Reseñas

Me gusta el desarrollo de los personajes

La mejor película de superhéroes

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Aburrida.

buena

Hablar de The Wire no es hablar de una serie; es hablar de esa herida abierta que tenemos como sociedad y que preferimos tapar con una tirita. Si estás buscando el clásico juego de policías buenos contra ladrones malos, mejor busca en otro lado. Aquí no hay héroes de capa blanca ni villanos de caricatura; solo hay personas tratando de sobrevivir a instituciones que, por diseño, están rotas.
​Lo que David Simon logró es algo casi doloroso de ver. Baltimore es el escenario, pero podría ser cualquier ciudad donde el sistema —ya sea la policía, el sindicato del puerto, la política o las escuelas— ha dejado de servir al individuo para servirse a sí mismo.
​Por qué te rompe el alma (y te vuela la cabeza)
​La humanidad en el gris: Lo más impactante es cómo terminas empatizando con un camello de esquina tanto como con un detective alcoholizado. Entiendes que Bubbles no es solo un adicto, sino un hombre con una nobleza que ya querrían muchos concejales. Entiendes que Stringer Bell no es solo un criminal, sino alguien que intenta jugar a un capitalismo que nunca le dará un asiento en la mesa.
​El ritmo de la vida real: La serie no tiene prisa. Se toma su tiempo para que sientas el tedio de las esperas, la burocracia asfixiante y la frustración de ver cómo, justo cuando algo parece que va a cambiar, el "sistema" se encarga de reajustarse para que todo siga igual.
​La tragedia griega moderna: Hay una sensación de fatalismo. Los personajes están atrapados en engranajes que no pueden controlar. Ver a McNulty luchar contra su propia autodestrucción o a los niños de la cuarta temporada perder la inocencia antes de saber multiplicar es, sencillamente, demoledor.
​El veredicto personal
​Ver The Wire requiere paciencia, pero la recompensa es una de las experiencias más profundas que te puede dar una pantalla. Te cambia la forma de mirar la calle, de entender las noticias y de juzgar a los demás. No es entretenimiento ligero; es un espejo sucio donde nos reflejamos todos.
​"Aceptamos el mundo tal como es, o luchamos por lo que debería ser. Pero en Baltimore, el mundo siempre gana."
​Valoración: 10 / 10
(Para mí, Es, probablemente, la mejor pieza de narrativa audiovisual jamás creada sobre la condición humana en la modernidad).
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Hay historias que no se ven, se huelen. Y Landman (o Landman: Un negocio crudo) huele a gasoil, a sudor rancio y a ese aroma metálico que desprende el dinero cuando está manchado de tierra.
​No es solo una serie sobre petróleo; es una autopsia de lo que estamos dispuestos a sacrificar por mantener encendida la luz de nuestra casa.
​El rugido de la West Texas
​Desde el primer minuto, la serie te agarra de la solapa y te arrastra al lodo de la cuenca del Pérmico. Aquí no hay oficinas con aire acondicionado ni tipos en traje tomando decisiones asépticas. Aquí hay "landmen", esos tipos que operan en la frontera de la legalidad y la moralidad para conseguir derechos de perforación.
​Taylor Sheridan, el arquitecto detrás de este universo, vuelve a demostrar que nadie retrata mejor la masculinidad herida y la rudeza del Estados Unidos profundo. Pero en esta ocasión, hay una vibración distinta. No es el romanticismo de los vaqueros de Yellowstone; es el pragmatismo brutal de un mundo donde un error de cálculo no te quita una vaca, sino que te vuela la cabeza en una explosión de gas.
​Un reparto con la piel curtida
​Billy Bob Thornton: Está inmenso. Tiene esa mirada de quien ha visto demasiadas cosas arder y ya no se molesta en parpadear. Su personaje, Tommy Norris, es el eje de este caos: un hombre que gestiona crisis humanas con la misma frialdad con la que negocia un contrato millonario.
​La atmósfera: El paisaje es un personaje más. El desierto de Texas se siente asfixiante, vasto y, a ratos, extrañamente hermoso. La serie logra que sientas el calor en la nuca y el polvo en los pulmones.
​Lo que duele (y lo que brilla)
​Lo más humano de Landman no son los grandes discursos, sino los silencios. Es la relación rota de un padre con sus hijos en un entorno que devora familias, y es la desesperación de los obreros que se juegan la vida por un cheque que apenas les permite seguir soñando.
​A veces peca de ser "demasiado Sheridan" (diálogos sentenciosos y tipos muy duros diciendo cosas muy duras), pero se le perdona porque la crudeza se siente real. No busca ser una lección de ecología ni una oda al capitalismo; simplemente te muestra el motor del mundo y te pregunta si te gusta cómo ruge.
​Valoración Final
​Narrativa: 8/10
​Actuaciones: 9/10
​Ambientación: 9.5/10
​Puntaje Global: 8.8/10
​Veredicto: Una serie necesaria para quienes disfrutan de los dramas con textura, donde el conflicto no está en quién dispara primero, sino en quién aguanta más tiempo sin quebrarse bajo la presión del oro negro.
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Hablar de Sirát: Trance en el Desierto no es hablar simplemente de una película; es sumergirse en una experiencia sensorial que se siente más como un susurro al alma que como un producto cinematográfico. Es de esas obras que no se ven con los ojos, sino con los poros de la piel.
​Una Odisea del Silencio
​La cinta nos arroja a la inmensidad de las dunas, pero el verdadero paisaje no es el de arena, sino el de la soledad humana. La dirección logra algo casi imposible en estos tiempos de ruido constante: que el silencio hable. En cada plano largo, en cada ráfaga de viento que azota la cara del protagonista, sentimos el peso de nuestras propias búsquedas y la fragilidad de nuestra existencia.
​Lo que hace que Sirát se sienta tan humana es su capacidad para capturar la vulnerabilidad. No hay héroes aquí, solo un ser que se despoja de sus máscaras mientras el sol abrasador y el frío nocturno le arrebatan todo lo superficial. Es un recordatorio de que, al final del día, todos estamos cruzando nuestro propio desierto personal, tratando de encontrar un sentido de pertenencia o una redención que parece siempre estar un paso más allá del horizonte.
​El Trance Visual y Sonoro
​La fotografía es una carta de amor a la luz. Los tonos cálidos no solo representan el calor físico, sino la intensidad de las emociones contenidas. Pero es el diseño sonoro el que nos induce al "trance":
​El crujido de la arena: Se convierte en el latido del corazón del espectador.
​La música minimalista: Aparece justo cuando el dolor es demasiado grande para las palabras.
​Es una película lenta, sí. Pero es la lentitud de una respiración profunda antes de un llanto necesario. Se toma su tiempo porque la sanación y el autodescubrimiento no conocen de prisas ni de algoritmos.
​Valoración Final
​Sirát es un espejo. Si vas buscando acción, saldrás decepcionado; si vas buscando encontrarte o simplemente sentir la inmensidad de estar vivo, saldrás transformado. Es un testimonio de que el cine todavía puede ser un puente hacia lo sagrado que habita en lo cotidiano.
​Calificación: 9 / 10
Sentimiento: Una caricia necesaria para el espíritu cansado.

Buena

Esta co-producción italo-germana es una historia de misterio y enredos, en la que parece haber muchos implicados. La película carece de la estructura y el ritmo característicos del giallo, pero sí tiene bastantes elementos del subgénero; ya desde la primera escena (la pesadilla de la protagonista), en el que vemos a alguien siendo acuchillado por una mano sin que veamos al asesino.

Al film le cuesta arrancar, cautivar al espectador e incluso mantener su interés (al menos durante los primeros cuarenta minutos). El director de la propuesta, Mario Caiano, realizó también “Ombre roventi”, un thriller con elementos sobrenaturales ambientado en Egipto, y que resulta mucho más interesante. Asimismo, Caiano dirigió el western cómico “Mi nombre es Shanghai Joe” sobre las peripecias de un chino en el Lejano Oeste.

La protagonista Julie está encarnada por Rosemary Dexter, quien participa en “Justine” (1969) adaptación a la gran pantalla por parte de Jesús Franco de la obra homónima del Marqués de Sade. A Frank lo interpreta Adolfo Celi, un rostro muy popular del cine italiano de género a quien vimos en la muy recomendable “…Hanno cambiato faccia” (Corrado Farina, 1971) y en “La mala ordina” (Fernando Di Leo, 1972). Alida Valli da vida a Gerda. Esta actriz de rancio abolengo aristocrático (era baronesa, y su nombre completo Alida Maria Laura Altenburger von Marckenstein-Frauenberg) participó en obras maestras del giallo como “Suspiria” (1977) e “Inferno” (1980), ambas de Dario Argento.

En general, “El ojo en el laberinto” es, pese a su atractivo título, un giallo menor, una película prescindible. El espectador, que durante la primera mitad tiene la esperanza de que la historia vaya tornándose intrigante, termina volviéndose indiferente a lo que acontece en la pantalla. Ni el buen trabajo de varios de los actores (especielmente el del veterano y curtido Adolfo Celi) logran aquí romper con el tedio. Al menos, la propuesta cuenta con un interesante giro de guión hacia el final, una sorpresa que logra arrancar al espectador del aburrimiento en el que irremisiblemente va cayendo el largometraje.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Rutinario aunque interesante polizziesco con la habitual (en Italia) temática setentera de la inseguridad ciudadana y la consiguiente ineptitud policial. David es el héroe solitario que se ve obligado a tomarse la justicia por su mano, luchando contra un “Goliath” de dos cabezas – Una de ellas el crimen organizado, y la otra los policías corruptos.

En la película hay varias escenas de acción características del subgénero, como tiroteos y persecuciones callejeras; pero no son éstas lo fundamental en el largometraje. La trama invita a la reflexión sobre la pasividad policial frente a ciertos tipos de delincuencias (un tema muy en boga en la Italia de aquellos años y que hoy vuelve a ser de actualidad en toda Europa; aunque ya no se hagan películas al respecto y los medios de comunicación busquen muchas veces encubrir o silenciar esos hechos…) Esa pasividad, que algunos califican de complicidad, es el caldo de cultivo ideal para que surjan movimientos partidarios de una mano dura tal vez excesiva – De forma que se pasa de un extremo a otro y terminan pagando justos por pecadores…

Un grupo parapolicial clandestino es el tema central en “La policía agradece” (Steno, 1972). Esta “El hombre de la calle hace justicia” fue dirigida por un experto en la materia, Umberto Lenzi, célebre por violentas películas como “Milano Odia: La polizia non può sparare” (1974), o “Roma a mano armata” (1976); protagonizadas ambas por Tomas Milian. Más adelante, Lenzi entraría en el campo del exploitation, rivalizando con Ruggero Deodato en el subgénero de caníbales. También dirigiría la infravalorada y poco conocida “Incontro nel ultimo paradiso” a.k.a. “Daughter of the jungle” con la voluptuosa Sabrina Siani como figura principal.

David está interpretado por Henry Silva, actor neoyorkino de origen puertorriqueño; con roles de gélido y taciturno sicario en la excelente “Il Boss” (Fernando Di Leo, 1973) o en la memorable “Quelli che contano” a.k.a. “Los que no perdonan” (Andrea Bianchi, 1974). También aparece en la coproducción italo-germana “Los ángeles de oro” a.k.a. “Battle of the godfathers” (Jürgen Roland, 1969) o en “La mala ordina” (Fernando Di Leo, 1972).

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Riccardo Freda puede considerarse el padre del terror gótico a la italiana. Sería sin duda su discípulo Mario Bava quien desarrolló ese género (y Bava a su vez fue en 1963 el director del primer giallo oficial, «La muchacha que sabía demasiado», tomándole a continuación Dario Argento el relevo en ese otro género).

Al comienzo de los setenta, viendo el éxito que los gialli comenzaban a cosechar, Freda quiso incursionar también en ese nuevo estilo. Freda no estuvo satisfecho con este thriller diplomático y prefirió firmar la película con el pseudónimo «Willy Pareto». Sin embargo, aunque en su conjunto pueda resultar un producto mediocre, la película también tiene momentos interesantes.

El título hace referencia a un comentario del comisario, quien establece una analogía entre las iguanas y el asesino, ya que las iguanas son muy hábiles a la hora de mimetizarse. Además, “las iguanas son de aspecto horrible pero inofensivas”, y el comisario intuye que en el caso del asesino es al revés.

Hay algún toque de humor, sobre todo de la mano de la simpática ancianita madre de Norton, que también hace gala de nociones detectivescas como si de una Miss Marple se tratara.

Es cierto que durante gran parte del metraje abundan momentos un tanto soporíferos, pero la película cuenta con un tenso y brutal clímax.

Es curioso el llamativo parecido físico aquí entre Luigi Pistilli (quien interpreta al protagonista Norton) y James Caan como Sonny Corleone en “El Padrino” (F.F. Coppola, 1972). Dagmar Lassander, a la que vimos en la muy recomendable “Il rosso segno della follia” (Mario Bava, 1970) encarna a Helen.

Entre los demás actores destacan Valeria Cortese como la mujer del embajador (histriónica señorona aficionada a unos extraños cigarrillos negros) y Dominique Boschero como la cantante del cabaret. La primera participa en “La muchacha que sabía demasiado” (Mario Bava, 1963) y la segunda forma parte del cuarteto de la muy recomendable “Líbido” (Ernesto Gastaldi, 1965).

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Interesante

¿La desesperación te enseña a ser despiadado?Acabo de ver 7 Cajas (2012), este filme paraguayo que me ha dejado las manos sudorosas y el corazón en la garganta.
He tenido grandiosas experiencias con el cine de Paraguay (y sudamérica), y oh, Dios mío, no tengo la menor duda de que saben CONTAR HISTORIAS; como por ejemplo, la espectacular El viaje hacia el mar (2003).
Siempre voy a repetir hasta el cansancio que no es lo que dices, sino CÓMO. Y acá nos demuestran que no existe historia pequeña cuando tienes el talento y la capacidad para hacer que el espectador se emocione, sude, miente madres en voz baja (o en voz alta), sonría en lo caótico, llore y no encuentre ni un segundo de descanso.
7 Cajas es una obra de arte en todo aquello que podamos nombrar CINE; porque rearma un mercado en un laberinto infernal donde la necesidad es el común denominador y que, sin importar el estatus, todos los habitantes han naturalizado su presencia: la pobreza extrema.

En el filme, la desesperación justifica la crueldad, incluso la enseña, la contagia, la vuelve el aprendizaje de cada esquina.
Y lo peor (o lo más ingenioso) es que te obliga a preguntarte: ¿y yo? ¿En qué punto dejaría de ser “bueno” si la vida me arrinconara en un contexto social así? Sin opciones.
¡Qué película!. Qué forma de narrar la carencia de piedad, y a la vez, la esperanza de una humanidad que también lucha contra la mierda.
Paraguay siempre ha sabido realizar el cine que debemos voltear a ver, el cine que sacude y no te suelta nunca. ¡¡¡Tengamos fe!!!!!

me necanto

Unica

mjkimim

muy buena

Pasante de Moda (The Intern) no es solo una película sobre el mundo corporativo o el choque generacional; es una carta de amor a la relevancia humana. Es un recordatorio de que, en un mundo obsesionado con la velocidad y los algoritmos, la sabiduría silenciosa y un pañuelo de tela en el bolsillo todavía tienen un valor incalculable.
​Aquí tienes una reseña desde el corazón:
​El valor de ser visto y escuchado
​La historia nos presenta a Ben Whittaker (Robert De Niro), un viudo de 70 años que descubre que la jubilación no es el paraíso de descanso que le prometieron, sino un vacío de propósito. Su decisión de entrar como pasante en una startup de moda no es por dinero, sino por la necesidad vital de sentirse útil.
​Por otro lado, tenemos a Jules Ostin (Anne Hathaway), una fundadora brillante pero abrumada, atrapada en el torbellino de su propio éxito y luchando contra el síndrome del impostor y las grietas en su vida personal.
​¿Por qué nos toca el alma?
​La mentoría inversa: Lo hermoso de la película es ver cómo la relación se transforma. Jules cree que ella debe enseñar a Ben a usar el correo electrónico, pero es Ben quien termina enseñándole a Jules a confiar en su propio instinto y a valorar su propio esfuerzo.
​La caballerosidad como empatía: Ben no es "chapado a la antigua" por rigidez, sino por respeto. Su presencia calma el caos de la oficina. Nos enseña que el éxito no sirve de nada si no tienes a alguien con quien compartir un café y una charla honesta.
​La vulnerabilidad sin prejuicios: No hay villanos de caricatura. Hay seres humanos cansados, asustados y buscando una conexión real en una era digital.
​"La experiencia nunca pasa de moda." Esta frase resume la esencia del filme: el conocimiento técnico se adquiere, pero la templanza y el carácter se forjan con los años.
​Valoración: 💫💫💫💫 (4/5 Estrellas)
​Le doy cuatro estrellas porque, aunque tiene momentos de comedia ligera que rozan lo idealista, su núcleo emocional es genuino. Es una película "refugio" que te hace querer llamar a tus padres o abuelos y, al mismo tiempo, te motiva a seguir construyendo tus sueños con un poco más de paciencia.
​Lo mejor: La química entre De Niro y Hathaway. Se siente como una amistad real que trasciende la pantalla.

Hay películas que se ven con los ojos y otras que se sienten con el pecho apretado, entre la risa y la congoja. Florence: la mejor peor de todas (Florence Foster Jenkins) es, ante todo, un recordatorio de que el amor no siempre es decir la verdad; a veces, el amor es sostener una mentira para que el otro no se rompa.
​Aquí te comparto mi reseña desde la fibra más humana:
​El coraje de ser ridículamente feliz
​La historia de Florence no es la de una mujer sin talento, sino la de una mujer con un exceso de entusiasmo que el mundo no sabe dónde meter. Meryl Streep nos entrega a una Florence frágil, marcada por la enfermedad, que encuentra en la música su única medicina.
​Lo que hace que esta película sea profundamente humana es el vínculo de protección que la rodea:
​St. Clair Bayfield (Hugh Grant): Su esposo, que vive en la cuerda floja entre la lealtad y el engaño piadoso. Su actuación nos hace preguntarnos: ¿Es cruel dejar que alguien haga el ridículo, o es el acto de amor más puro proteger su alegría a toda costa?
​Cosmé McMoon (Simon Helberg): El pianista que pasa de la burla al respeto. Él representa al espectador: empezamos riéndonos de ella y terminamos queriendo protegerla del resto del mundo.
​Lo que nos enseña sobre la vida
​La película nos golpea con una verdad incómoda: el talento es un accidente, pero la pasión es una elección. Florence sabía que el mundo podía ser cruel, pero decidió que su realidad sería distinta.
​"La gente puede decir que no sé cantar, pero nadie podrá decir nunca que no canté".
​Esa frase resume la esencia humana de la obra. Todos tenemos un "canto desafinado" en nuestro interior, algo que amamos hacer pero en lo que no somos expertos. La película nos abraza y nos dice que está bien ser mediocre si eso te mantiene vivo.
​Valoración 💫
​Puntaje: 💫💫💫💫 (4/5 estrellas)
​Es una película necesaria para los que han sentido miedo al "qué dirán". No es perfecta cinematográficamente, pero su corazón late con una fuerza que pocas historias logran.
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