimen. No hay música grandilocuente para forzar el drama; el silencio corta como un cuchillo.
​Donde flaquea: El último tercio se siente algo apresurado. Tras el estallido, el ritmo cae bruscamente y el tratamiento del juicio se percibe demasiado esquemático en comparación con el doloroso detalle de la primera hora.
​No es una película cómoda ni para recomendar un domingo a la tarde. Deja una sensación amarga y pesada en el pecho, pero justamente ahí radica su logro: no te deja indiferente, te deja pensando en las grietas invisibles de la vida cotidiana que nadie quiere mirar.

Vista el 27/08/2026.

Está genial

bien

pelicla recoedada

Exelente

Buena

El documental Oasis: Don't Look Back in Anger (2026) captura la esperada gira de reencuentro Live '25 de los hermanos Gallagher tras 15 años de separación. Dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace, el filme logra captar la electricidad de sus conciertos y el valor nostálgico de un momento histórico para la música.
​Evaluación: 💫💫💫💫 (4/5 estrellas)
​Lo mejor de la película:
​Conciertos e ingeniería de sonido: La fuerza de los shows en vivo, el audio atronador y la fotografía cinematográfica hacen justicia al regreso de la banda.
​Entrevistas inéditas: Ver a Noel y Liam juntos compartiendo pantalla y reflexiones tras tres décadas de fricciones aporta el valor emocional que los fans esperaban.
​Impacto cultural: Logra retratar la catarsis colectiva del público, capturando la conexión generacional que mantiene viva la música de Oasis.
​Puntos débiles:
​Superficialidad en lo personal: Aunque el filme aboga por el perdón y la nostalgia, evita profundizar demasiado en las grietas reales o en los detalles más oscuros de su larga reconciliación.
​Es un homenaje vibrante pensado principalmente para la fanaticada del britpop; una celebración del perdón que funciona de forma impecable cada vez que la música toma el control de la pantalla.

Evaluation: 💫💫💫 (3/5)
​Adam Wingard y Simon Barrett regresan a sus raíces más brutales, pero la sensación al salir del cine es de un “dejà vu” agridulce.
​Onslaught funciona como un homenaje sangriento y visceral al cine de acción grindhouse de los 80. La trama es simple: una veterana del ejército con estrés postraumático (interpretada de forma magnífica por Adria Arjona) tiene que defender su parque de casas rodantes en Nuevo México cuando una triada de supersoldados modificados genéticamente rompe contención.
​Lo mejor: Adria Arjona sostiene todo el peso emocional y físico de la cinta. Su presencia es electrizante, logrando que el instinto de protección hacia su hija se sienta real en medio del caos. Las secuencias de acción tienen un trabajo de especialistas impresionante y la sangre práctica se siente corpórea y sudorosa. Dan Stevens se divierte como nunca interpretando a un científico desquiciado en una actuación casi caricaturesca pero magnética.
​Lo flaco: A la historia le falta corazón propio. La película depende tanto de imitar a The Terminator, Halloween y Die Hard que termina sintiéndose más como una recopilación de tropos bien filmados que como una historia con identidad única.
​Es un viaje entretenido, ruidoso y lleno de adrenalina si buscas pasar un buen rato sin pensar demasiado, pero se queda corta a la hora de dejar una huella verdadera en el género.

3,5 de 5 estrellas 💫
​Lo confieso: fui al cine esperando encontrarme con otro thriller inflado, lleno de pantalla verde y sustos baratos diseñados en serie por un algoritmo. Pero esta secuela me cerró la boca. Punto muerto no intenta reinventar la rueda ni competir con el vertigo visceral de la primera entrega; en su lugar, toma el vértigo y lo traslada a un plano mucho más íntimo y desgarrador: el encierro mental.
​La película nos sitúa en esa sensación tan real de estar atrapado en tu propia vida, donde cada decisión parece una caída libre sin red de seguridad. El director se toma su tiempo para respirar, dejando que los silencios de los personajes pesen tanto como las escenas de tensión física. Hay una escena a mitad de la película —en un puente iluminado apenas por las luces intermitentes de un coche averiado— donde la cámara no se mueve durante casi tres minutos. Solo vemos los ojos del protagonista al borde del colapso, y ese momento solo vale la entrada.
​Tiene sus baches, por supuesto. El último acto se apresura un poco para cumplir con la cuota de acción que exige la taquilla, sacrificando algo de la tensión psicológica que venía construyendo con tanto mimo. Sin embargo, se siente carne, sudor y duda en cada fotograma.
​Lo mejor:
​La interpretación principal transmite una vulnerabilidad desesperada que te encoge el estómago.
​El uso del silencio y la iluminación natural en las escenas nocturnas.
​Lo peor:
​El desenlace cede ante las convenciones del cine comercial y pierde la sutileza que dominó el resto del metraje.
​Una secuela imperfecta pero profundamente honesta, que demuestra que el verdadero terror no siempre es la altura, sino el momento exacto en que te das cuenta de que no puedes avanzar ni retroceder.

Zona Cero (2026) es de esas películas que te dejan con sensaciones encontradas: arranca con una fuerza tremenda, pero se va desinflando a medida que se acerca al final.
​Evaluación: ⭐⭐⭐☆☆ (3/5 estrellas)
​Lo mejor y lo peor de la cinta en detalle:
​La atmósfera y la imagen: Visualmente es implacable. La fotografía logra que sientas el frío, la humedad y el encierro de ese futuro desolado desde el primer minuto.
​El ritmo y la historia: Arranca muy arriba, pero a mitad de camino el guion empieza a dar vueltas sobre lo mismo y se vuelve bastante predecible.
​Las actuaciones: Sostienen la trama cuando la historia flaquea, aunque a varios personajes les faltó un poco más de desarrollo para que realmente te importe lo que les pasa.
​Cumple para maratonear un fin de semana si te gusta la ciencia ficción postapocalíptica, pero no esperes una obra de arte que te vaya a cambiar la vida.

Ex

Heli (2013), dirigida por Amat Escalante, es un retrato brutal, desolador e íntimo sobre cómo la violencia sistémica del narcotráfico echa a perder la inocencia de una familia común en el México rural.
​La película impacta no por buscar el espectáculo o la acción, sino por su mirada contemplativa y profundamente trágica. Escalante contrapone la belleza cotidiana del paisaje y la ternura de las relaciones familiares con una crueldad seca y cotidiana que irrumpe sin aviso. Armando Espitia entrega una actuación contenida y vulnerable como Heli, un joven que se ve arrastrado a un infierno que no buscó, convirtiendo el dolor de su personaje en el eje emocional de toda la cinta.
​Aspectos destacados:
​Realismo crudo: La violencia no se glorifica ni se estiliza; se muestra con una frialdad cotidiana que resulta incómoda y devastadora.
​Mirada intimista: Más allá del contexto criminal, la historia se centra en el amor fraternal, la pérdida de la inocencia y el impacto psicológico del trauma.
​Dirección y fotografía: El uso del silencio y los encuadres fijos acentúan la sensación de desamparo y la impotencia de los protagonistas frente a su entorno.
​Evaluación: 💫💫💫💫/5 (4 de 5 estrellas)

Que Dios nos perdone (2016), dirigida por Rodrigo Sorogoyen, es una radiografía oscura y sofocante sobre la violencia, la incomunicación y las grietas morales que conviven en el corazón de una Madrid calurosa y convulsa.
​La película funciona de maravilla porque rechaza el molde tradicional del thriller policial para centrarse en la psicología rota de sus personajes. Antonio de la Torre y Roberto Álamo ofrecen interpretaciones demoledoras, encarnando a dos inspectores tan imperfectos, frágiles y brutales como los monstruos que persiguen. Sorogoyen maneja la tensión con un pulso impecable, atrapando al espectador en un ambiente claustrofóbico donde la violencia física es solo el síntoma de una soledad insoportable.
​Aspectos destacados:
​Actuaciones descomunales: La química asimétrica entre el tartamudo y meticuloso Velarde (De la Torre) y el impulsivo e inestable Alfaro (Álamo) sostiene toda la fuerza dramática.
​Atmósfera y ritmo: El retrato de una Madrid asfixiante durante la visita del Papa en 2011 sirve como contraste perfecto para una trama oscura que no da tregua.
​Enfoque humano: Más allá de la caza del asesino, la cinta indaga con enorme crudeza en la miseria cotidiana, la culpa y la incapacidad de conectar con los demás.
​Evaluación: 💫💫💫💫½/5 (4.5 de 5 estrellas)

Cronos (2026), dirigida por Fernando González Molina, aborda el doloroso recuerdo de los atentados de las Ramblas de 2017 a través del despliegue policial posterior, intentando capturar cuatro días de absoluta incertidumbre.
​La película funciona muy bien cuando se enfoca en el nervio de la persecución y en el trabajo interpretativo —destacando un Enric Auquer brillante y veraz—, pero trastabilla cuando intenta abarcar la tormenta política y mediática del momento sin terminar de profundizar en ella. El montaje es frenético, a veces roza la hiperventilación innecesaria, aunque sostiene el pulso emocional del espectador al apelar a una memoria histórica dolorosa y reciente.
​Puntos clave:
​Interpretaciones: Enric Auquer y Mónica López sostienen el peso dramático con enorme solvencia y humanidad.
​Ritmo: Como thriller procesal no da tregua, aunque confunde con frecuencia el rigor dramático con el frenesí técnico.
​Enfoque: Prefiere la reconstrucción minuciosa de la cacería policial antes que adentrarse en las grietas humanas de la tragedia.
​Evaluación: 💫💫💫/5 (3 de 5 estrellas)

no es6ta

Interesante película basada en hecho reales de toma de rehén, es de género suspenso, crimen. Tiene buenos diálogos, buen desarrollo de la trama, muy estilo de película de viejas épocas. Las actuaciones de los protagonistas muy buena. Una muy buena opción para ver para los fanáticos de las películas de crimen, suspenso.