Reseñas
El diablo viste a la moda 2 (2026)
A
Alma Raquel Alonso Lucena2 de mayo de 2026
Alma Raquel Alonso Lucena2 de mayo de 2026Saliendo del estreno mundial de El Diablo viste a la moda 2.
Queda claro que esta secuela no busca repetir la fórmula de la primera versión.
No es tan descaradamente divertida, y tampoco contiene acidez punzante que hizo memorable a la original. En su lugar, apuesta por ser reflexiva y madura, y el resultado es una película que, aunque no reinventa, se afianza con dignidad a su esencia (y a su público meta).
La cinta aborda los costos de la ambición desmedida, los diferentes niveles del empoderamiento femenino, y la delgada línea que separa la excelencia del ego.
Miranda Priestly sigue siendo ella, una mujer firme, pero ahora se muestra mucho más compleja, y Anne Hathaway regresa con una Andy Sachs que ha madurado y que enfrenta dilemas éticos y a su vez, tiene una coraza de acero que le permite obtener autocontrol y ser resolutiva, regalando así, la humanidad necesaria que requiere todo lo que le rodea.
Las actuaciones son convincentes en general y no decepcionan (hay fan service).
Uno de los mayores aciertos es cómo incorpora temas actuales: la transformación radical que las nuevas tecnologías de la información y la comunicación están provocando en la mayoría de los sectores, especialmente en el periodismo digital y las revistas de moda. La película ejemplifica con inteligencia la urgencia de adaptarse al nuevo ecosistema digital y corporativo.
Funciona también como una sátira a las esferas del poder y resalta la determinación que se necesita para ser una verdadera lideresa en tal mundo donde la incertidumbre impera.
Visualmente, la moda continua siendo la base, no obstante, siento que funge más de pretexto para hablar de cómo opera el capitalismo y las fusiones organizacionales.
Los atuendos son espectaculares y el escapismo visual está garantizado.
Hay una sorpresa en el tercer acto que obviamente vale el tiempo descubrir en pantalla grande.
Lo único que se le puede reprochar es que no se arriesga lo suficiente. No innova en el género ni recupera en sí la mordacidad de la primera entrega. Se percibe segura, “establecida”, y por supuesto, lo anterior, le ayuda a entregar una secuela entretenida, sin embargo, inevitablemente genera la sensación de que pudo haber sido más afilada.
Es una secuela digna, critica con demasiada elegancia al capitalismo de las altas esferas.
Recomendada especialmente si te gustó la primera y si quieres ver cómo evolucionan los arcos de estos personajes en un universo que ha cambiado tanto como el suyo.
Queda claro que esta secuela no busca repetir la fórmula de la primera versión.
No es tan descaradamente divertida, y tampoco contiene acidez punzante que hizo memorable a la original. En su lugar, apuesta por ser reflexiva y madura, y el resultado es una película que, aunque no reinventa, se afianza con dignidad a su esencia (y a su público meta).
La cinta aborda los costos de la ambición desmedida, los diferentes niveles del empoderamiento femenino, y la delgada línea que separa la excelencia del ego.
Miranda Priestly sigue siendo ella, una mujer firme, pero ahora se muestra mucho más compleja, y Anne Hathaway regresa con una Andy Sachs que ha madurado y que enfrenta dilemas éticos y a su vez, tiene una coraza de acero que le permite obtener autocontrol y ser resolutiva, regalando así, la humanidad necesaria que requiere todo lo que le rodea.
Las actuaciones son convincentes en general y no decepcionan (hay fan service).
Uno de los mayores aciertos es cómo incorpora temas actuales: la transformación radical que las nuevas tecnologías de la información y la comunicación están provocando en la mayoría de los sectores, especialmente en el periodismo digital y las revistas de moda. La película ejemplifica con inteligencia la urgencia de adaptarse al nuevo ecosistema digital y corporativo.
Funciona también como una sátira a las esferas del poder y resalta la determinación que se necesita para ser una verdadera lideresa en tal mundo donde la incertidumbre impera.
Visualmente, la moda continua siendo la base, no obstante, siento que funge más de pretexto para hablar de cómo opera el capitalismo y las fusiones organizacionales.
Los atuendos son espectaculares y el escapismo visual está garantizado.
Hay una sorpresa en el tercer acto que obviamente vale el tiempo descubrir en pantalla grande.
Lo único que se le puede reprochar es que no se arriesga lo suficiente. No innova en el género ni recupera en sí la mordacidad de la primera entrega. Se percibe segura, “establecida”, y por supuesto, lo anterior, le ayuda a entregar una secuela entretenida, sin embargo, inevitablemente genera la sensación de que pudo haber sido más afilada.
Es una secuela digna, critica con demasiada elegancia al capitalismo de las altas esferas.
Recomendada especialmente si te gustó la primera y si quieres ver cómo evolucionan los arcos de estos personajes en un universo que ha cambiado tanto como el suyo.
Talentos ocultos (2016)
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ALEJANDRA SCHMIDT2 de mayo de 2026
ALEJANDRA SCHMIDT2 de mayo de 2026"Talentos Ocultos" es una película muestra cómo el talento, la precisión y el trabajo de equipo es una herramienta fundamental para la organización.
Y como muchas, en la actualidad, valoran cada vez más las habilidades, el trabajo en equipo, la innovación y la capacidad de aprender nuevas tecnologías. La película invita a reconocer ese valor, impulsar la inclusión y apostar por el mérito, la formación continua y la resiliencia en el mundo laboral.
Y como muchas, en la actualidad, valoran cada vez más las habilidades, el trabajo en equipo, la innovación y la capacidad de aprender nuevas tecnologías. La película invita a reconocer ese valor, impulsar la inclusión y apostar por el mérito, la formación continua y la resiliencia en el mundo laboral.
Boda sangrienta 2 (2026)
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CineMaca2 de mayo de 2026
CineMaca2 de mayo de 2026El género de terror ha sido utilizado a lo largo de los años para reflejar las ansiedades de la sociedad. Godzilla fue una respuesta a la amenaza de la bomba atómica en los años 50. El exorcista y Carrie se gestaron en el contexto de la liberación femenina en los años 70. Hoy, el miedo parece ser el propio ser humano: el control que unos pocos millonarios ejercen sobre la población, su impunidad y una crueldad cada vez más expuesta. Es exactamente con esa idea que juega la nueva película de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett.
Boda Sangrienta 2, o Ready or Not: Here I Come, empieza exactamente donde termina su antecesora: con Grace, nuestra protagonista, sentada en las escaleras de la mansión. Un plano secuencia, acompañado por la voz de Amy Winehouse, funciona como un resumen de la primera película, estrenada siete años atrás.
Tras sobrevivir al juego satánico de sus suegros, Grace se enfrenta ahora a un “doble o nada” contra cuatro familias poderosas que buscan cazarla para lograr un estatus aún mayor, arrastrando además a su hermana menor, Faith.
El elenco suma muchos más actores conocidos que en la primera entrega: Samara Weaving retoma el rol protagónico, Kathryn Newton interpreta a Faith, Elijah Wood aparece como un abogado misterioso y Sarah Michelle Gellar junto a Shawn Hatosy dan vida a los gemelos Úrsula y Titus Danforth, hijos del hombre más poderoso del mundo.
Si bien esta segunda parte sigue la fórmula de la original, se pierde al intentar encontrar el mismo equilibrio. La comedia predomina sobre el terror y el gore, pero sin alcanzar ese tono que funcionaba antes, dando un giro a algo más hollywoodense: hay escenas que buscan lo épico y grandioso, incluso con códigos cercanos al cine de superhéroes, que terminan desentonando.
Además, repite recursos de la primera película en lugar de generar nuevos: el chiste del cigarrillo, la risa nerviosa de Grace y situaciones que, después de una segunda vez, ya no sorprenden.
La novedad es Faith, la rebelde hermana menor quien por momentos forma un dúo muy divertido junto a Grace, mientras que por otros momentos sirve para explicar la trama de manera explícita, recurso que terminan bajando nivel a la película.
En cuanto a la construcción de personajes, hay guiños interesantes: los nombres angelicales de las hermanas, “Grace” (gracia) y “Faith” (fe), se oponen a la dureza de los nombres de los gemelos, “Ursula” (oso) y “Titus” (honorable, defensor, título de honor).
Esa oposición también se refleja en la tensión entre “nuevos ricos” y “old money”. El desapego de quienes tienen el poder se muestra aún más frío que en la primera parte, en un claro paralelismo con el contexto actual.
Samara Weaving logra brillar cada vez que aparece en pantalla, pero el film en sí no tiene el mismo impacto ni las sorpresas de la primera parte. Funciona más como una película ideal para el fin de semana: entretiene, te va a sacar sonrisas y, cómo en la primera entrega, vas a disfrutar de ver cuerpos explotar, pero no te vas a quedar con mucho más ni se va a convertir en una película de culto como “Get Out” o “Knives Out”, que exploran temas similares.
Intenta redoblar la apuesta, pero termina perdiendo la partida frente a su antecesora.
Boda Sangrienta 2, o Ready or Not: Here I Come, empieza exactamente donde termina su antecesora: con Grace, nuestra protagonista, sentada en las escaleras de la mansión. Un plano secuencia, acompañado por la voz de Amy Winehouse, funciona como un resumen de la primera película, estrenada siete años atrás.
Tras sobrevivir al juego satánico de sus suegros, Grace se enfrenta ahora a un “doble o nada” contra cuatro familias poderosas que buscan cazarla para lograr un estatus aún mayor, arrastrando además a su hermana menor, Faith.
El elenco suma muchos más actores conocidos que en la primera entrega: Samara Weaving retoma el rol protagónico, Kathryn Newton interpreta a Faith, Elijah Wood aparece como un abogado misterioso y Sarah Michelle Gellar junto a Shawn Hatosy dan vida a los gemelos Úrsula y Titus Danforth, hijos del hombre más poderoso del mundo.
Si bien esta segunda parte sigue la fórmula de la original, se pierde al intentar encontrar el mismo equilibrio. La comedia predomina sobre el terror y el gore, pero sin alcanzar ese tono que funcionaba antes, dando un giro a algo más hollywoodense: hay escenas que buscan lo épico y grandioso, incluso con códigos cercanos al cine de superhéroes, que terminan desentonando.
Además, repite recursos de la primera película en lugar de generar nuevos: el chiste del cigarrillo, la risa nerviosa de Grace y situaciones que, después de una segunda vez, ya no sorprenden.
La novedad es Faith, la rebelde hermana menor quien por momentos forma un dúo muy divertido junto a Grace, mientras que por otros momentos sirve para explicar la trama de manera explícita, recurso que terminan bajando nivel a la película.
En cuanto a la construcción de personajes, hay guiños interesantes: los nombres angelicales de las hermanas, “Grace” (gracia) y “Faith” (fe), se oponen a la dureza de los nombres de los gemelos, “Ursula” (oso) y “Titus” (honorable, defensor, título de honor).
Esa oposición también se refleja en la tensión entre “nuevos ricos” y “old money”. El desapego de quienes tienen el poder se muestra aún más frío que en la primera parte, en un claro paralelismo con el contexto actual.
Samara Weaving logra brillar cada vez que aparece en pantalla, pero el film en sí no tiene el mismo impacto ni las sorpresas de la primera parte. Funciona más como una película ideal para el fin de semana: entretiene, te va a sacar sonrisas y, cómo en la primera entrega, vas a disfrutar de ver cuerpos explotar, pero no te vas a quedar con mucho más ni se va a convertir en una película de culto como “Get Out” o “Knives Out”, que exploran temas similares.
Intenta redoblar la apuesta, pero termina perdiendo la partida frente a su antecesora.
Hoppers: Operación castor (2026)
CCineMaca2 de mayo de 2026
CineMaca2 de mayo de 2026Las últimas películas de Pixar parecían anunciar el declive del estudio, hasta que llegó su film número 30. “Hoppers: Operación Castor” recupera el espíritu del estudio animado a partir del cinco de marzo.
La protagonista es Mabel (Piper Curda), una joven de 19 años decidida a defender a los animales de su ciudad usando tecnología experimental para transferir su conciencia a un castor robótico que le permita hablar con los animales y ayudarlos a salvar su hábitat. Lo que empieza como un plan simple termina en una aventura compleja.
Hoppers está hecha con amor. El equipo tardó seis años en hacerla y ningún día parece estar desaprovechado.
La animación está afinada hasta el último detalle, desde los planos generales hasta las texturas, colores y el hilo de la ropa.
En una industria donde todo se ve más apagado, Hoppers brilla. La imagen se ve realista, pero se sigue sintiendo animada y con personalidad propia. La paleta de colores es vibrante.
El diálogo es inteligente, lleno de juegos de palabras y chistes muy bien pensados para chicos y grandes.
El tono de comedia va y viene, te relaja, te pone triste y te tensa. Tiene momentos que uno no espera, con decisiones narrativas arriesgadas que valen la pena y cambian la trama. El clima no solo se hace de lo visual: la banda sonora, acompañada de coros e instrumentos, te sumerge más en la película.
Daniel Chong dirige y recupera el espíritu impactante y traumático de las películas de Disney como El rey león y Tarzán, con escenas que pueden generar miedo en los más chicos.
El estudio de animación suele poner los clásicos “easter eggs”: referencias o guiños hacia otras películas. Esta vez el estudio redobló la apuesta decidiendo usar películas de culto además de las de Pixar y Disney. Estos easter eggs se pueden proponer como un juego para comentar después de la película, luego de una escena postcréditos muy divertida. Junto con Piper Curda, los personajes cobran vida con las voces de Meryl Streep, Jon Hamm, Dave Franco y Bobby Moynihan, entre otros.
En la época donde la naturaleza no parece ir por un camino positivo y las ideas originales escasean, Hoppers nos devuelve un poco de esperanza desde el cine.
La protagonista es Mabel (Piper Curda), una joven de 19 años decidida a defender a los animales de su ciudad usando tecnología experimental para transferir su conciencia a un castor robótico que le permita hablar con los animales y ayudarlos a salvar su hábitat. Lo que empieza como un plan simple termina en una aventura compleja.
Hoppers está hecha con amor. El equipo tardó seis años en hacerla y ningún día parece estar desaprovechado.
La animación está afinada hasta el último detalle, desde los planos generales hasta las texturas, colores y el hilo de la ropa.
En una industria donde todo se ve más apagado, Hoppers brilla. La imagen se ve realista, pero se sigue sintiendo animada y con personalidad propia. La paleta de colores es vibrante.
El diálogo es inteligente, lleno de juegos de palabras y chistes muy bien pensados para chicos y grandes.
El tono de comedia va y viene, te relaja, te pone triste y te tensa. Tiene momentos que uno no espera, con decisiones narrativas arriesgadas que valen la pena y cambian la trama. El clima no solo se hace de lo visual: la banda sonora, acompañada de coros e instrumentos, te sumerge más en la película.
Daniel Chong dirige y recupera el espíritu impactante y traumático de las películas de Disney como El rey león y Tarzán, con escenas que pueden generar miedo en los más chicos.
El estudio de animación suele poner los clásicos “easter eggs”: referencias o guiños hacia otras películas. Esta vez el estudio redobló la apuesta decidiendo usar películas de culto además de las de Pixar y Disney. Estos easter eggs se pueden proponer como un juego para comentar después de la película, luego de una escena postcréditos muy divertida. Junto con Piper Curda, los personajes cobran vida con las voces de Meryl Streep, Jon Hamm, Dave Franco y Bobby Moynihan, entre otros.
En la época donde la naturaleza no parece ir por un camino positivo y las ideas originales escasean, Hoppers nos devuelve un poco de esperanza desde el cine.
Cumbres borrascosas (2026)
CCineMaca2 de mayo de 2026
CineMaca2 de mayo de 2026Fennell parece más preocupada por cómo se ve que por lo que se cuenta, busca provocar al espectador desde el primer segundo.
Una historia sobre el apasionado y tóxico romance obsesivo entre Heathcliff (Jacob Elordi) y Catherine (Margot Robbie), nuestros protagonistas. Donde su relación empieza como un juego para ella y un juramento para él. Ambos son crueles y extremos: se buscan, se ahuyentan y quedan estancados en un final que no conmueve como debería. Y ahí está el problema. La atmósfera es caótica y desordenada. La excitación es salvaje e incorrecta, y todo ese frenesí se siente en las butacas.
Cumbres Borrascosas, la casa que da nombre a la película, no se siente como un personaje sino como una escenografía. El uso de la canción “House” y la neblina construyen un ambiente sobrenatural que sólo queda en el exterior. Una vez que entramos la mística se pierde. Se nota lo hostil pero de forma genérica: no hay nada que le dé personalidad a la finca.
En la casa de los Linton, hogar del marido de Catherine, es donde se concentra el detalle: fotografías de la piel de Margot Robbie forran las paredes de su habitación y la chimenea se cubre de esculturas de manos.
El rojo en los vestidos de Catherine acentúa su pasión explosiva, pero el vestuario en sí, la música de Charli XCX y la edición llevan las escenas al código de videoclip que se siente forzado e interrumpe narrativamente.
La mayor polémica recae en Isabella, cuñada de Catherine y esposa de Heathcliff. En su introducción se percibe ingenua e infantil desde la actuación hasta el vestuario, rasgos que mutan a medida que avanza la trama.
Fennell, como Heathcliff, abusa del personaje y lo reduce a un recurso para mostrar brutalidad y manipulación. Cuando deja de ser funcional es descartada, restando peso al conflicto, como si la trama se la quisiera sacar de encima.
Cumbres borrascosas': cómo el vestuario de Margot Robbie traduce siglos de arte
En 2023, la directora estrenó «Saltburn”, su tercer largometraje. Donde nos muestra como la ambientación y/o locación funciona como un personaje y no un decorado. Las escenas escandalizan y muestran esa locura psicosexual que prometía Cumbres Borrascosas, película que termina apoyándose en el físico del actor del momento y una belleza visual que no se desarrolla en la historia. Así como la relación tóxica consume a los personajes, lo estético y provocador terminan imponiéndose a la trama.
En conclusión, es una película que no termina de convencer, queda corta en muchos de sus desarrollos y termina siendo una historia que recae en sus actores más que en la historia que pretende contar.
Una historia sobre el apasionado y tóxico romance obsesivo entre Heathcliff (Jacob Elordi) y Catherine (Margot Robbie), nuestros protagonistas. Donde su relación empieza como un juego para ella y un juramento para él. Ambos son crueles y extremos: se buscan, se ahuyentan y quedan estancados en un final que no conmueve como debería. Y ahí está el problema. La atmósfera es caótica y desordenada. La excitación es salvaje e incorrecta, y todo ese frenesí se siente en las butacas.
Cumbres Borrascosas, la casa que da nombre a la película, no se siente como un personaje sino como una escenografía. El uso de la canción “House” y la neblina construyen un ambiente sobrenatural que sólo queda en el exterior. Una vez que entramos la mística se pierde. Se nota lo hostil pero de forma genérica: no hay nada que le dé personalidad a la finca.
En la casa de los Linton, hogar del marido de Catherine, es donde se concentra el detalle: fotografías de la piel de Margot Robbie forran las paredes de su habitación y la chimenea se cubre de esculturas de manos.
El rojo en los vestidos de Catherine acentúa su pasión explosiva, pero el vestuario en sí, la música de Charli XCX y la edición llevan las escenas al código de videoclip que se siente forzado e interrumpe narrativamente.
La mayor polémica recae en Isabella, cuñada de Catherine y esposa de Heathcliff. En su introducción se percibe ingenua e infantil desde la actuación hasta el vestuario, rasgos que mutan a medida que avanza la trama.
Fennell, como Heathcliff, abusa del personaje y lo reduce a un recurso para mostrar brutalidad y manipulación. Cuando deja de ser funcional es descartada, restando peso al conflicto, como si la trama se la quisiera sacar de encima.
Cumbres borrascosas': cómo el vestuario de Margot Robbie traduce siglos de arte
En 2023, la directora estrenó «Saltburn”, su tercer largometraje. Donde nos muestra como la ambientación y/o locación funciona como un personaje y no un decorado. Las escenas escandalizan y muestran esa locura psicosexual que prometía Cumbres Borrascosas, película que termina apoyándose en el físico del actor del momento y una belleza visual que no se desarrolla en la historia. Así como la relación tóxica consume a los personajes, lo estético y provocador terminan imponiéndose a la trama.
En conclusión, es una película que no termina de convencer, queda corta en muchos de sus desarrollos y termina siendo una historia que recae en sus actores más que en la historia que pretende contar.
Escuela de rock (2003)
CCineMaca2 de mayo de 2026
CineMaca2 de mayo de 2026No me puedo acordar con exactitud la fecha en la que la vi, pero sé que Escuela de Rock es una de las películas de mi vida.
Antes de su cierre en 2010, tenía un Blockbuster cerca de mi casa. Ir a alquilar películas era un ritual mágico. Así como Rose recuerda los detalles del Titanic, yo me acuerdo de la alfombra, los pasillos con montones de cajas de VHS (después DVDs) con películas por descubrir, y de mi papá dejando que eligiéramos qué comprar mientras esperábamos ansiosas con mi hermana en la fila: los pochoclos que se hacen en el microondas o las pastillitas Nerds.
Dentro de todo lo que alquilábamos, siempre encontraba confort en Una serie de eventos desafortunados, Un instante en Nueva York y Escuela de Rock. No sé por qué me atraían tanto, pero esas tres películas me formaron y me hicieron la persona que soy hoy.
En School of Rock tenemos la historia de Dewey Finn (Jack Black), un amante de la música rock que, a toda costa, quiere triunfar con su banda. No desde lo económico, sino por su amor a la música. Esto hace que termine haciéndose pasar por su roommate como profesor sustituto en una escuela privada.
La alquilamos una y otra vez, y siempre me ponía enfrente del televisor para poder anotar las bandas y solistas que aparecían en ese eterno pizarrón, intentando educarme a la par de los alumnos de Horace Green sobre la historia y los géneros de la música.
A través de esta película descubrí a The Who, Stevie Nicks, Ramones, Black Sabbath, AC/DC, Led Zeppelin y otros. Empecé a prestar más atención a artistas que ya se escuchaban en mi casa, como The Beatles. Ese amor por la música se transmitía desde la pantalla y me formó para afrontar mi preadolescencia. Hizo que me pasara horas mirando MTV, Much Music, VH1 y Rock & Pop, y así mi gusto musical se fue expandiendo cada vez más.
La música se convirtió en mi guía y compañía. Gracias al zapping entre esos cuatro canales encontré mi primera banda favorita y, así como casi toda preadolescente, descubrí el amor platónico. Mis gustos, amigos y personalidad se forjaban en torno a ese universo. Me compré CDs, descargué música y decoré mi habitación con recortes de arte, cultura, bandas y películas, a medida que iba aprendiendo más cosas gracias a ellos.
Pasé por otra banda más, pero como el primer amor no se olvida, los convertí en protagonistas de mi primer trabajo universitario.
Un poco más de una década más tarde me encontré en crisis con la carrera que había elegido desde los 14 años. A veces siento que me equivoqué, que no me hace feliz lo que estudié, y otras veces, cuando tengo impulsos creativos, me siento agradecida.
Esta semana decidí ver Escuela de Rock de nuevo y, aunque la trama sigue siendo la misma, no es la música lo que me resuena, sino la historia.
Dewey está en sus 30s, al igual que yo. Está en crisis y sabe que quiere hacer música. Lucha hacia su objetivo, pero no lo alcanza. Entonces, más por necesidad que por destino, termina reinventando esa pasión. Cuando todo falla, sigue con la bandera del “fake it till you make it” y aprovecha las oportunidades que se le presentan, avanzando a los golpes, pero con un final feliz.
¿Tendré un final feliz como él? ¿Me podré reinventar o tendré que volver a inventarme, como lo hice a esa edad?
No sé cómo seguirá esto, pero sé que hoy decido reinventarme y volver a escribir después de diez años, otra vez inspirada por la película que me crió.
Antes de su cierre en 2010, tenía un Blockbuster cerca de mi casa. Ir a alquilar películas era un ritual mágico. Así como Rose recuerda los detalles del Titanic, yo me acuerdo de la alfombra, los pasillos con montones de cajas de VHS (después DVDs) con películas por descubrir, y de mi papá dejando que eligiéramos qué comprar mientras esperábamos ansiosas con mi hermana en la fila: los pochoclos que se hacen en el microondas o las pastillitas Nerds.
Dentro de todo lo que alquilábamos, siempre encontraba confort en Una serie de eventos desafortunados, Un instante en Nueva York y Escuela de Rock. No sé por qué me atraían tanto, pero esas tres películas me formaron y me hicieron la persona que soy hoy.
En School of Rock tenemos la historia de Dewey Finn (Jack Black), un amante de la música rock que, a toda costa, quiere triunfar con su banda. No desde lo económico, sino por su amor a la música. Esto hace que termine haciéndose pasar por su roommate como profesor sustituto en una escuela privada.
La alquilamos una y otra vez, y siempre me ponía enfrente del televisor para poder anotar las bandas y solistas que aparecían en ese eterno pizarrón, intentando educarme a la par de los alumnos de Horace Green sobre la historia y los géneros de la música.
A través de esta película descubrí a The Who, Stevie Nicks, Ramones, Black Sabbath, AC/DC, Led Zeppelin y otros. Empecé a prestar más atención a artistas que ya se escuchaban en mi casa, como The Beatles. Ese amor por la música se transmitía desde la pantalla y me formó para afrontar mi preadolescencia. Hizo que me pasara horas mirando MTV, Much Music, VH1 y Rock & Pop, y así mi gusto musical se fue expandiendo cada vez más.
La música se convirtió en mi guía y compañía. Gracias al zapping entre esos cuatro canales encontré mi primera banda favorita y, así como casi toda preadolescente, descubrí el amor platónico. Mis gustos, amigos y personalidad se forjaban en torno a ese universo. Me compré CDs, descargué música y decoré mi habitación con recortes de arte, cultura, bandas y películas, a medida que iba aprendiendo más cosas gracias a ellos.
Pasé por otra banda más, pero como el primer amor no se olvida, los convertí en protagonistas de mi primer trabajo universitario.
Un poco más de una década más tarde me encontré en crisis con la carrera que había elegido desde los 14 años. A veces siento que me equivoqué, que no me hace feliz lo que estudié, y otras veces, cuando tengo impulsos creativos, me siento agradecida.
Esta semana decidí ver Escuela de Rock de nuevo y, aunque la trama sigue siendo la misma, no es la música lo que me resuena, sino la historia.
Dewey está en sus 30s, al igual que yo. Está en crisis y sabe que quiere hacer música. Lucha hacia su objetivo, pero no lo alcanza. Entonces, más por necesidad que por destino, termina reinventando esa pasión. Cuando todo falla, sigue con la bandera del “fake it till you make it” y aprovecha las oportunidades que se le presentan, avanzando a los golpes, pero con un final feliz.
¿Tendré un final feliz como él? ¿Me podré reinventar o tendré que volver a inventarme, como lo hice a esa edad?
No sé cómo seguirá esto, pero sé que hoy decido reinventarme y volver a escribir después de diez años, otra vez inspirada por la película que me crió.
El Drama (2026)
H
Hasbulla2 de mayo de 2026
Hasbulla2 de mayo de 2026El trailer baitea de tal forma que no esperas el giro de guion
Máquina de guerra (2026)
HHasbulla2 de mayo de 2026
Hasbulla2 de mayo de 2026increíble como se distorsiona la película de un momento a otro
