Reseñas

DEJAME VER LA PELI

Jacob está súper bien. Guillermo siempre con esa chispa. Todo bien la película hace.

Buena pelicula excelente

La tumba de las luciérnagas es una película de animación japonesa producida por Studio Ghibli y dirigida por Isao Takahata. Fue la primera película dirigida por Takahata con Studio Ghibli y el tercer largometraje del estudio. Está basada en la novela homónima del autor Akiyuki Nosaka publicada en 1967, la cual, a su vez, se basa en las propias experiencias de Nosaka vividas durante la segunda guerra mundial, a diferencia que no es su hermana quien fallece sino su hermano, donde en palabras dichas por el mismo autor, en la novela más que ser antibelica se critica la cultura japonesa, porque su hermano no muere por los bombardeos de las fuerzas Estadounidenses sino por la indiferencia y el egoismo de sus coterráneos, muy presente en la cultura japonesa que mis problemas son mios y no tengo porque pasárselos a los demás y por lo tanto tampoco me debo preocupar por los demás, estas reflexiones están también en la pelicula Godzilla Minus One, la que considero la mejor de la saga, entoces podemos decir que hay un "Revisionismo Histórico Cultural" en el Japón que se inició con la Tumba de las Luciérnagas, la triste historia de los hermanos Seita y Setsuko, una pelicula que al más duro le saca por lo menos un nudo en la garganta

Estoy por ver

muy buena

Una pelicula sobre la soledad y la depresion asociada. Algo que hasta ahora no habia visto. Una pelicula que no parece pelicula sino un programa de radio.

Buenas ayudar a la serpiente a encontrar su tesoro 🪙 un libro donde está su family 💐

Increíble

10

En 1958 Orson Welles retornaba a Hollywood, tras un exilio de 10 años, para certificar el principio del fin del sistema de estudios y rodar el testamento fílmico de un genero emblemático como el cine negro que moría en la cumbre con esta joya absoluta e intemporal del cine que es “Sed de mal”.
Contratado como actor, la insistencia de Heston, que solo acepto protagonizar el film si lo dirigía Welles, le permitió transformar lo que probablemente hubiera sido un mediocre thriller en uno de los films más fascinantes, contundentes y poderosos de la historia del cine. Un Welles deslumbrante y omnipresente en su papel del corrupto policía Hank Quinlan, un hombre marcado por el pasado, domina el film desde las paginas del portentoso guión -del mismo Welles- tanto delante como detrás de la cámara. Desde la magistral grúa que abre el film con ese maravilloso plano-secuencia de casi cuatro minutos de duración -de obligado estudio en las escuelas de cine- hasta el violento, estremecedor y trágico final, de una fuerza visual y un lirismo anonadantes, asistimos a una profunda reflexión sobre la ambigüedad de la conducta del ser humano, la honradez y la corrupción y el dilema moral entre respetar la ley o hacer justicia a cualquier precio.

Jim Jarmusch, uno de los padres del cine independiente norteamericano viaja esta vez de Tánger a Detroit para hablarnos del amor y de vampiros. Jarmusch, responsable de obras de culto como lo son “Stranger Than Paradise”, “Down by Law” y “Broken Flowers” ofrece en esta nueva oportunidad una propuesta que vuelve a captar brillantemente los tiempos muertos de sus personajes. En pantalla Tilda Swinton y Tom Hiddleston personifica admirablemente esta pareja de vampiros bohemios que viven el día a día, empapados bajos reflexiones y dudas existencialistas, y movidos bajo un exceso de trascendentalismo y referencias culturales e históricas. Como suele suceder en el cine de Jarmusch, sus personajes suelen llevar una carga enorme en sus hombros, parecen estar clavados a sí mismos y buscan sin demasiado aliento su lugar en el mundo. El sello de la casa vuelve a tomar protagonismo. Una cinta para pocos, para adeptos del director. Para aquellos curiosos que se acerquen por primera vez al cine de Jarmusch, encontraran una cinta insípida en la cual “no sucede nada”, para los seguidores del director, encontraremos una cinta no del todo brillante pero que amplia un poco más la visión del director. “Only Lovers Left Alive”, es hipnótica y a veces seductora, una historia de amor que intenta mejorar la torpe representación actual del vampirismo en el séptimo arte. Recomendable.

El cineasta Tomasz Wasilewski (quien ya conocía por su debut In The Bedroom) nos habla en esta oportunidad sobre encontrar el amor en el momento que no lo necesitas, en el lugar menos pensado y en la persona que menos imaginas. Wasilewski se adentra en terreno hostil al hablar de la intimidad y las preocupaciones que dominan a su protagonista Kuba, quien asiste a una exposición de arte con su novia de dos años Sylwia, y se tropezará con Michal. La conexión entre estos dos jóvenes es instantánea y embriagadora, y pese a que es algo opuesto a todo lo que conoce en su vida, permite a Michal entrar en ella. Michal es un hombre, y los resultados van más allá de lo que podía haber imaginado. Wasilewski pronto se ve envuelto en las directrices y doctrinas que dominan al cine de temática gay. Su película recae narrativamente en la típica propuesta de “chico con novia se enamora de otro chico” pero con una dureza argumental muy pocas veces vista. Aunque se habla de una premisa muy trillada en este género que se niega a evolucionar, Plynace Wiezowce posee algo realmente curioso. El sello distintivo del realizador es tan particular que permite a la propuesta gozar de un extraño encanto. Abundan los silencios y la escasez de palabras y gestos. Wasilewski arriesga con una puesta en escena fría y estilizada, una visión oscura y asfixiante de Varsovia. Todo es cargante y áspero hasta que la película trata de resolver abruptamente la particular historia de Kuba. A pesar de poseer uno de los planos finales más hermosos que yo haya visto este año, todo se diluye fácilmente en los últimos minutos. Plynace Wiezowce deja el rastro de un director que sabe dónde enfocar su cámara y construir escenas hipnóticas, pero que lamentablemente no sabe cómo solucionar las contrariedades argumentales que el mismo edifica

Danis Tanovic, ganador del Oscar por «En tierra de nadie» es el responsable de «An Episode in the Life of an Iron Picker» (Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín), una película desoladora en donde lo que se muestra en pantalla exuda realidad. «La mujer del chatarrero» (como se le conoce en algunos países) narra la vida de una familia gitana de escasos recursos que vive en Bosnia, interpretada por los mismos personajes quienes sufrieron la historia. Es la puntual contienda de una familia gitana por sobrevivir. Tanovic sujeta con fuerza y urgencia esta historia tan diminuta, tan humana, tan transparente, y sitúa su cámara tras esta familia y la tragedia que sufren cuando la mujer, madre de dos hijas y embarazada, necesita una operación de urgencia y no poseen la cantidad de dinero para ejecutarla. Carente de adornos y posturas dramáticas, de sentimentalismos y maniqueísmos, el drama ya viene plantado, la realidad se basta a sí misma. Tanovic es muy respetuoso con la historia, se mantiene a una distancia exacta y sensata, no emite juicios de valor, traza con exactitud y fidelidad el perfil de la herida, y consigue una película noble, fiel, absolutamente fascinante y reflexiva, cuyo efecto final es sólido y duradero en el espectador. Sus premios en el Festival de Berlín están plenamente justificados. Cine sin trampas. Realismo social en estado puro. Cruel y obligatoria.

Denis Villeneuve afirma: “Si mi padre viera el final de 'Enemy', diría: "¡Qué es esta mierda!". Al igual que su padre, creo que muchos pensamos lo mismo. Enemy, basada en 'El hombre duplicado' de José Saramago se centra en la figura de Adam (Gyllenhaal), un profesor universitario que se queda atónito al descubrir que tiene un doble idéntico a él. Enemy resulta altamente sensitiva; su atmósfera desasosegante y fría con un aire a pesadilla de terror, son sus mejores virtudes. Un juego milimétrico y exasperante de edición y dirección que puede atrapar ventajosamente la atención del espectador promedio. Aún así, la propuesta se divisa con mucha forma y poco fondo. Presumida y desatinada, insulsamente misteriosa. Abalada bajo la notable interpretación de Gyllenhaal y un par de actores de renombre que terminan siendo desaprovechados. Enemy, como muchos señalan es sumamente pretenciosa –pero más pretenciosos son algunos espectadores que la comparan y la nivelan al estilismo Lynchiano y Kafkiano– y a veces embustera. Todos los defensores de la película apuntan a que se trata de una experiencia cinematográfica que elogia el caos y señalan que no debe ser vista como una obra construida bajo las pretensiones de su director: “que no se entienda no significa que no tenga sentido”, curiosamente esos mismos defensores no son capaces de realizar un raciocinio argumental o darle algún tipo de significado a las disparatadas escenas (la mayor injuria: el desenlace) de este aventajado director. Una experiencia psicológica gratuita que trata como un primate al espectador haciéndolo creer que lo que se ve es sumamente trascendente y perdurable. Fallida.

Finalmente me encontré frente a una de las películas más esperadas de los últimos años, se trata de Nymphomaniac, la obra de aquel transgresor caprichoso y excéntrico que lleva por nombre Lars Von Trier. Ese extraño realizador que se autotitula “el mejor director de cine del mundo” y que tiene tras sus espaldas tanto potenciales obras maestras (Breaking The Waves, Dancer in the Dark, Dogville) como bodrios infumables (Epidemic, Antichrist, Idioterne). Mediante una narrativa dividida en capítulos, la propuesta apunta a desentrañar la vida privada de su personaje principal Charlotte Gainsbourg, una mujer adicta al sexo que deberá contarlo todo –desde su primera experiencia sexual hasta su anunciado desenlace– ante un extraño que le recibe en su casa. En medio de todo esto, afirmaciones absurdas y reflexiones con ínfulas del psicoanálisis freudiano pero que resultan tan torpes como poco elocuentes (el Dios de los modernos compara la ninfomanía con la pesca, la evolución del fresno, el comportamiento de la naturaleza, los arboles y Bach). Entre capitulo y capitulo encontramos diálogos forzados, personajes pocos creíbles (patéticos Uma Thurman y Stellan Skarsgård), escenas que apuntan a despertar la polémica y el morbo pero que se aleja de la verdadera esencia artística del cine, imágenes provocativas pero disimiles las unas con las otras, todo tan desproporcionado como irregular. Son pequeños cortometrajes que intentan converger pero que finalmente no encuentran puntos de conexión. Esta película que habla del sexo sin reflejar en pantalla la pulsión sexual, seguramente fascinara a los enfervorizados y ciegos parroquianos del realizador. A mí me resulta fría, vacía, engañosa y ridículamente sobrecalculada. Una decepción importante. Es realmente imperdonable que el danés hiciera que odiara ver en pantalla a Charlotte Gainsbourg

Xavier Dolan como todos sabemos es el joven carismático y multidisciplinario que emociona en festivales y en el público. Merecedor de dos películas notables como lo son J'ai tué ma mère (Yo mate a mi madre) y Laurence Anyways; y la muy cuestionable Les amours imaginaires (Los Amores Imaguinarios). Con un sello algo personal e influencias cinematográficas bien marcadas, el joven canadiense decide arriesgarse y desligarse de su habitual pulso para ahondar en el thriller psicológico y darle un grado mayor de madures a su cine en Tom à la ferme. Tom, un joven publicitario moderno y urbano (interpretado por el propio Dolan), acude al funeral de su amante tras fallecer éste en un accidente de tráfico. Será en una aislada granja lechera donde se encuentre por primera vez con la madre de su amado fallecido. Ella no tiene idea de quién es ni menos aún, del amor que compartió junto a su hijo. Tom descubrirá la distinta realidad vivida por alguien que se ha ido: la de un hombre enamorado de una mujer llamada Sarah. Tom à la ferme peca de excesiva y cargante en el suspenso que pretende recrear y en insuficiente en su argumento. Dolan, quien vuelve a demostrar su narcisismo –aunque esta vez no juega a su favor– construye un relato que intenta ser furioso, sorprendente y perturbador, pero no lo es. La película es pesada (en el peor sentido de la palabra). Cargante al intentar disfrazar lo poco que cuenta (o lo que narra insuficientemente) con escenas y simbolismos morbosos y confusos que terminan por alimentar el aburrimiento del espectador. El misterio, la relación sadomasoquista entre los personajes, el psicologismo más ensortijado, todo se desvanece rápidamente, uno tiene la sensación de que ocurrirá algo realmente notable pero esto nunca sucede. Su efecto no es perdurable aunque sus excesos son gratuitos. Tom à la ferme tan disparatada como absurda, apunta a desencarnar caprichosamente una nueva vertiente de la firma cinematográfica de un director tan egocéntrico como talentoso, ese mismo que es capaz de entregar una película de cal y una de arena. (5.0/10)

Si de algo se puede tildar el nuevo trabajo de Derek Cianfrance es de ambicioso. Ahora mismo no puedo recordar una película más ambiciosa estrenada en los últimos meses. The place beyond the pines lo tiene todo, personajes complejos, un argumento insaciable con vueltas de tuerca que pueden sorprender, una factura técnica solvente y una dirección que por momentos resulta asfixiante. Y como si fuera poco, tiene la garantía de estar firmada por Derek Cianfrance, aquel debutante que sorprendió hace tres años con Blue Valentine. Esta segunda película –como lo dije anteriormente– lo tiene todo para triunfar, lo tiene todo y sin embargo se hunde apoteósicamente en su propia avaricia. Cianfrance decide esta vez ir más allá, si en Blue Valentine presenciamos como escarbaba hondamente en la relación turbulenta de una pareja que se desintegraba, aquí lo vemos contándonos un drama familiar muy complejo de deudas personales, anhelos y venganzas. Un argumento dividido en tres actos con elipsis narrativas de por medio.

En un primer acto presenciamos la historia de Luke (Ryan Gosling haciendo de Ryan Gosling otra vez) un supuesto motociclista con grandes habilidades intentando recuperar un viejo amor, al enterarse de que tiene un hijo con esa chica (inesperado desempeño de Eva Mendes) decide comenzar a robar bancos y mejorar el estilo de vida de su hijo. Un excelente y frenético primer acto, durante estos primeros 50 minutos se tiene la sensación de que se está viendo algo grandioso e inolvidable. Hasta que la historia da un giro inesperado y Luke muere.

Como si se tratase de otro filme, otra propuesta y otra historia, entra en pantalla Bradley Cooper, el policía novato que capturó y asesinó al ladrón de bancos. Desde este momento no es difícil aborrecer lo que se ve en pantalla hasta el punto de odiar súbitamente el personaje de Cooper. Cianfrance patéticamente intenta realizar una crítica social sobre el sistema policial norteamericano hablando sobre corrupción, doble moral y polémicas que se esconden sobre la fachada. El ritmo decae bruscamente y la esencia obtenida con el primer acto se pierde por completo. En el tercer acto (de esta interminable película), ya Cianfrance roza lo bochornoso al pretender que los hijos de los personajes que protagonizaban los actos anteriores, se conozcan, interactúen y desemboquen en un acto de venganza. Como si se tratase de una ridícula telenovela, llena de clichés y moralina barata, el filme se cierra finalmente sin resolver nada. Cianfrance que va de listo esta vez, luego de levantar ambiciosas expectativas con esta historia, decide dejar todo en el aire, el hijo de Luke (estereotipado hasta la nausea como el joven introvertido de padre ausente) huye en la motocicleta de su padre, triunfa la mentira y la corrupción sobre la verdad, e insoportablemente se escucha la letárgica melodía de Bon Iver en la secuencia final.

Irregular e incomestible luego de sus primeros 50 minutos de metraje, esta película que cuenta tanto (y a la vez llena poco) está torpemente narrada y articulada. Se ve y se siente dolorosamente hasta el punto de querer que culmine lo antes posible. De algún modo sospecho que Cianfrance sentía la presión del repentino éxito de su primera película e intentó superarse con esta nueva propuesta, realizando una historia muy complicada al tal punto de que por momentos se le va de sus manos. En gran parte del metraje abunda la sensación de fatiga o cansancio en la dirección, Cianfrance pierde las riendas que la película consiguió en su comienzo. De eso se trata The place beyond the pines, una película en donde solo se luce Ryan Gosling haciendo el papel que viene repitiendo desde hace un par de años (nuestro interés por el filme se va junto con el personaje de Luke) junto a un reparto meramente aceptable, que habla irregularmente sobre la venganza, la corrupción y las consecuencias de los delitos que manchan el linaje y que finalmente nos dice –a la fuerza– que siempre triunfa la corrupción y que los perdedores siempre serán perdedores. The place beyond the pines (que debió apelar por la sencillez y centrarse en un solo asunto) esforzándose por ser una epopeya moral, termina convirtiéndose en un melodrama tan barato como poco recordable. Una película que se autodestruye por pretender ser lo que no es. Decepcionante.

Park Chan-Wook filma en terreno norteamericano lo que debería venir siendo su producción más comercial hasta la fecha, pero por extrañas razones la película meramente termina imponiéndose como otro de las típicas manías cinematográficas del director. Stoker levanta el telón presentando el respeto absoluto por la pulcritud de la imagen, el juego del montaje y el uso excesivo del sonido que llevan al espectador por la premisa narrativa de esta extraña familia, que se mueve en mares de secretos oscuros y una violencia desenfrenada que está a punto de estallar. Cuando Stoker consigue deshilvanar los misterios que se esconden tras de ella, la película se viene abajo convirtiéndose de un thriller psicológico, a un mero blockbuster morboso y gratuito en donde la violencia desencadenada y sin sentido prevalecen constantemente. Park Chan-Wook que levanta enorme admiración en gran parte del público por razones que encuentro incomprensibles, deja que se le escape de las manos el presente proyecto. En Stoker, su lenguaje cinematográfico, su absurdo efectismo y sus pretensiones marcianas –que producen mofa–, terminan produciéndome un hastío absoluto imperdonable. Ni las latentes interpretaciones de Mia Wasikowska o Nicole Kidman salvan lo que está predestinado a fracasar. Stoker, majadera, vacía y pretenciosa. Una pérdida de tiempo.

En el 2005 Michael Haneke habló brillantemente en Cachë sobre las consecuencias de la culpa y como nuestra conciencia trata de erradicarla de nuestra memoria. El irlandés Lenny Abrahamson se sirve de un drama basado en la novela de Kevin Power “Un mal día” (publicada originalmente bajo el título “Bad Day in Blackrock”), inspirada libremente a su vez en la trágica historia real de la muerte de un joven en la puerta de una discoteca, para profundizar un poco más en lo que vendría siendo el nacimiento de esa culpa, un germen que infecta nuestra mente y que posiblemente desemboque en un resultado parecido a lo que vimos en la propuesta de Haneke. What Richard Did nos habla sobre la vida estable de unos adolescentes bien acomodados en Dublín. Richard es uno de ellos, un chico popular que sobresale entre su grupo y entre las actividades deportivas. Cuando Richard conoce a Laura, se enamora de inmediato y comienza a sentir sentimientos nuevos que provocaran que su estabilidad y su vida, se desmorone. Hay algo realmente magnético en la propuesta de Lenny Abrahamson, la manera en que retrata la juventud dorada de Dublín y a su vez la manera en que describe la punzante tortura psicológica que causa mantener un secreto. Abrahamson dirige con sumo intimismo y gran sentido de la sencillez (muy al estilo del cinéma vérité) hasta el punto que la cámara se convierte en un protagonista que reflexiona sobre “el secreto de Richard”. Excelentes actuaciones que agregan credibilidad a esta historia que te hace pensar y reflexionar y que pone de relieve ciertas inquietudes que laceran y torturan la mente del espectador. What Richard Did, una propuesta excepcional del cine irlandés, una película que habla sobre el nacimiento y el peso de la culpa, sobre el vacío y la soledad de las mentes atormentadas (atención al excepcional desenlace) y sobre el permanente cuestionamiento de nuestras acciones. Conmovedora y sumamente reflexiva. Una de las gratas sorpresas del 2013.