Reseñas

Aunque la primera mitad tiene un toque de misterio, la trama del póker se revela rápidamente, haciendo que el resultado sea bastante predecible. Es como si Russell Crowe hubiera notado las limitaciones del guion y hubiera arrojado una subtrama de un atraco en etapa avanzada para aportar algo de tensión. El resultado es un cambio de tono de un drama pensativo a una película de acción que alteró lo que podría haber sido una pieza silenciosamente catártica.

Aunque visualmente atractiva, la historia es bastante superficial y carece de complejidad. A pesar de centrarse en la cultura sneaker, su exploración es limitada y no profundiza en las capas culturales o históricas que sustentan la moda.

Una comedia familiar verdaderamente conmovedora, Familia al instante cuenta la historia de una pareja que adopta a tres hermanos hispanos y que, entre dificultades y humor, se convierte poco a poco en una familia. Aunque algunos momentos se exageran para causar efecto cómico, las luchas y situaciones se mantienen ancladas en la realidad, dotando a la película de una autenticidad entrañable y cercana.

Basada en la exitosa novela de Megan Maxwell, la película sigue la intensa relación entre Judith, una mujer enfocada en su carrera, y Eric, heredero de un imperio farmacéutico global. A través de dinámicas sexuales provocadoras y juegos de poder, explora cuestiones de autonomía en la intimidad moderna, ofreciendo una mirada audaz y matizada sobre el control y el deseo en las relaciones contemporáneas.

Aunque la promocionaron como un drama deportivo, la serie también aborda temas como la cultura del ídolo adolescente, el romance a los cuarenta y el desempleo. Estos elementos dan mucho para explorar y, aunque el formato es ideal para una serie, todavía le falta esa riqueza de detalles que uno espera de una narrativa más extensa.

El estilo característico de Adam Elliot es inconfundible: imágenes silenciosas, temas melancólicos e historias que reflejan luchas personales. Ver sus películas suele despertar una tristeza profunda y silenciosa, como si reconocieras una parte de vos mismo en pantalla. Pero cuando empiezan los créditos, esa tristeza suele ir acompañada de una leve, pero verdadera, sensación de esperanza.

Además de demostrar el poder ilimitado del FBI, la historia no ofrece mucho más. La película deja entrever que la democracia fracasa en controlar a ese tipo de instituciones, pero nunca profundiza realmente en eso. A pesar de algunos intentos de ser conmovedora a través de representaciones de la familia y la amistad, se siente fría y emocionalmente vacía.

No cabe dudas de que Amanda Collin y Mads Mikkelsen ofrecen interpretaciones excelentes. El diálogo es mínimo: un colonizador taciturno y una criada viuda apenas hablan. De todas formas, a través de cambios sutiles en las expresiones y en el lenguaje corporal, los actores dicen todo, sin necesidad de decir una sola línea de diálogo.

Aunque la estructura en tres partes se apoya en tramas básicas y temas ya conocidos, la narración es ágil y eficaz, claramente pensada para lucirse con su estética de culto y sus escenas de acción. La coreografía de la pelea y la escenografía son impresionantes, con un trabajo de cámaras dinámico y un montaje imaginativo que exhibe las fortalezas de la animación.

Robert De Niro interpreta un doble papel sin sentido y uno de ellos da la impresión de que es una caricatura sacada del manual de Joe Pesci. Con ese maquillaje envejecedor exagerado, parece un actor de tokusatsu en un traje de goma. Aun así, resulta curiosamente fascinante ver una película de un gran estudio en 2025, protagonizada por dos actores cuya edad promedio ronda los 68 años.

Aunque la película insiste una y otra vez con que la “confianza es la única salvación”, no logra sentar un marco creíble para las relaciones centrales. Los elementos del thriller son aún más decepcionantes. El director parece confundir el suspenso con la incoherencia. Además, se basa en fragmentos enigmáticos y diálogos desarticulados para construir un argumento débil sobre una acusación injusta.

Ambientada en una aldea alpina remota al norte de Italia durante los últimos días de la Segunda Guerra Mundial, la película explora la difícil situación que viven las mujeres en los sistemas del patriarcado, la religión y la guerra. Hay que reconocer que los personajes están claramente delineados, con personalidades y voces distintivas.

La animación en sí no tiene nada de malo, es de primer nivel en todos los aspectos. Pero se supone que esta es una película, no un especial de TV con entrevistas exclusivas forzadas. La historia carece de un principio y un final. Solo 10 minutos más de resolución hubieran hecho muchísimo la diferencia.

Se destacan especialmente las secuencias en blanco y negro intercaladas que aparecen cada vez que el protagonista sobrevive a un intento de homicidio. En estos momentos, parece que entra en un más allá onírico y participa de debates existenciales sobre la vida y la muerte. Estos desvíos no solo profundizan la dimensión espiritual de la película, sino que sugieren la transformación interna del protagonista a medida que se recupera lentamente de la guerra corporativa despiadada y encuentra el camino de regreso a la simple ética de la vida familiar.

Aquí no hay melodrama. Solo fragmentos de vida, tratados con tanta ternura que el peso emocional se instala de a poco, sin alardes. El amor es lo que sostiene a los personajes en medio de la incertidumbre y el desarraigo, y es ese amor silencioso y firme el que le da calidez a la película. John Lithgow está sencillamente maravilloso.

La historia de Pekar no es de fama ni fantasía. Era un hombre profundamente común, y eso es precisamente lo que lo hacía extraordinario. Sus cómics, por rudimentarios que fueran, reflejaban la aspereza y los matices de la vida cotidiana. La belleza de los cómics underground radica justamente en esa mirada honesta y sin filtros sobre lo mundano.

Tiene algo de una road movie: los personajes huyen sin descanso y la supervivencia siempre está en duda. Aunque el género ya no ofrece muchas sorpresas, la repetida paliza al sheriff en el tramo final toca una fibra de catarsis retorcida que rara vez se ve en los híbridos de horror y carretera.

Es una película de ritmo pausado, ideal para quienes ya han vivido un poco más. La banda sonora oscila entre lo liviano y lo melancólico, en sintonía perfecta con el tono del film. Visualmente es hermosa: viñedos, bodegas y campos abiertos bañados en una luz serena. Sin estrellas rutilantes, sin efectos llamativos ni melodrama, la película se apoya por completo en las actuaciones, y por suerte, el elenco responde con matices y elegancia.

Refleja a la perfección las acrobacias mentales que muchos homosexuales hacen al enfrentarse a señales ambiguas de hombres hetero, interpretando cada gesto como posible afecto, aferrándose a la esperanza de que los límites se difuminen. El desenlace no se evade de la realidad: acepta con ternura la verdad agridulce de que no todo anhelo termina en amor.

El cine japonés tiene un talento particular para evocar melancolía, y esta película no es la excepción. Con planos congelados de la naturaleza y de los personajes, y la lluvia que se funde con la banda sonora, nos sumerge en un mundo de tristeza suave. Lo que más me conmovió fue la representación del afecto infantil en su forma más pura: gustar de alguien no por su apariencia ni por razones prácticas, sino simplemente porque el corazón lo siente así.