Reseñas

ES INCREIBLE LA PELI!!!!!!!! la mejor escena es donde se enfrentan a Galactus, no me imagino como se veran en Avengers: Doomsday

Un diabólico asesino anda suelto por las calles de Manhattan. A él se enfrentarán Lincoln Rhyme, un policía forense que, después de un terrible accidente, queda tetrapléjico y con pocas ganas de vivir, y Amelia Donaghy, una joven policía que siente que el trabajo que realiza en las calles no tiene ningún sentido. A pesar de su rechazo inicial del caso, Rhyme pronto descubrirá que el asesino ha dejado escrito un mensaje que sólo un forense como él puede descubrir. A partir de ese momento, Amelia se convertirá en sus ojos, brazos y piernas para conseguir atrapar al peligrosa psicópata.
La película finaliza al detective Lincoln en una silla de ruedas celebrando navidad con sus amigos policías, la oficial Amelia y la llegada de su hermana con su sobrina, con la cual estaban distanciados.
La adaptación a la pequeña pantalla de la novela de Jeffrey Deaver que protagonizaron en cine Denzel Washington y Angelina Jolie.
Después de un accidente que lo deja completamente paralizado, el criminólogo Lincoln Rhyme se hunde en un infierno de depresión. Pero cuando la policía se ve incapaz de neutralizar al Coleccionista de huesos, un asesino serial que siempre de cadáveres la ciudad, Rhyme debe dejar atrás sus pensamientos suicidas y, con la ayuda de su sobresaliente inteligencia, intentar atraparlo antes de que cometa más crímenes. Amelia Sachs, la bella y joven policía responsable del hallazgo del primer cadáver, será sus ojos y sus oídos en esta desigual batalla. Lo que ninguno de los dos sospecha es que, a medida que se acercan al asesino, él mismo está tendiéndoles una trampa.
l relato comienza cuando las primeras víctimas son raptadas en un taxi por alguien que se hace llamar El coleccionista de huesos, aunque nadie lo llama así en realidad. A partir de aquí ya empiezas a ponerte en situación, sintiéndote tan agobiado e impotente como lo están estas víctimas.
Después, conocemos a Lincoln Rhyme, un ex-policía de la ciudad de Nueva York que, debido a un accidente laboral, está tetraplégico y tiene paralizado casi todo su cuerpo, por lo que se halla postrado en una cama. También se nos presenta la patrullera Amelia Sachs, quien, por azar, va a convertirse en los ojos, oídos y piernas de Lincoln. En principio, ambos personajes chocan bastante y Rhyme se describe como una persona muy difícil de tratar, algo comprensible dada su situación, pero poco a poco se les toma estima y son de gran valía. En muchos momentos me he sentido como Amelia, con ganas de chillarle a Rhyme, pero ha acabado siéndome simpático.
Por otro lado, el libro nos hace pensar en la eutanasia, un tema que se trata debido a la situación del protagonista.
Esta novela llegó a mis manos por pura casualidad. Supongo que todos conocéis esa "necesidad" que tenemos a veces de ir a una librería aunque sea "a mirar", sabiendo que nunca lo es. Pues un día de esos fui a Séneca, mi librería, y tenían un montón de libros a precios regalados. Vi este y por menos de 6 euros lo traje a casa; en realidad lo elegí porque creía que había visto la película y me sonaba que me había gustado mucho, aunque no recordaba de qué trataba. Luego me di cuenta de que había confundido la película con "El coleccionista de amantes" pero, con confusión y todo, hice muy buena compra porque la novela es muy buena.
no te da un respiro, tiene una narración muy ágil, llena de pistas y misterios por descubrir, que te es difícil dejar de leer. Me ha tenido totalmente absorta, las deducciones de Rhyme son magistrales, me ha gustado mucho seguir el proceso que se desarrolla en su mente a partir de un dato aparentemente insignificante y llegar a la conclusión correcta. El lenguaje utilizado por el autor no es complicado, aunque hay que decir que utiliza muchos términos forenses como no podía ser de otra manera, siempre están explicados de forma sencilla para facilitar su comprensión. Otra cosa que me ha gustado y he agradecido son las notas a pie de página y no al final de libro como ocurre en muchos otros.
Este libro el cual fue llevado a la película , No te da ni un momento para saber que pasara o que pueda pasar.
La novela destaca por su detallada descripción de las escenas del crimen, la meticulosa investigación forense y el desarrollo psicológico tanto del protagonista como del antagonista. Deaver crea un ambiente de tensión constante, manteniendo al lector en vilo hasta el sorprendente desenlace. La exploración de la psicología criminal, la vulnerabilidad de Rhyme y la perversidad del Coleccionista de Huesos son elementos clave que han contribuido al éxito de la obra.

Su presupuesto para este thriller policial fue de 73 millones de dólares y recabo en sus salas de de cine de 151 millones de dólares.

Los críticos fueron duros con las criticas llamando a esta película infravalorada y llegándola comparar con el silencio de los inocentes y seven (Siete Pecado Capitales )
Muchos catalogan la película por otra parte de mala y falta de creación en su personaje y el guion de la misma.........

Culpa mía la conocí por TikTok. Vi el tráiler y no veía la hora de que se estrenara. Se estrenó un 9 de junio o julio, no recuerdo exactamente, pero sí sé que la vi ese mismo día. Me gustó tanto que enseguida me compré los libros. Obvio, los amé. En menos de dos meses ya me los había leído a los tres.

Justo estaba pasando por un proceso de superación amorosa, y lloré un montón con los libros. Decidí escribir sobre esta película porque marcó un antes y un después en mí. Me generó ganas de saber más sobre mí misma y sobre lo que espero de un otro en cualquier vínculo.

Hoy en día hay frases de la película que me las sé de memoria. Siento que la película te transmite emoción, nostalgia, ganas de más... pero si hay algo que me transmitió con fuerza fue rabia: ¿por qué me gusta Nick, si es el típico chico malo, tóxico, violento, mujeriego? Pero después lo entendés...


Nick es el típico chico que parece “todo mal”: violento, cerrado al amor, mujeriego. Pero entendés por qué: se crio con un amor fallido, rodeado de traiciones, y con una visión del amor donde amar es sinónimo de sufrir. Él no se abre al amor porque lo asocia al dolor.
Es un personaje que me generó rabia al principio, pero después me di cuenta de que lo que tiene es miedo, y eso también es parte de muchas personas reales. Es un chico que creció en la oscuridad emocional, pero que empieza a encontrar un poco de luz con Noah.

Noah... me vi reflejada en ella. Por todo lo que vivió en tan poco tiempo, se convenció de que podía con todo sola. Pero la historia te muestra que no, que el corazón siempre sale, que los traumas no tratados te sumergen, que nadie puede con todo.
El mensaje más fuerte para mí fue que está bien abrirse, que está bien pedir ayuda, que eso no te hace más débil.

El amor de Noah es ese amor de “yo lo voy a salvar”, como si el amor fuera suficiente para curar al otro. Pero queda claro que no es así. Primero hay que salvarse uno mismo, amarse tanto que puedas acompañar al otro sin perderte.

Jenna y Lion son otros dos personajes súper importantes. Representan otro tipo de amor: el del rico y el pobre, el amor sin condiciones. Aunque en la película no se ve tanto, en los libros tienen un peso enorme y son clave.

La madre de Noah... personaje amor/odio. Al principio la querés, te da lástima, entendés sus decisiones. Pero después... te decepciona. Pasó de ser una mujer humilde a creerse dueña de la verdad por tener plata, queriendo controlar la vida de su hija. Busca aparentar una familia perfecta y no acepta errores, ni propios ni ajenos.


Un momento clave para mí fue la carrera de autos. Ese es el mundo de Nick: lo ilegal, lo extremo, lo que pone su vida en riesgo.
En esa escena, Noah se desata emocionalmente, discute, se pelea, y queda vulnerable en el centro de todo ese caos. Hasta que aparece Jenna y la “despierta”.
Esa escena marca un antes y un después para ambos. Muestra lo lejos que pueden llegar sus decisiones, y también lo mucho que se necesitan, aunque no lo sepan decir con palabras.

Lo que más me impactó de Culpa mía fue cómo mezcla tantos temas reales:

El amor como fuerza de cambio, pero también como excusa para justificar lo que no se debería justificar.

La violencia estructural y emocional, tanto en Nick como en la familia.

Las familias ensambladas, que no siempre se integran con amor y comprensión.

La rebeldía adolescente, esa lucha por encontrar tu lugar cuando el mundo adulto no te comprende.

La idealización del otro, algo que nos pasa mucho cuando queremos que una relación funcione “como en las películas”.

Nick y Noah muestran que por más fuerte que sea el deseo, el amor no es suficiente si no hay respeto, sanación y trabajo interno.

Introducción
La última cena (The Last Supper, 1995) es una película de sátira política que mezcla comedia negra y dilemas éticos, dirigida por Stacy Title y escrita por Dan Rosen. La trama gira en torno a cinco estudiantes de posgrado liberales que, tras un incidente inesperado con un invitado conservador, deciden comenzar una serie de cenas donde invitan a personas con ideologías extremistas... y las asesinan si consideran que representan un peligro para la sociedad. Lo que comienza como una justificación ética se transforma en una cadena de decisiones cada vez más arbitrarias.

Desde la perspectiva del cine científico, La última cena ofrece una rica fuente de análisis sobre la relación entre el pensamiento racional y la moralidad, el uso del método científico aplicado de manera perversa, y la manipulación de discursos éticos en nombre del progreso o la seguridad social. Esta película no solo invita al espectador a cuestionarse sobre la tolerancia y la libertad de expresión, sino que también evidencia cómo los mecanismos de justificación intelectual pueden terminar en actos de violencia bajo el disfraz de lógica.

Este comentario, dividido en varias secciones, buscará examinar cómo La última cena puede ser vista como una alegoría de la ciencia sin ética, del fanatismo liberal como espejo del fanatismo conservador, y de la peligrosa ilusión de control racional sobre la moral.

1. Contexto cultural y científico de los años 90
Para comprender la dimensión científica y filosófica de La última cena, es importante contextualizar la década de los años 90 en Estados Unidos. Fue una época de profundos debates ideológicos: el surgimiento del posmodernismo como corriente dominante en las humanidades, el avance de los derechos civiles y el feminismo de tercera ola, y un crecimiento de la polarización política entre conservadores y progresistas. También fue una época en la que la ciencia comenzaba a popularizarse en la cultura general a través de documentales, televisión, e internet, promoviendo el pensamiento crítico y el escepticismo racional.

Sin embargo, junto con estos avances, surgieron tensiones: ¿Qué ocurre cuando la ciencia y la razón se usan para justificar actos autoritarios? ¿Puede una lógica aparentemente racional conducir al fanatismo? Estas preguntas, aunque antiguas, cobran vigencia en la trama de la película, donde los protagonistas creen que están actuando en favor de la sociedad, pero se convierten en verdugos guiados por un criterio subjetivo de “progreso”.

2. El experimento ético como núcleo narrativo
La narrativa de La última cena puede verse como una especie de experimento social, un laboratorio ético donde los personajes someten a prueba sus convicciones liberales frente a una diversidad de ideologías extremistas. Desde el punto de vista del cine científico, esto evoca los famosos experimentos en psicología y ética: el experimento de Milgram sobre la obediencia a la autoridad, el experimento de la cárcel de Stanford sobre los roles sociales, o incluso dilemas morales como el del tranvía.

Los protagonistas creen estar realizando una especie de “limpieza ideológica” por el bien común. Pero a diferencia de un experimento científico real, donde el método busca la objetividad, aquí las emociones y los prejuicios están siempre presentes. La película se convierte así en una parodia oscura de la ciencia mal entendida: una lógica que empieza racional, pero se transforma en excusa para el asesinato sistemático.

Este falso experimento revela el peligro de aplicar principios científicos sin un marco ético sólido, un tema fundamental en el cine científico.

3. Ciencia, razón y moralidad: ¿Dónde están los límites?
Uno de los puntos clave en la relación entre ciencia y cine es la representación del científico como figura moral. En La última cena, esta figura está representada por el personaje de Norman Arbuthnot (interpretado por Ron Perlman), un personaje final que encarna un punto de inflexión. Aunque no es un científico literal, su discurso y forma de pensar imitan el tipo de argumentación lógica y carismática que muchas veces se asocia con la autoridad intelectual.

El problema central que plantea la película es: ¿puede la razón sustituir la moralidad? En otras palabras, si uno es capaz de justificar racionalmente una acción, ¿eso la convierte en ética?

La ciencia, al ser una herramienta de conocimiento basada en la evidencia, no ofrece respuestas morales. Son los seres humanos quienes interpretan los datos y deciden cómo actuar. La última cena ilustra con precisión cómo, al eliminar el componente ético de la ecuación, incluso las ideas mejor intencionadas pueden degenerar en autoritarismo. Esta es una lección clave del cine científico: la ciencia sin ética puede ser peligrosa.

4. La lógica perversa de la eliminación
Un elemento central del film es la progresión de los asesinatos. Cada vez los invitados representan ideas menos extremas, pero igualmente son condenados por los protagonistas