Reseñas

Cuando fui a verla, no sabía nada de esta película, creo que es la primera película rusa y no tenía claro si era rusa o noruega que veo y, debo decir que está muy bien hecha la fotografía es hermosa y las escenas submarinas muy bien hecha, es una película de rescate que logra interesarte poco a poco, sobre la trama flaquea un poco y es algo forzada ya que es difícil empatizar con el personaje principal y creo que su actuación no está a la altura de la trama, la parte romántica no está bien elaborada y le falta desarrollo, las escenas a veces suelen ser demasiado técnicas en el manejo de los submarinos y en realidad la imagen del Kraken aunque se ve poco, se explica bien y no se ve artificial, buena película que logró interesarme poco a poco y sumergirme en el mar del kraken.

Esta es la historia de cómo el cine nos puede salvar de nosotros mismos.

Es de buena calidad

me encanta

Un feroz deporte hecho solo para los más rudos, y una pequeña cabra que sueña con ser el mejor en la cancha. He aquí el germen del filme más reciente presentado por los creadores del Spider-Verso y de las K-pop Demon Hunters. Siguiendo las tendencias estilísticas, la animación dinámica y de estilo libre presenta personajes profundos con desarrollo y dinámicas equilibradas, escenarios bien diferenciados, y una ciudad acogedora, viviente, que reclama protagonismo para sí misma.

En esta comedia deportiva animada -que se suma a la lista integrada por la franquicia de Cars (2006) y Metegol (2013)- se exploran temas como el trabajo en equipo, el respeto, la pasión y los sueños, a través de un protagonista que busca hacerse un lugar y una veterana que lucha por mantener el suyo.

Al igual que la cabra Will Harris (Will Cabrera, en el doblaje latinoamericano) se aferra a su ciudad natal, el filme no esconde su temporalidad: utiliza lenguaje contemporáneo y hace referencias a personalidades y hábitos del día a día. Así también lo habían hecho Hércules (1997) y Las Tortugas Ninja: Caos Mutante (2023) en su momento. Sin duda, en un futuro no muy lejano será testimonio de la forma de hablar de una época.

Aunque quizá no representa un quiebre en la historia de la animación ni se vende como el gran hit infantil del año, GOAT asoma con dignidad su cabeza de historia autoconclusiva o standalone en medio de las carteleras plagadas de secuelas como Zootopia 2 (2025), Toy Story 5 (que planea estrenarse este año) o, yendo a otros géneros, Scream 7. Como plan para una salida familiar, entre amigos o incluso en solitario (para los amantes del cine de animación, como quien escribe), la propuesta es ideal. No pocos niños, jóvenes ni adultos saldrán de la sala con un lugar para este largometraje y sus personajes en su corazón.

En este interesante thriller psicológico tenemos numerosos paralelismos con otra propuesta de Hitchcock: „Rebecca“ (1940), filmada poco antes. Para empezar, la actriz protagonista es la misma, Joan Fontaine, y su personaje en ambas películas tiene una personalidad casi idéntica: Mujer joven, frágil e ingenua. Lina, o „cara de mono“ como la llama burlonamente Johnnie, pasa de un extremo emocional a otro sin perder esos rasgos de su carácter: Pues de su dócil y crédula confianza en el canalla de su marido pasa a desarrollar un miedo obsesivo y paranoico hacia el mismo.

Y es que ante el cúmulo de indicios, no es para menos. Además de su afición a las apuestas de caballos, Johnnie también cultiva un gran interés hacia los libros de detectives y asesinatos – tal vez esas lecturas le sirvan de „inspiración“…

Las similitudes de esta película con „Rebecca“ están presentes tanto en la estructura como en lo temático, así como en la dinámica entre los personajes. También en la ambientación y lo visual: escenas de acantilados, playas solitarias, mansiones…

Sin embargo, la pequeña pero importante diferencia entre las protagonistas de las dos películas (interpretadas, recordemos, por la misma actriz) consiste en que la de „Rebecca“ es una humilde huérfana, mientras que la de esta „Sospecha“ es una heredera de familia muy rica. El personaje principal masculino, el pendenciero playboy Johnnie a quien da vida Cary Grant, podría muy bien tener motivaciones para cometer uno (o varios) crímenes.

Como buen maestro del suspense, Hitchcock logra engañar a los espectadores en varias ocasiones. Conforme avanza la historia vamos siendo manipulados a través de las percepciones de la protagonista – que es bastante sugestionable...

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Esta poco conocida película de Hitchcock, correspondiente a su etapa inicial, resulta muy atípica para quienes están más familiarizados con las obras maestras del suspense que vendrían después (Vértigo, Psicosis, La ventana indiscreta, etc). Comienza casi como una comedia slapstick, y a lo largo de gran parte del metraje abunda una nota humorística un tanto surrealista (En el sentido literal, es decir buñueliano, del término – Ejemplo: La monja con zapatos de tacón). En muchas escenas se difuminan los límites entre lo real y lo ilusorio (a bordo del tren también viaja de hecho un ilusionista; el mago italiano). ¿Acaso está trastornada la protagonista? ¿O existe realmente esa misteriosa anciana? ¿En tal caso, cómo ha podido esfumarse? ¿Y quién es en realidad la susodicha? Estas y otras incógnitas mantendrán en alerta a los espectadores, especialmente a partir de la segunda mitad, cuando toma peso la temática del espionaje y los conflictos geopolíticos.

(...) Hasta el momento, Hitchcock había trabajado solamente en su país Inglaterra; pero ésta fue la película que captó la atención de los productores de Hollywood, propiciando que el director británico continuara su carrera al otro lado del Atlántico – Hitchcock aparece al final del film, en uno de sus célebres cameos, entre la muchedumbre de la estación de trenes de Londres.

La película comienza en un caótico hotel del país ficticio de Bandrika, situado probablemente en Europa Sud-oriental, por los Cárpatos o los Balcanes (en los Balcanes, por cierto, se produjo el „pistoletazo de salida“ del anterior gran conflicto bélico, la I Guerra Mundial). La actitud frívola de varios de los personajes (como los fans del cricket) se ha interpretado como una metáfora de la pasividad inicial de occidente ante el avance del totalitarismo en Europa.

El país balcánico ficticio, unido al tono general humorístico, es algo que recuerda a los cómics de Tintín ambientados en Syldavia y Borduria. Esas historietas del genial Hergé emplean como vehículo argumental el espionaje y las intrigas internacionales; lo mismo que sucede en ésta „The lady vanishes“. Una temática similar la desarrollaría Hitchcock más adelante en „Con la muerte en los talones“ (1959) – donde igualmente tiene gran relevancia el viaje en tren de los principales personajes (pero en el caso de esa otra película con menos comedia y más suspense).

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

'The Burbs' es una serie de terror y comedia, con muy poco terror pero con buena comedia, que se vuelve un remake innecesario de la película homónima. Nada muy destacable entre las actuaciones, únicamente roles positivos por parte de Keke Palmer y Kapil Talwalkar. A pesar de que la historia se desarrolla bien, con un buen empleo del humor, los giros argumentales están mal estructurados y desestiman la trama.

'The Bluff' es una película de acción y piratas, que intenta ser un thriller en un ambiente de época, que se siente bastante forzado. Buena actuación de Priyanka Chopra en lo físico. No tan bien Karl Urban, lejos de su mejor nivel. Buenos roles de Temuera Morrison y Safia Oakley-Green. La película falla en presentar una historia tan cliché, poco interesante y tener unos personajes principales tan planos y faltos de contexto. Sin embargo, buenas escenas de acción y ambientación. Algunas secuencias recuerdan al cine de Guy Ritchie. Buena iluminación de escenas nocturnas, también.

Buena

a

Super

Es muy buena

Una maravilla de película

Inspirador

La única buena

Dentro de la vasta filmografía sobre la Guerra de Vietnam, El cielo y la tierra ocupa un lugar particular y, a menudo, injustamente relegado. Dirigida por Oliver Stone, esta película cierra su trilogía sobre el conflicto —precedida por Platoon y Born on the Fourth of July— pero lo hace desde una perspectiva radicalmente distinta: la de una mujer vietnamita atrapada entre dos mundos, dos culturas y dos violencias.

Basada en las memorias de Le Ly Hayslip, la historia sigue a Le Ly (interpretada por Hiep Thi Le) desde su infancia en una aldea rural hasta su emigración a Estados Unidos tras casarse con un soldado norteamericano, encarnado por Tommy Lee Jones. El relato no es una crónica bélica tradicional; es, ante todo, un viaje íntimo de supervivencia. La guerra aquí no es solo un conflicto armado: es una herida que atraviesa cuerpos, familias y memorias.

Stone, conocido por su estilo vehemente y confrontativo, adopta en esta ocasión un tono más lírico y contemplativo. La primera parte del film, ambientada en la aldea vietnamita, posee una cualidad casi pastoral que contrasta violentamente con la irrupción de la guerra. El cielo abierto, los campos de arroz y la vida comunitaria se ven desgarrados por sospechas, torturas y traiciones. La cámara captura la belleza del paisaje con la misma intensidad con la que muestra la brutalidad del conflicto. Esa tensión constante entre lo sublime y lo atroz es uno de los mayores logros formales de la película.

La interpretación de Hiep Thi Le es el corazón del film. Su actuación es sobria, casi silenciosa, pero profundamente conmovedora. Le Ly no es presentada como heroína idealizada; es contradictoria, vulnerable y resiliente. La violencia que sufre —física, sexual, psicológica— no se exhibe con morbo, sino como parte de una experiencia histórica devastadora. Stone parece interesado en mostrar cómo la guerra convierte a las personas en sospechosos permanentes, cómo destruye la inocencia mucho antes que los cuerpos.

Cuando la acción se traslada a Estados Unidos, la película adopta un tono distinto. El matrimonio con el personaje de Tommy Lee Jones revela otra forma de conflicto: el trauma del veterano incapaz de adaptarse a la vida civil. Jones compone un hombre quebrado, cargado de culpa y frustración. Su actuación es intensa, pero nunca caricaturesca. En estas escenas, Stone sugiere que la guerra no termina cuando se firman tratados; continúa en la intimidad del hogar, en silencios, en estallidos de ira, en la incapacidad de amar sin violencia.

No obstante, la película no está exenta de problemas. Su ambición narrativa es enorme, y a veces el guion parece abarcar demasiado. El ritmo puede sentirse irregular, especialmente en la transición entre Vietnam y Estados Unidos. Algunos pasajes melodramáticos se perciben subrayados en exceso, y la duración contribuye a una sensación de dispersión. En comparación con la contundencia de Platoon o el enfoque biográfico más compacto de Born on the Fourth of July, El cielo y la tierra resulta más difusa, menos inmediata.

Sin embargo, esa misma amplitud es también su mayor virtud. Stone se atreve a desplazar el centro del relato bélico: no es el soldado estadounidense quien narra, sino la mujer vietnamita. En un género dominado por la mirada occidental masculina, este cambio de perspectiva es profundamente significativo. La película no absuelve a nadie, pero tampoco simplifica. Muestra cómo la guerra es una maquinaria que devora tanto al invasor como al invadido.

Visualmente, el film posee momentos de gran potencia simbólica: el contraste entre la espiritualidad oriental y el pragmatismo estadounidense, entre la tierra natal y el exilio. El título no es casual: “cielo” y “tierra” funcionan como metáforas de aspiración y arraigo, de trascendencia y sufrimiento. La búsqueda de equilibrio entre ambos polos define el arco emocional de la protagonista.

A más de tres décadas de su estreno, El cielo y la tierra sigue siendo una obra valiosa, aunque imperfecta. Carece del impacto inmediato de las otras películas de la trilogía, pero ofrece una profundidad humana que pocas cintas bélicas han alcanzado. Es una película que invita a la empatía, que obliga a mirar el conflicto desde el otro lado y a reconocer que toda guerra es, en última instancia, una tragedia compartida.

Hay películas que no solo se ven: se contemplan. Memorias de una geisha, dirigida por Rob Marshall y basada en la novela de Arthur Golden, pertenece a esa categoría de cine que parece concebido como una porcelana delicada: brillante, detallada y frágil. Desde el primer plano —una niña arrancada de su hogar y vendida a una okiya en Kioto— la película construye una experiencia estética de enorme refinamiento visual, pero también plantea preguntas incómodas sobre autenticidad y representación cultural.

La historia sigue a Chiyo, interpretada en su adultez por Zhang Ziyi, quien atraviesa un doloroso proceso de formación hasta convertirse en Sayuri, una de las geishas más cotizadas del distrito de Gion. El relato está estructurado como una evocación nostálgica: es memoria antes que presente, susurro antes que grito. Marshall filma con una sensibilidad coreográfica heredada de su experiencia en el musical; cada movimiento de cámara parece una danza, cada transición un cambio de acto silencioso.

Visualmente, la película es deslumbrante. La fotografía de Dion Beebe convierte cada encuadre en una estampa pictórica: la lluvia sobre los faroles, el azul intenso de los kimonos, la nieve suspendida como polvo teatral. Hay una estilización evidente que bordea lo onírico. No estamos ante un Japón realista, sino ante un Japón imaginado, casi mitológico. La dirección de arte abraza la exageración cromática y la iluminación teatral, creando un mundo que parece más cercano a la fantasía romántica que al drama histórico crudo.

En el terreno interpretativo, Zhang Ziyi ofrece una actuación contenida, apoyada en miradas y silencios. Su Sayuri es resiliente, pero también calculadora; vulnerable, pero consciente del poder que adquiere dentro de un sistema rígido. A su alrededor brillan Gong Li como la feroz Hatsumomo y Michelle Yeoh como la elegante Mameha. Gong Li aporta la energía más intensa del film: su antagonista no es un villano plano, sino una mujer atrapada en la misma estructura opresiva que la protagonista, reaccionando con rabia ante su propio declive.

Sin embargo, la película no está exenta de controversias. Desde su estreno fue criticada por la elección de actrices chinas para interpretar personajes japoneses, lo que generó debates sobre representación cultural y apropiación. También se le reprochó cierta occidentalización del universo de las geishas, simplificando una tradición compleja en favor de un melodrama romántico más accesible para el público internacional. En ese sentido, el film a veces parece más preocupado por seducir visualmente que por profundizar en las tensiones históricas y sociales del Japón previo y posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Narrativamente, el guion oscila entre la introspección y el folletín. La historia de amor que vertebra la trama —el vínculo idealizado con el Presidente— tiene momentos de genuina delicadeza, pero también cae en el romanticismo predecible. Hay pasajes donde la emotividad se siente subrayada, como si la música y la puesta en escena insistieran demasiado en lo que el espectador ya comprende. Aun así, la banda sonora de John Williams aporta una elegancia melancólica que envuelve la película en una atmósfera casi hipnótica.

Lo más interesante de Memorias de una geisha es la ambigüedad con la que aborda el poder femenino. Aunque muestra a mujeres condicionadas por un sistema patriarcal, también revela la sofisticada red de estrategias que utilizan para sobrevivir y ascender. El arte de la geisha no se presenta solo como entretenimiento, sino como disciplina, actuación y control emocional. En ese terreno, la película encuentra su mayor profundidad: en la idea de que la identidad puede ser una máscara cuidadosamente diseñada.

En definitiva, estamos ante una obra de gran belleza formal, emocionalmente eficaz y narrativamente clásica. No es un retrato histórico definitivo ni una exploración antropológica rigurosa, pero sí un melodrama elegante que funciona como espectáculo cinematográfico. Su mayor virtud es su capacidad para hechizar al espectador con imágenes inolvidables; su mayor debilidad, la simplificación cultural y cierta tendencia al sentimentalismo.

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espero y me guste