Reseñas

Billy Elliot (2000) no es sólo una película sobre un niño que quiere bailar; es un recordatorio punzante de lo que sucede cuando el alma humana se niega a ser asfixiada por el entorno. Es una historia sobre la fricción entre el deber y el deseo, y sobre cómo el amor, a veces, tiene que aprender un nuevo lenguaje para manifestarse.
​Aquí te comparto mi visión desde ese ángulo más sensible:
​El Peso de la Tierra contra la Levedad del Baile
​La película nos sitúa en una comunidad minera de Inglaterra durante la huelga de 1984. Es un mundo de gris, carbón y gritos, donde la masculinidad se mide por la fuerza de los puños y la resistencia en los piquetes. En medio de esa dureza, Billy descubre que su cuerpo no quiere golpear sacos de boxeo, sino atravesar el aire.
​Lo que la hace profundamente humana:
​El conflicto del "Hombre": Ver a Jackie (el padre de Billy) luchar con su propia identidad es desgarrador. No es un villano; es un hombre roto por la pobreza y la tradición que cree sinceramente que el baile "contaminará" a su hijo. Su transformación —cuando decide que el futuro de Billy vale más que su orgullo de minero— es uno de los actos de amor paternal más puros del cine.
​La rabia como motor: Billy no baila con una sonrisa perfecta de catálogo. Baila con furia, con frustración y con una necesidad física de escapar de una realidad que lo oprime. Esa escena donde baila contra las paredes de ladrillo de su barrio captura perfectamente lo que sentimos cuando las palabras no alcanzan para expresar quiénes somos.
​La soledad compartida: Desde la abuela que vive en sus recuerdos de juventud hasta la profesora de ballet, la Sra. Wilkinson, que encuentra en Billy la chispa que perdió en su propia vida gris. Todos los personajes están buscando algo que los haga sentir vivos.
​¿Por qué nos toca el corazón?
​Nos vemos reflejados en Billy porque todos hemos tenido un "baile" que nos daba miedo mostrar por temor a no encajar. La película nos susurra que el talento es una responsabilidad, pero que el apoyo de quienes amamos es el combustible que nos permite dar el salto final.
​"No sé... me siento muy bien. Al principio estoy agarrotado, pero cuando empiezo a moverme, lo olvido todo. Y... es como si desapareciera. Como si tuviera fuego en el cuerpo. Como si volara... como la electricidad. Sí, como la electricidad."
​Valoración
5/5 Estrellas 💫

Las implicancias y las lecturas de esta genial película van mucho más allá de una historia de suspense común, de un crimen y la consiguiente investigación para esclarecerlo. La tensión y el interés creciente de la historia no residen en descubrir quién es el asesino. Pues eso ya lo sabemos de antemano – Y no se trata, por cierto, un psicópata común…

El asesino de esta película es un personaje auténticamente diabólico. Sobre todo en el aspecto metafísico del término. Pues el maníaco se jacta de haber llevado al protagonista a sellar con él una especie de „contrato“, un „pacto“. „Hoy por ti mañana por mí“. Según su demoníaca perspectiva, le ha hecho una propuesta a Guy, y como él no la rechazó explícitamente, considera válido el contrato. Bruno cumple su parte, y espera cobrarse a cambio „la inocencia“ del otro, empujándole a su vez a cometer un crimen.

El „pacto“ es involuntario por ser inconsciente. Pero en Guy existía realmente un deseo latente de deshacerse de su mujer – el „diablo“ Bruno hace realidad ese deseo reprimido, pero a cambio quiere „su alma“, es decir, que se convierta él también en un homicida real…

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Vista el 14/03/2026.
Representar las dudas existenciales de la juventud, que ahora se encuentra perdida, no debe caer en algo pretencioso y -malamente- poético.
Imágenes buenas, pero solo eso.

2

genial muchos plot twist

Es muy buena

Buena película, la tensión de afecto bien desarrollado.

Es un riesgo valiente revisitar un pilar del cine español como lo es la obra original de Jaime de Armiñán (1972). Sin embargo, la versión de 2026 de Mi querida señorita no busca reemplazar la nostalgia, sino darle un nuevo cuerpo, uno que respira con una sensibilidad dolorosamente moderna.
​Aquí te comparto mis impresiones sobre este viaje de identidad:
​El peso del silencio
​La película nos sitúa en esa España que aún arrastra ecos del pasado, pero que se ve obligada a mirarse al espejo. La historia de Adela/Juan no es tratada como un "giro argumental" ni como un experimento clínico, sino como una metamorfosis del alma.
​Lo más humano de esta versión es cómo retrata la soledad del descubrimiento. Sentimos el miedo en las manos de la protagonista al abrocharse un corsé que ya no le pertenece y la liberación, casi violenta, al despojarse de él. La dirección se aleja de la teatralidad para enfocarse en los poros de la piel, en las miradas robadas y en el silencio de una casa que guarda secretos demasiado grandes para sus paredes.
​Una identidad que no pide permiso
​A diferencia de la versión setentera, donde el contexto social asfixiaba la narrativa, aquí la cámara se queda con el individuo. Es una exploración sobre la dignidad. El guion trata con una ternura infinita la transición del personaje, permitiéndole ser torpe, tener miedo y, finalmente, encontrar el deseo.
​La relación con Isabel es el ancla emocional de la cinta. No es solo una historia de amor; es el reconocimiento de dos seres que deciden crear su propio lenguaje en un mundo que insiste en definirlos con etiquetas rígidas.
​Lo que nos deja
​La interpretación central: Una actuación contenida que logra transmitir la angustia de vivir una mentira y el vértigo de empezar a vivir la verdad a una edad donde otros ya se han rendido.
​La atmósfera: Una fotografía que pasa de los tonos sepias y cerrados a una luz más cruda y honesta conforme el protagonista acepta su naturaleza.
​El mensaje: Nos recuerda que nunca es tarde para preguntarse "¿Quién soy?" y, más importante aún, para actuar en consecuencia.
​"Mi querida señorita no es una película sobre el cambio de sexo; es una película sobre el nacimiento de la libertad personal en el lugar más inesperado: el propio cuerpo."
​Valoración
​4.5 de 5 estrellas ⭐⭐⭐⭐✨
​Una obra necesaria que logra lo que pocos remakes consiguen: mantener el respeto por el material original mientras encuentra una voz propia, humana y profundamente conmovedora.

La espera por "Our Universe" (2026) terminó sintiéndose como observar una estrella lejana: sabíamos que la luz estaba en camino, pero no estábamos preparados para el calor que sentiríamos al recibirla.
​Esta no es solo una película de ciencia ficción; es una carta de amor a nuestra propia insignificancia y, paradójicamente, a nuestra importancia desmedida dentro de este vacío inmenso.
​El Cosmos como un Espejo
​Lo que más impacta de la dirección de este año es la decisión de alejarse de los fuegos artificiales visuales (que los hay, y son asombrosos) para enfocarse en el silencio. La trama nos recuerda que, mientras las galaxias colisionan a millones de años luz, lo que realmente nos quiebra el corazón es una mano que suelta a otra en la penumbra de una estación espacial.
​Lo que te hará vibrar:
​La Intimidad del Guion: Logra que conceptos astrofísicos complejos se sientan como metáforas de nuestras propias crisis existenciales. No se trata de la velocidad de la luz, sino de cuánto tardamos en perdonar.
​Actuaciones Crudas: Hay una vulnerabilidad en los protagonistas que te hace olvidar que están rodeados de pantallas verdes. Se siente real, sudoroso y urgente.
​Banda Sonora: Una mezcla de sonidos orgánicos y sintetizadores que parece el latido del mismo universo.
​Veredicto: Una Experiencia para el Alma
​"Our Universe" nos obliga a mirar hacia arriba, no para buscar marcianos, sino para recordar que estamos hechos de polvo de estrellas y que, por un breve instante en la eternidad, tenemos el privilegio de sentir.
​Es lenta en los momentos correctos y devastadora cuando lo necesita. Si buscas explosiones vacías, esta no es tu película. Si buscas una razón para sentirte conectado con el extraño sentado a tu lado en el cine, aquí la tienes.
​Evaluación: ★★★★★ (5/5)
​"Una obra maestra que nos susurra que, en la inmensidad del espacio, lo más expansivo que existe es el corazón humano."
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La película Origin (2023), dirigida por Ava DuVernay, no es simplemente una obra cinematográfica; es un acto de valentía intelectual y emocional. Basada en la vida de la escritora Isabel Wilkerson mientras escribía su éxito de ventas Casta, la película logra lo imposible: convertir un ensayo sociológico denso en una narrativa que palpita, duele y, finalmente, libera.
​El Corazón de la Historia
​Lo que hace que Origin se sienta tan profundamente humana es su negativa a quedarse en la teoría. La protagonista, interpretada con una vulnerabilidad magistral por Aunjanue Ellis-Taylor, no solo investiga el racismo; ella navega por el duelo personal. Mientras intenta descifrar por qué los seres humanos nos empeñamos en crear jerarquías de dolor, tiene que lidiar con la pérdida de los pilares de su propia vida.
​Es en ese cruce —donde el dolor universal del mundo se encuentra con el silencio de una casa vacía— donde la película brilla. Nos recuerda que nuestras grandes preguntas sobre la sociedad a menudo nacen de nuestras heridas más íntimas.
​La Belleza en lo Terrible
​DuVernay nos lleva de la mano por un viaje global: desde el horror del Holocausto en Alemania y el sistema de castas en la India, hasta la segregación en el sur de Estados Unidos. Pero no lo hace para regodearse en la tragedia, sino para encontrar el hilo invisible que nos une a todos.
​La tesis: El racismo es un síntoma; la "casta" es la estructura subyacente, el hueso que sostiene el odio.
​La emoción: La película se siente como una conversación susurrada en la oscuridad sobre las verdades que nos da miedo admitir.
​Lo que te deja en el alma
​Al terminar de verla, te queda la sensación de que has visto un mapa. No un mapa de carreteras, sino un mapa de la condición humana. Te obliga a mirarte al espejo y preguntar: “¿En qué parte de esta estructura estoy yo y cómo puedo empezar a derribarla con empatía?”
​Es una película densa, sí. A veces se siente abrumadora por la cantidad de ideas que intenta abarcar. Pero su humanidad radica en su imperfección: es ambiciosa, apasionada y, sobre todo, está llena de un amor desesperado por nuestra especie, a pesar de todo lo que nos hemos hecho los unos a los otros.
​Valoración
​⭐⭐⭐⭐ (4.5 de 5 estrellas)
​Nota final: Es una obra necesaria que no busca darte respuestas masticadas, sino invitarte a sentir el peso de la historia para que, tal vez, podamos caminar más ligeros hacia el futuro.
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The Farewell (2019), dirigida por Lulu Wang, no es solo una película sobre un engaño familiar; es un abrazo melancólico a lo que significa amar a alguien en el borde de la partida. Es una exploración profunda de esa grieta invisible que se abre cuando pertenecemos a dos mundos y, a la vez, a ninguno.
​El peso de un adiós no dicho
​La premisa nos sitúa en una encrucijada ética: a la matriarca de la familia, Nai Nai, le diagnostican un cáncer terminal, pero su familia decide no decírselo. Prefieren cargar ellos con el peso del miedo para que ella viva sus últimos meses en una ignorancia feliz. Aquí es donde entra Billi (interpretada por una Awkwafina contenida y brillante), quien personifica la mirada occidental, herida por lo que percibe como una mentira cruel.
​Lo que hace que esta película sea extremadamente humana es que no juzga. No nos dice quién tiene la razón. En lugar de eso, nos invita a sentarnos a la mesa con ellos, entre platos de comida humeante y risas forzadas, para entender que:
​El dolor compartido es más ligero: En la cultura oriental que retrata Wang, el secreto es un acto de sacrificio. La familia "lleva la carga" por el enfermo. Es un amor que se manifiesta en el silencio.
​La identidad es un mapa borroso: Billi lucha por conectar con sus raíces mientras lidia con el duelo anticipado. Su tristeza no es solo por su abuela, sino por la pérdida de su propia historia.
​La alegría y la tragedia coexisten: La película logra capturar la absurdidad de la vida. Hay bodas falsas, banquetes excesivos y discusiones triviales, todo ocurriendo bajo la sombra de la muerte. Así es la vida real: lloramos en los rincones de las fiestas.
​La belleza de lo cotidiano
​La cinematografía no busca el espectáculo, sino la cercanía. Los planos fijos de los rostros de la familia, las miradas que se evaden y la calidez de los interiores chinos nos hacen sentir como un pariente más. Es una película que se siente como una fotografía vieja que guardas en la billetera: un poco desgastada, pero llena de significado.
​Al final, The Farewell nos deja con una pregunta que nos desarma: ¿Cómo nos despedimos de quien aún no se ha ido? Y nos responde con la mayor verdad humana: lo hacemos estando presentes, aunque nos duela el alma.
​Valoración
​⭐⭐⭐⭐⭐ (5/5)
​Es una obra maestra de la empatía que te hará querer llamar a tus abuelos en cuanto aparezcan los créditos.

Ver Persépolis no es solo ver una película; es asomarse por una cerradura al alma de alguien que intenta descubrir quién es mientras el mundo a su alrededor decide incendiarse. Basada en la novela gráfica de Marjane Satrapi, esta obra es un recordatorio punzante de que, detrás de los grandes titulares de la historia y los conflictos geopolíticos, hay niñas que quieren escuchar a Iron Maiden y abuelas que huelen a jazmín.
​Aquí te comparto una breve reseña desde el corazón:
​El peso de crecer entre dos mundos
​La película nos lleva de la mano de Marjane, una niña con una imaginación desbordante y una honestidad brutal. A través de sus ojos, vemos la transición del Irán de los Shah a la Revolución Islámica. Lo que hace que Persépolis sea tan profundamente humana es su negativa a ser una "lección de historia" seca. En cambio, es una historia de supervivencia emocional.
​La pérdida de la inocencia: Es desgarrador ver cómo el juego y la curiosidad infantil son reemplazados por el miedo y la necesidad de ocultar quién eres.
​La soledad del exilio: Cuando Marjane es enviada a Europa, la película captura perfectamente esa sensación de ser "demasiado extranjera" en todas partes. No eres lo suficientemente iraní para los de casa, ni lo suficientemente occidental para los de afuera.
​El amor como ancla: La relación con su abuela es, quizás, el punto más luminoso del filme. Esa voz de sabiduría que le recuerda que "la integridad es no ser nunca hipócrita contigo misma" es el hilo que evita que Marjane se pierda en el abismo.
​Una estética que grita
​El uso del blanco y negro no es solo una elección artística; es una forma de despojar la realidad de distracciones para centrarnos en lo esencial: las expresiones, el humo de un cigarrillo, las sombras del miedo. La animación tiene una sencillez que duele, logrando que nos identifiquemos con Marjane sin importar de qué país vengamos.
​Reflexión final
​Persépolis nos enseña que la libertad no es una idea abstracta, sino el derecho a caminar por la calle, a amar a quien quieras y a cometer tus propios errores. Es una película sobre el exilio interno y externo, y sobre la increíble resiliencia del espíritu humano cuando decide que, a pesar de todo, no va a callarse.
​"Siempre recuerda que si el mundo te parece amargo, es porque no has mirado con suficiente atención la belleza que guardas dentro."
​Valoración:
💫 💫 💫 💫 💫

El peso de vivir un presente perpetuo
​La premisa nos introduce a Maori, una chica con amnesia anterógrada (cada noche su memoria se reinicia), y a Torū, un joven que decide amarla bajo una regla inusual: "No nos enamoremos de verdad".
​Lo que hace que esta película se sienta tan humana no es el drama médico, sino la cotidianeidad del esfuerzo. Ver a Maori despertar cada mañana y tener que leer su propio diario para saber quién es, es un recordatorio brutal de que nuestra identidad es, en esencia, nuestra memoria. La película nos pregunta: ¿Seguimos siendo nosotros si olvidamos lo que sentimos ayer?
​La belleza del sacrificio invisible
​Torū no es el héroe clásico; es un chico que entiende que el amor a veces consiste en construir castillos de arena sabiendo que la marea subirá cada noche. Su empeño en hacer que cada día de Maori sea "el mejor día" es un acto de generosidad que trasciende el romance juvenil.
​Hay algo profundamente conmovedor en la cinematografía: esos tonos cálidos, la luz del atardecer y el ritmo pausado nos obligan a apreciar el instante. Nos dice que, aunque el mañana sea un lienzo en blanco (o borrado), el calor de una mano sostenida hoy tuvo un valor infinito.
​El duelo y la memoria del corazón
​Sin entrar en spoilers, la película gira hacia una reflexión sobre el impacto que dejamos en los demás. Nos enseña que, aunque la mente olvide, el cuerpo y el entorno guardan ecos de ese amor. Es una exploración sobre cómo las personas que pasan por nuestra vida nos modifican para siempre, incluso si sus nombres se desvanecen de nuestro registro consciente.
​Lo mejor:
​La química natural y sin pretensiones de los protagonistas.
​Una banda sonora que te susurra la tristeza antes de que llegue.
​El manejo del diario como un personaje más de la historia.
​Lo difícil:
​Es una película que requiere pañuelos. Muchos. No intenta ser cínica, busca la emoción pura, y eso puede resultar abrumador para algunos.
​Valoración
​Le doy esta puntuación porque, aunque recurre a ciertos clichés del género, los eleva con una sensibilidad poética que se queda contigo mucho después de que aparecen los créditos.
​Puntuación: ⭐⭐⭐⭐½ (4.5/5)

Curioso polizziotesco de Enzo Castellari desde una perspectiva un tanto diferente: Esta vez la historia no es vista a través de los ojos de un policía, ni a través los de un delincuente; sino desde el punto de vista del ciudadano común y corriente, que harto de la ola de crímenes y de la ineficiacia policial está dispuesto a asumir los riesgos necesarios para convertirse él mismo en “justiciero”… aunque sus procedimientos amateur dejen al inicio bastante que desear.

Viendo sobre todo las escenas iniciales de este film, resulta bastante bastante obvio de dónde recogieron su inspiración directores como Martin Scorsese (las escenas violentas con música de fondo recuerdan a “Casino” -1995- o “Goodfellas” -1990) para rodar algunas películas de su exitosa filmografía. Castellari es sin duda uno de los directores a los que Scorsese le debe mucho. Tarantino, por su parte, no es que “se inspire”, sino que más bien plagia y recicla en numerosas ocasiones el estilo italiano-setentero (inclusive en la música) tan característico de los polizzioteschi.

Muy buena, por cierto, la banda sonora de los hermanos De Angelis.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Este excelente thriller psicológico cargado de hitchcockiano suspense y elementos morbosos combina armoniosamente el giallo más intrigante con el terror gótico más oscuro – el policiaco con la ultratumba, las fechorías del psicópata estereotípico con las sobrenaturales influencias del Más Allá. No sería de extrañar que la lectura de las obras de Edgar Allan Poe hubiera contribuído a la concepción y al desarrollo de esta singular historia que nos narra el poco conocido guionista y director Mino Guerrini.

La película impresionó hondamente a Joe D'Amato, cuya obra maestra “Buio Omega” (1979) está obviamente inspirada en “Il Terzo Occhio” – hasta el punto en que por muchos es considerada un remake (el joven taxidermista que momifica a su novia, la siniestra criada, la hermana gemela de la novia muerta que aparece en el momento menos pensado…). Sin embargo huelga decir que la película de Guerrini no se aproxima ni ligeramente a los niveles de gore que impregnan a la explícita “Buio Omega”.

La tétrica y claustrofóbica atmósfera está sumamente bien lograda, algo que el blanco y negro contribuye a acentuar. Al no haber sido rodada en color, la película parece más antigua de lo que realmente es; una característica que comparte con otros films de estética y calidad parecida como la memorable “Carnival of souls” (1962) de Herk Harvey, o la interesante pero ligeramente inferior “Dementia 13” (1963) una de las primeras películas de F.F. Coppola.

También “Santa sangre” (Alejandro Jodorowsky, 1989) recuerda, en lo que concierne al tema, al argumento de esta película.

Destaca la interpretación del gran Franco Nero en el papel principal del joven y atormentado conde: Su descenso en el pozo sin fondo de la locura resulta sumamente perturbador.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

La voluptuosa Edwige Fenech, que interpreta aquí a la protagonista, sería la musa indiscutible del director Sergio Martino para gran parte de su filmografía setentera.

Esta propuesta puede encuadrarse en el subgénero de «giallo erótico», donde el componente sexual (o al menos, sensual) es de gran peso. No hay sexo explícito, pero sí abundan los desnudos y las escenas subidas de tono. Las intrigas de la alta sociedad, así como la compleja psicología de los personajes y sus romances, se entremezclan aquí con el suspense detectivesco matriz del giallo.

El maníaco sexual asesino de prostitutas, que siembra el terror en Viena, casi parece un elemento de relleno; para que la historia avance mediante la investigación policial. La figura central es sin duda la «sra. Wardh» a la que alude el título; sus conflictos con los hombres y consigo misma. Pero si los crímenes tienen algo que ver con ella, el nexo que existe entre las víctimas y Julie, es algo que no revelaré.

Es bueno que la trama y los giros que va dando la historia sean sencillos de seguir, al no haber demasiados personajes. Los gialli demasiado enrevesados terminan por confundir y aburrir al espectador.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Muy buena serie

Vista el 11/03/2026.
Novedosa, frenética y con una propuesta más que interesante.
Muy buena película de terror.

Vista el 10/03/2026.
Lo más resaltante son los gráficos con los que se construye esta película, perfectos.
Por otro lado; la trama, personajes y situaciones pudieron dar para más. El tema es muy importante y creo que queda a deber -un poco- al final, sin embargo, sigue siendo una historia de obligatorio visionado.