Reseñas

buena peli

weed

Esta película de Spider-Man es histórica. Con una excelente representación del personaje y un villano inolvidable, Sam Raimi logra lo que es, hasta hoy, la mejor adaptación de Spider-Man al cine. Las actuaciones son fabulosas, sobre todo la de Willem Dafoe. Los personajes están muy bien construidos y todos tienen profundidad. El ritmo es perfecto, las dos horas pasan volando y no hay ni un segundo innecesario o de relleno. La banda sonora es impecable y el CGI para la época está excelente también. Como aspectos negativos, encuentro que la trama tiene algunas conveniencias e inconsistencias, además de ser bastante predecible y contar con clichés. En conclusión, me parece una película histórica, entretenida a más no poder y muy bien hecha.
Puntuación: 84/100 (8/10)

buena

Una trama simple, la de un guardaespaldas que busca venganza por el asesinato de la persona que estaba a su cargo, pero que todas las secuencias de acción están muy bien orquestadas, así como los movimientos de cámara y el montaje. En cuanto a estos dos últimos elementos creo que son los que sostienen la buena orquestación hasta el final, tanto en los momentos de batalla cuerpo a cuerpo, como los momentos de disparos y los momentos del recorrido del mapa donde se efectúa la persecución, que es sobre un buque de carga. El espacio a través del encuadre y los movimientos parece un gran laberinto o un gap propio de un shooter, hecho que suscita la idea de que el lenguaje de los videojuegos y el cine eventualmente convergerán a uno solo; también el montaje determina un ritmo que puede tanto acelerar o desacelerar la acción según lo requiera la escena. Lo que resulta eficaz también es el hecho de que lo narrativo se hace a un lado para poder disponer la acción, lo que sí, a través de los personajes en el diálogo se hace mucho hincapié en lo que sucede o del motivo principal de la trama, donde me resulta innecesario y hasta entorpecedor, ya que no hay mucho que explicar o sobre explicar. También pienso que pasaría si en la película no hubiese diálogo alguno, donde sea solo acción, que supondría para el género una película así. Pero es en la acción y el suspenso prolongado a lo largo de todo el filme donde se sostiene el suceso, que se ampara en las convenciones del género y en sobre explicaciones innecesarias pero que está bien utilizada su espacialidad.

Esa cosa con alas (2025), dirigida por Guillermo del Toro, adapta la inquietante obra de David Almond en un relato visual fascinante sobre el duelo, la pérdida y la extrañeza de crecer.
​Dirección y atmósferas: Del Toro abandona los artificios estridentes para entregar una puesta en escena intimista, terrenal y melancólica, donde el misterio convive con el dolor cotidiano de una familia fracturada.
​Actuaciones: Las interpretaciones del elenco juvenil se sienten genuinas y orgánicas, sosteniendo el peso emocional de la cinta sin caer en el sentimentalismo fácil.
​Fotografía y diseño de producción: El tratamiento visual resalta la belleza del deterioro y los claroscuros del entorno doméstico, convirtiendo la casa y el garaje abandonado en personajes por derecho propio.
​Pacing y tono: Por momentos el ritmo decrece en el segundo acto, pero lo compensa con un clímax donde la ternura y la fantasía oscura se entrelazan de forma conmovedora.
​Evaluación: 💫💫💫💫 / 5 estrellas (4.0/5)

Esa noche (2026) es un drama íntimo que sostiene su pulso dramático gracias al peso de sus actuaciones y a una dirección que prefiere la contención antes que el espectáculo fácil. La película logra sumergir al espectador en un ambiente claustrofóbico donde el silencio y los pequeños gestos dicen mucho más que los propios diálogos.

​Evaluación: 3.5 / 5 estrellas 💫
​Lo mejor: La construcción de atmósfera y la interpretación central, que sostiene la tensión narrativa durante todo el metraje sin recurrir a melodramatismos innecesarios.

​Aspectos a mejorar: El ritmo decae ligeramente en el segundo acto, donde algunas secuencias se sienten reiterativas antes de llegar al clímax final.
​Veredicto: Una propuesta sólida y visceral que destaca por su honestidad emocional, ideal para quienes disfrutan del cine enfocado en los dilemas morales y el estudio de personajes.

Lethal Weapon (Arma letal, 2016)
​💫💫💫💫 (4/5 estrellas)
​Adaptar una saga tan icónica del cine a la pantalla chica sonaba a desastre anunciado, pero la serie terminó siendo una grata sorpresa. Funciona casi exclusivamente por la química entre sus protagonistas: Clayne Crawford le da a Riggs ese toque roto y caótico sin caer en la parodia, mientras que Damon Wayans clava al Murtaugh cascarrabias y familiar.
​Lo mejor: El ritmo es frenético, el humor funciona y la relación entre los dos policías se siente genuina desde el primer episodio. La mezcla de acción ochentera con drama personal está muy bien calibrada durante la primera temporada.
​Lo malo: Estructura procedimental bastante clásica (caso de la semana) que a veces peca de predecible. Además, el drama tras bambalinas que afectó a la producción en temporadas posteriores empaña un poco el viaje completo.
​Una serie sumamente entretenida que no busca reinventar la rueda, sino ofrecer noventa por ciento de adrenalina y diez por ciento de corazón en cada episodio.

Scott & Bailey no es una película, sino una serie británica de drama policial emitida entre 2011 y 2016.
​💫 Evaluación: 4 de 5 estrellas
​De qué va realmente: Sigue la rutina diaria de Janet Scott y Rachel Bailey, dos detectives de homicidios en Mánchester que intentan balancear casos criminales pesados con vidas personales bastante caóticas.
​Lo mejor: La química entre las protagonistas es brillante y se siente hiperreal. Muestra la amistad femenina de forma madura, con sus altibajos, discusiones y lealtad sin caer en clichés melodramáticos.
​El ritmo: A diferencia de las producciones policiacas estadounidenses llenas de tiros y explosiones, aquí el peso está en el trabajo de investigación real, los interrogatorios astutos y el papeleo policial.
​Punto débil: A partir de las últimas temporadas el ritmo decae un poco y algunas tramas personales de Rachel se vuelven un tanto repetitivas.
​Si buscas una historia de detectives bien escrita, realista y centrada en personajes sólidos sin adornos innecesarios, vale completamente la pena.

Southland (conocida en español como El barrio de Los Ángeles) no es una película, sino una de las series policíacas más brutales, honestas y minusvaloradas de la televisión reciente.
​Si tuviera que calificarla, le daría 4.5 de 5 estrellas (★★★★☆).
​Lo que hace esta historia no es venderte un espectáculo de policías héroes atrapando al malo del día con música dramática de fondo. Southland se siente como si hubieras subido a la patrulla con dos agentes agotados en un martes cualquiera por la tarde en Los Ángeles. Se mete en el barro. Sientes el calor del asfalto, el olor a sudor, el peso insoportable del chaleco antibalas y, sobre todo, el impacto sicológico desgarrador de ver lo peor del ser humano turno tras turno.
​Lo hermoso de la serie radica en sus imperfecciones humanas:
​John Cooper (Michael Cudlitz): Es el corazón palpitante del programa. Un oficial veterano, impecable en la calle, pero roto por dentro, luchando contra un dolor de espalda paralizante, una adicción a los analgésicos que intenta ocultar y la soledad de ser un hombre gay en un entorno machista. Verlo entrenar al novato Ben Sherman es una lección de vida.
​El tono callejero: La cámara al hombro, casi de documental, no busca adornar la violencia ni romantizar el trauma. Hay episodios donde no pasa "nada" espectacular, y aun así no puedes despegar los ojos porque la tensión entre los compañeros y la empatía por las víctimas se sienten demasiado reales.
​Sin respuestas fáciles: No hay discursos morales ni finales felices empaquetados con moño. Muchas veces los oficiales regresan a casa frustrados, derrotados o vacíos, y la serie te deja a ti con esa misma pesadez en el pecho.
​Es una obra maravillosa sobre la empatía, el desgaste emocional y lo difícil que es mantener la cordura cuando tu trabajo diario consiste en sostener los pedazos de una sociedad que se rompe. Si buscas algo que se sienta vivo, imperfecto y profundamente humano, esta historia te va a dejar huella.

Tarot (2024) es de esas películas que te hacen recordar por qué el cine de terror adolescente de serie B tiene un lugar tan culpable pero cómodo en nuestras vidas: no cambia el mundo, pero te hace pasar el rato entre sustos predecibles y palomitas.
​💫 2.5 / 5 estrellas

​Lo que funciona: El diseño de los monstruos inspirados en las cartas del tarot (la Sacerdotisa, el Ahorcado, el Loco) está genuinamente bien logrado. Tienen una estética espeluznante que destaca visualmente y regala un par de muertes creativas que sacan una sonrisa a los fans del género.

​Lo que flaquea: El guion no arriesga nada. Sigue al pie de la letra la fórmula gastada de Destino Final: jóvenes rompen una regla ancestral, quedan malditos uno a uno y corren contra el tiempo para romper el hechizo. Los personajes son bastante planos y toman las típicas decisiones absurdas que te hacen gritarle a la pantalla.

​No esperes una obra maestra del terror psicológico ni reflexiones profundas. Es una película ligera, empaquetada para asustar sin complicaciones un viernes por la noche, que cumple justo con lo mínimo pero se olvida fácil al salir de la sala.

El Musical de Johanne Sacreblu me dejó esa sensación de no saber si reírme, aplaudir o ponerme las manos en la cabeza de la pura incredulidad.

​La película intenta meterte en un universo absurdo donde la tragedia y el teatro de calle se abrazan con canciones pegajosas, pero el resultado es una montaña rusa rítmica que no siempre sabe dónde frenar.

​Lo que atrapa: La energía de Johanne en pantalla es magnética. Cuando la cámara la sigue de cerca, te olvidas de los fallos técnicos porque hay algo crudo y honesto en su voz que te conecta directo con el personaje. La dirección de arte tiene un toque casero que me dio mucha ternura.

​Lo que flojea: El guion se va por las ramas en el segundo acto. Las transiciones entre escena y musical a veces se sienten demasiado repentinas, rompiendo la tensión emocional con números que parecen metidos con calzador.

​La atmósfera: A pesar del desorden, transmite esas ganas gigantescas de contar una historia sin pedirle permiso ni perdón a nadie.

​No es una obra pulida ni busca complacer al gran público, pero tiene un corazón inmenso que brilla entre la marejada de decisiones estrambóticas.


​Evaluación: 💫💫💫 / 5 (Tres estrellas: Imperfecta, caótica y extraña, pero con un alma gigante que cuesta olvidar).

'Coyote vs. Acme' es una divertida y emocional película de comedia legal y aventura, que combina magistralmente el live action con la animación. La película trae de vuelta a los icónicos personajes de los Looney Tunes, en una historia que los adapta de forma novedosa y más acorde a esta época. Sin embargo, a pesar de haber una adaptación temporal, es más bien una mejora narrativa, y los personajes no pierden su gracia, si no que ganan profundidad. Enorme actuación por parte de Will Forte, que mejora a medida que la película avanza, y sabe conducirla de gran manera. También buenos aportes de Lana Condor, bastante acertada para el tono de la película. Buen rol de John Cena, por igual. Este filme se apoya en una historia que va más allá y compara la persecución del Coyote al Correcaminos con el mito de Sísifo, de forma creativa y conmovedora. Excelente dirección por parte de Dave Green, con una animación impresionante y novedosa, gran fotografía, gradación de colores, efectos especiales, escenografía y uso de la banda sonora.

bacan

Lanterns es, ante todo, un estudio sobre la soledad y las cicatrices que dejamos atrás cuando intentamos ser invencibles.
​Evaluación: 💫💫💫💫 (4/5 estrellas)
​Alejada por completo del espectáculo vacuo de la pirotecnia digital, esta entrega se siente más cercana al polvo, al barro y a la respiración entrecortada que al brillo pulido de un superhéroe convencional. La serie toma una premisa de ciencia ficción y la aterriza en la tierra profunda, donde las miradas duelen más que las amenazas intergalácticas.
​La química del desgaste: La dinámica entre Kyle Chandler (Hal Jordan) y Aaron Pierre (John Stewart) funciona no por su heroísmo, sino por su humanidad rota. Hal transmite el cansancio de quien ha llevado una carga demasiado pesada durante demasiado tiempo, mientras que John encarna la tensión contenida de alguien que necesita demostrar su lugar en un mundo que no perdona errores.
​Miedo y voluntad: En lugar de tratar el "miedo" como un monstruo a vencer, el guion de Damon Lindelof, Chris Mundy y Tom King lo explora como una condición humana evitable. Hay un tono de True Detective en la atmósfera: una investigación sombría que actúa más como espejo del dolor de sus protagonistas que como un simple acertijo policíaco.
​Paredes que respiran: La dirección de fotografía huye de las pantallas verdes asépticas. La iluminación, los silencios y los espacios abiertos se sienten auténticos, dándole a la historia un peso terrenal que se queda contigo cuando se apaga la pantalla.
​El ritmo llega a tambalearse a mitad de temporada al intentar balancear la densa mitología del cómic con la intimidad de su drama, pero cuando se enfoca en las grietas emocionales de sus personajes, la serie alcanza una brillantez incontestable. No busca deslumbrar con luces verdes; busca entender qué nos queda cuando la luz se apaga.

Perrone no es un analista distante; me parece que trabajó en la experiencia universal que compartimos: la de haber permitido que el cine colonizara, sin darnos cuenta, la forma de sentir y de vincularse.

Perrone filmó con sensibilidad sin embargo apelando al fomento del pensamiento crítico que para nada se pelea con lo primero.

No hay burla en su visión.

Existe la constatación paciente de que si el arte se vuelve hermético, termina refugiándose en un estilo elegante, sí, pero que no se atreve a salir a la intemperie, y ello podría hacerlo inverosímil.

ergr

Spider Man Far From Home me pareció una película aceptable, que funciona más como una apertura de la Fase 4 que como un cierre de la Fase 3. Con una gran producción, vestuario, banda sonora, buenas actuaciones y especialmente un CGI excelente, Marvel nos da una propuesta entretenida, con escenas épicas, buena acción y un villano decente. Por otro lado, los aspectos negativos no son pocos: la película se siente algo superficial, no profundiza ni desarrolla a los personajes como uno esperaría de una secuela, y los secundarios siguen siendo igual de flojos (o peor) que en la entrega anterior, no aportando casi nada más allá de comedia barata. La dependencia de Tony Stark podría haberse ido o atenuado ahora que él ya no está, pero sigue igual de presente; sin embargo, no considero que esto sea un error total, ya que esta primera trilogía está estrechamente conectada con el resto del UCM y con la relación entre Peter y Tony. Lo que sí es cierto es que esto hace que no se sienta del todo como ese Spider Man terrenal que nos gusta a todos, el "Friendly Neighborhood" que se reflejaría años después en Brand New Day, al estar situado en Europa y contando con trajes de supertecnología nacidos de esa conexión con Stark. La película tiene además bastante relleno ligado a este problema de personajes secundarios tan pobres, como Ned, que aunque sea gracioso por momentos, su romance con Betty resulta innecesario, inverosímil dentro de la historia y consume demasiado tiempo en pantalla. En conclusión, es una película entretenida, con increíbles efectos especiales, con el típico villano de Marvel y la comedia barata de siempre, que baja mucho el nivel respecto al punto tan alto en el que nos dejó Endgame.
Puntuación: 69/100 (7/10)