Críticas

Achei Ang Lee aterrorizante quando vi Desejo e Perigo pela primeira vez. Não foi a cena de sexo de dez minutos que me assustou, mas o niilismo absoluto que permeia o filme — o amor é absurdo, a amizade é falsa, a família é desolada, a nação está dividida, a revolução é ambígua, os revolucionários não são confiáveis… Só o prazer do sexo parece real, e essa é a única verdade que você não pode falar em voz alta.

Os três primeiros filmes de American Pie eram grosseiros, mas nunca vulgares — básicos, mas não superficiais, e merecidamente aclamadas como clássicos da comédia sexual. O quarto tentou lançar um romance para ressoar com o público, mas errou o alvo. No quinto, eles simplesmente deram tudo de si, apresentando um grupo de jovens correndo loucamente diante das câmeras. É um truque maluco que atinge certos gostos, mas, além disso, não há quase mais nada para recomendar.

Este é facilmente o filme mais selvagem, explícito e exagerado da franquia American Pie. Com sua narrativa carnavalesca e cenas espetaculares, é realmente perturbador.

Quão solitário você precisa estar para começar a falar com sua própria sombra? Na verdade, esta é uma história profundamente triste que tem como premissa uma boneca inflável. Todos nós nos fechamos às vezes, mas fingimos abraçar a vida.

É um filme muito terno e bem feito. A maneira como nos libertamos da solidão é por meio da conexão humana, e aquela boneca inflável é apenas um substituto para o nosso medo de estender a mão.

O nível de gore é elevado ao máximo, tornando esta sequência ainda mais emocionante do que o original — com um enredo mais rico e um trabalho de personagem mais nítido. O Massacre da Serra Elétrica é uma referência clara. No entanto, no meio de toda a carnificina, o filme ainda é sobre a defesa silenciosa da proteção ambiental, não é?

Nojento como o inferno, mas absolutamente fascinante! A cena final do moedor de carne é perversamente satisfatória. E pensar que… tudo começou com a poluição, tal como alertava o primeiro filme. É uma questão bem instigante.

As reviravoltas, as perseguições de carros e os tiroteios, embora encenados com competência, parecem previsíveis. É raro ver um thriller de ação da velha guarda hoje em dia — tão conservador que os protagonistas nem se beijam. E uma menção honrosa à beleza do vilão!

Este filme merece cinco estrelas nos primeiros 20 minutos e depois cai para uma estrela na hora seguinte. É um clássico filme de detetive duro com um enredo sólido, suspense e reviravoltas — mas a execução é branda e o ritmo é arrastado. As emoções e a ação não prendem, deixando a maior parte do filme dolorosamente monótona. Apenas as cenas de abertura e encerramento o salvaram.

Poucos filmes apocalípticos misturam momentos emocionantes e desgosto como este. Mistura elementos de romance, comédia e desastre, mas não consegue equilibrar todos eles. Ainda assim, oferece uma visão fascinante: mesmo no Armagedom, as pessoas ainda procuram amor e companheirismo — e essa atração é irresistível.

Eu não acho que eles conseguiram entregar um bom trabalho. A premissa é convincente, mas os protagonistas não têm quase nenhuma química — Keira Knightley, em particular, parece um pouco forçada e difícil de aceitar. No entanto, o final é comovente. No final da vida, todos ansiamos por companhia.

Este é um thriller policial sombrio, mas elegante. Da trilha sonora à fotografia, dos diálogos às cenas de ação, tudo é legal. Ryan Gosling acerta o papel, dando vida a um motorista quieto, mas carismático.

Mostra que romance e violência podem coexistir lindamente. O diretor usa o minimalismo para criar tensão, e a catarse em momentos de quietude são verdadeiramente memoráveis. A história é simples, mas com ritmo perfeito, e a trilha sonora me marcou muito.

Assim como Red: Crescer é uma Fera, este filme acompanha uma adolescente rebelde que se transforma em uma criatura gigante — uma alegoria da adolescência e das dores do crescimento. Infelizmente, o roteiro é infantil demais e tem um ritmo muito lento para fazer justiça ao visual vibrante. Uma ideia promissora, minada por uma execução decepcionante.

O filme nunca conecta de forma convincente seu conceito central — a ausência de dor — com consequências reais. A trama prioriza o choque e o horror corporal fetichista em detrimento da lógica interna. É uma obra de curiosidade em vez de uma história coerente e, quando comparado a destaques do gênero como Pânico na Floresta, As Ruínas ou Mártires, não apresenta intensidade ou profundidade temática.

Uma abordagem surreal à crise da meia-idade masculina e à alienação social, o filme não inova tematicamente, mas Tim Robbins entrega uma atuação cômica excepcional. Há um tom estranho, quase alienígena, em todo o filme, e embora a empatia pelo protagonista nunca seja evidente, ela sempre está presente, mesmo que de forma tímida. No fim das contas, é um filme peculiar, mas não insatisfatório.

The Weeknd prova mais uma vez que nem todo músico deve atuar. Sua atuação é monótona, e o uso desorientador de tomadas giratórias no filme só aumenta o caos. Narrativamente, o filme pende para o abstrato, possivelmente retratando uma batalha interna entre as personas fragmentadas de The Weeknd. Interpretado como uma metáfora para depressão e recuperação, o filme faz algum sentido — mas só um pouco.

Como um filme de fantasia, este é visualmente deslumbrante. Os criadores evocam um cenário insular onírico, com os Montes Cárpatos e sistemas de cavernas sinistros que lembram a Ilha da Caveira. O mundo mistura natureza e mito com uma beleza assombrosa — florestas antigas, criaturas estranhas e paisagens surreais que parecem tanto familiares quanto alienígenas.

Combinando efeitos práticos com sangue digital, o filme oferece visuais memoravelmente macabros, mesmo que o CGI falhe em alguns momentos. O trabalho de câmera é vívido e expressivo, amplificando o medo e a tensão. A música e o design de som são habilmente empregados, especialmente nas cenas de catástrofe, conferindo um ritmo sinistro ao caos.

Para ser sincero, esse tipo de cinema teatral e formalmente experimental não é a minha praia. O diálogo implacável pode ser mais exaustivo do que o silêncio, especialmente quando o filme não é visualmente expressivo o suficiente para carregar o peso emocional. Dito isso, ainda me lembro de algumas das tomadas longas, da trilha sonora evocativa e da atuação fascinante de Elizabeth Taylor.