Críticas

1️⃣8️⃣Apesar de achar o finado Bronson muito dançado para fazer os movimentos&acrobacias que eram filmadas em todos os seus filmes,achei esse o melhor de toda a franquia da série de Desejo de matar;o filme transparece também a realidade da polícia americana;existem falhas&arbitragens também na polícia americana,não tantas como existe na polícia brasileira;o finado do meu avô materno cresceu,&se desenvolveu com essa fixaçâo&fantasia que os Estados Unidos era o país de primeiro mundo,coitado

Em uma era em que a tecnologia CGI pode realizar praticamente qualquer coisa, é surpreendente ver um filme de animação em stop-motion causar um impacto audiovisual tão intenso. Esse trabalho é uma prova da extraordinária habilidade e criatividade de seus animadores, e sua importância abrange toda a história do cinema. O fato de existir é uma façanha por si só. Quanto ao que ele pretende expressar, talvez seja melhor deixar isso para a experiência do espectador.

Uma rara obra-prima cult, facilmente comparável a The Rocky Horror Picture Show. Embora nunca tenha alcançado o mesmo nível de fama, este filme foi pioneiro no gênero musical rock cult. Sua originalidade e ousadia são inegáveis, oferecendo uma visão nova e distorcida de um conto clássico.

A abadessa idosa é uma personagem excepcionalmente bem elaborada. Ela não é inerentemente má, mas apenas uma governante pragmática que tenta manter a estabilidade. Sua busca por vingança contra Benedetta surge com a perda de sua própria filha. No final, ela parece perceber que não foi apenas Benedetta que desempenhou um papel na queda de sua filha, mas também ela mesma e toda a instituição religiosa que prospera na mentira. Sua caminhada final em direção às chamas é menos um ato de destruição e mais uma busca pela redenção.

O filme adota uma abordagem alegre e bem-humorada para contar histórias, usando o caos do planejamento do casamento como estrutura narrativa. O diretor emprega técnicas cômicas clássicas — mal-entendidos, coincidências e situações exageradas — para aumentar seu valor de entretenimento. O ritmo é bem equilibrado, alternando entre momentos de tensão e momentos sinceros, mantendo o público envolvido o tempo todo.

O pôster do filme é rico em detalhes, retratando os edifícios e janelas do mundo teatral de Caden. Cada janela representa uma pessoa e uma história em Nova York, mas como todos estão confinados à sua própria janela, permanecem cegos à imagem completa da vida dos outros. Até o título do filme está inserido em vidraças separadas — isoladas, mas formando um todo coeso, muito parecido com o próprio filme.

Esse romance primorosamente elaborado usa um elenco pequeno, relacionamentos diretos e diálogos afiados e reflexivos para mergulhar no mundo enigmático das emoções femininas. A estética em preto e branco realça o fascínio das duas mulheres, diferenciando o filme de obras semelhantes e promovendo a empatia por personagens com valores diferentes.

Com base em técnicas vistas em filmes de terror e de monstros de baixo orçamento, o filme se destaca por seu desenvolvimento lento, suspense e ambiente envolvente. Embora alguns possam achar o ritmo lento, eu o achei cativante. O diretor parece ter se inspirado em Tubarão, em que o monstro invisível é muito mais aterrorizante. A revelação tardia do Godzilla aumenta a inquietação, imergindo sutilmente o público em uma sensação crescente de pavor.

O filme faz uso extensivo de montagem, destacando visualmente a transformação de seus personagens. Na primeira metade, eles usam roupas modestas de cores neutras, refletindo suas vidas comuns. À medida que o esquema fraudulento de cupons rende lucros imensos, o estilo de vida deles muda radicalmente — eles compram jatos particulares, iates e um arco-íris de Lamborghinis, com o guarda-roupa cada vez mais extravagante. Esse forte contraste entre as origens humildes e a extravagância recém-descoberta ressalta a visão satírica do filme sobre o capitalismo, executada com humor afiado e delicadeza na direção.

Em vez de explorar a igualdade por meio da posição social, do estatuto econômico ou da educação, Kieślowski aborda-a de um ângulo mais primitivo — a potência sexual. Ao examinar as consequências da sua ausência, ele investiga os conflitos mais profundos e ocultos da natureza humana. Esta meditação filosófica sobre o amor, a igualdade e os desejos humanos é, ao mesmo tempo, instigante e perturbadora.

.O filme apresenta três momentos distintos em que o som e a imagem divergem. Os dois primeiros ocorrem durante as conversas do poeta com seus filhos, justapondo suas caminhadas solitárias ao ar livre com o diálogo entre eles. O terceiro momento se desenrola enquanto ele recita a poesia, com os recursos visuais representando um menino e um posto de gasolina à noite — talvez uma projeção de suas emoções. Obtemos informações do diálogo, mas vivenciamos o filme por meio de suas imagens. Quando visto em conexão com as sequências anteriores, o menino na terceira cena pode ser visto como uma manifestação das emoções do poeta.

Por meio do comportamento arrogante e superficial da protagonista, o filme critica a obsessão da mídia pelo sensacionalismo, mesmo em zonas de guerra, destacando um flagrante desrespeito pela vida humana. Além da carreira da protagonista, a história revela uma jornada pessoal sombria. O que parece ser uma fase de transição em sua vida revela gradualmente sua resignação às duras realidades da vida, levando-a, por fim, a abraçar o presente e encontrar conforto na aceitação.

Com sua narrativa vagamente estruturada e amplo espaço para interpretação, o filme parece moderado, mas profundamente introspectivo. A história de fundo do protagonista com sua família acrescenta profundidade às suas lutas emocionais, destacando sua dependência e vulnerabilidade. Após o término do namoro, ele permanece emocionalmente estagnado, refletindo sua incapacidade de expressar seus sentimentos abertamente.

Como esperado de um diretor com formação em artes visuais, esse filme de estreia se destaca pela cinematografia e pela edição. O ritmo é suave e as composições são meticulosamente elaboradas. Embora as teorias de arquitetura e design tenham destaque, as conexões emocionais entre seus personagens continuam sendo o coração do filme.

O filme acompanha um homem que se envolve com três mulheres de diferentes personalidades e visões sobre o amor. Estruturalmente, ele ecoa os trabalhos de Éric Rohmer, mas seu estilo audiovisual e de diálogo pertence inconfundivelmente a Philippe Garrel. Pessoalmente, achei o ritmo muito lento e as narrações inseridas não pareciam naturais.

O diálogo não é apenas excessivamente longo e denso, mas também incrivelmente esotérico, tornando quase impossível para os olhos — e muito menos para a mente — acompanhar. Os atores, entretanto, apresentam uma atuação surpreendente, mantendo velocidade e precisão implacáveis enquanto mantém a atenção por mais de três horas de intensas discussões filosóficas, religiosas e políticas — tudo isso enquanto comem.

O filme marca um desvio estilístico do estilo habitual do diretor. O uso de câmeras de mão e imagens intercaladas interrompendo conversas desviam de sua abordagem há muito estabelecida, introduzindo uma nova camada de ambiguidade. O velho poeta elogia duas mulheres do lado de fora do hotel, mas a margem do rio com neve superexposta e a câmera levemente trêmula sugerem uma tendência à falta de sinceridade. Quando ele ri desajeitadamente mais uma vez, pude sentir uma sensação avassaladora de melancolia.

O filme avança em um ritmo deliberado, abordando questões atemporais de relacionamento. Sua narrativa visual é meticulosa — a profundidade de campo rasa e o enquadramento preciso dos espaços interiores destacam a distância emocional entre os personagens. Os protagonistas permanecem nas bordas da tela, muitas vezes empurrados para baixo em tomadas de grande ângulo, enfatizando seu estranhamento. Inicialmente, as escolhas de iluminação parecem erradas, mas à medida que o filme avança, os fortes contrastes entre luz e sombra aumentam a sua profundidade temática, reforçando a sensação geral de distanciamento do filme.

Embora muitos filmes explorem temas semelhantes, somente Cronenberg poderia torná-los tão perturbadores. De muitas maneiras, eXistenZ parece uma continuação de Videodrome, de 1983, ambos examinando o poder invasivo da mídia e seu controle sobre a consciência humana. Entretanto, enquanto Videodrome tratava de alucinações, eXistenZ foca no mundo virtual substituindo a realidade.

.O enredo é excessivamente simplista. Nos filmes anteriores, a ressurreição de Imhotep exigia um esforço imenso. Aqui, o jovem protagonista se depara com a tumba do imperador com uma facilidade risível, fazendo com que a descoberta pareça conveniente demais. Além disso, as armadilhas nessa suposta tumba imperial não têm nenhuma engenhosidade em comparação com os perigos elaborados dos filmes anteriores. A falta de atenção aos detalhes faz com que o filme pareça insosso e sem inspiração.