Reseñas

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​Mi visión de "Sin Piedad"
​La película es, ante todo, un ejercicio de tensión pura. La premisa es ingeniosa: poner a un tipo como Chris Pratt —acostumbrado a papeles más físicos o de acción desenfadada— en una situación donde está prácticamente inmovilizado y debe luchar por su vida a través de la palabra y la lógica contra una jueza IA (interpretada con una frialdad fascinante por Rebecca Ferguson).
​Lo que me gustó (y lo que no tanto)
​El ritmo: No te da respiro. Al ocurrir prácticamente en tiempo real, sientes esa claustrofobia de los 90 minutos de cuenta atrás. Es una montaña rusa emocional que te mantiene pegado al asiento.
​La apuesta formal: Es valiente intentar hacer un thriller judicial donde el protagonista no se levanta de la silla. Funciona muy bien como entretenimiento ligero para disfrutar con palomitas.
​Donde chirría: Aquí es donde se vuelve humana la crítica. A veces, el guion intenta ponerse "profundo" con mensajes sobre la justicia automatizada y el futuro de la humanidad y, siendo sinceros, se siente un poco forzado o superficial. Hay momentos, especialmente hacia el final, donde la historia decide tomar el camino fácil del espectáculo en lugar de profundizar en la reflexión que ella misma plantea.
​En resumen, es una película de "usar y tirar", de esas que cumplen perfectamente su función de entretenerte un rato, pero que probablemente no cambiarán tu vida. Es un thriller frenético que se siente muy online, con sus pros (la inmediatez) y sus contras (cierta falta de peso narrativo).
​Valoración final
​Si tuviera que darle una puntuación, diría que se queda en un punto medio:
​⭐⭐⭐ (3/5)
​Es un sólido "está bien para pasar el rato". Si buscas una reflexión filosófica profunda sobre la IA, quizás te deje un poco frío, pero si quieres un thriller que no te deje mirar el móvil durante una hora y media, cumple con nota.

buena pelicula deterror favorita

Lo primero que voy a destacar es la fotografía, los planos cortos para crear esa intimidad que necesitan los personajes para su desarrollo. Los tonos elegidos entre atardeceres y anocheres que ayudan de forma efectiva al espectador a crear esa atmósfera de intriga policial .
Un detalle, aunque no esté calificada como drama, en la historia de estos hermanos hay sin resolver cuestiones del pasado que vuelven como flash back a lo largo de toda la película, que ayudan a entender mejor la relación entre ellos.
La trama es atrapante, con una tensión constante, que no deja lugar a lo predecible y por momentos se siente como una si fuese una serie por el ritmo más lento que le dan a la cinta hasta llegar al desenlace de la misma.
EXCELENTE actuación de Marco Antonio Caponi, que se mete de lleno en su interpretación, no sólo con la letra de su personaje, sino tb con todo su cuerpo, xq es uno de los pocos actores, (a mí humilde parecer),que logra trasmitir de forma muy orgánica el gen del personaje que le toque.
En cuanto al actor chileno, Pedro Fontaine, no tuve el agrado de verlo en otras de sus películas, pero este personaje lo llevó muy correctamente, debiendo darle una cierta inespresividad curiosamente necesaria para no saber que piensa o hacia donde se dirige su personaje.

La cinta es delicada, reflexiva, aunque abrumadora y tensa desde la primera toma.
Los primeros planos utilizados por el Director, ayudan al espectador a sentirse cercano a los personajes como también a tener una mirada más empática con la historia.
La interpretación de Vero Intile es totalmente genuina, natural y sostiene de forma muy acertada este personaje que aunque está gestando una vida ...antes necesita volver a sentirse MUJER.
Andrés Ciavaglia y Ezequiel Tronconi completan el trío de la trama, con personajes muy opuestos entre si, interpretados exquisitamente y que son fundamentales para entender la complejidad del AMOR cuando se busca concretar el proyecto de familia.
El film se hace disfrutable porque se va cocinando a fuego lento, con buena banda sonora y escenarios naturales.
Con el sello de abordar un tema tan delicado como es subrogar un vientre hoy en la Argentina.

Una batalla tras otra... contra el espectador

La película satiriza y ridiculiza tanto a un líder de un grupo revolucionario llamado French 75, encarnado por Leonardo Di Caprio, como a su némesis, un militar racista con aspiraciones supremacistas a cargo de Sean Penn, en algún punto homologándolos.

Más que ofrecer una crítica político-social con eje en las políticas contra los migrantes mexicanos, la intervención represiva interna de las FFAA de EEUU y el accionar de sus grupos supremacistas., PT Anderson termina banalizándolos y reduciéndolos a un mero marco para el desarrollo de un culebrón familiar.

Película cara, una batalla tras otra apuesta a la saturación y se hace eterna, agotadora, con sus más de dos horas de duración y una banda sonora exasperante. Es demagógica y apuesta a un tono de comedia que no divierte... pero tampoco incomoda.

La historia cuenta cómo Violeta Rauch, una exitosa influencer que a travez de la fe decide abandonar todo su mundo. Motivo por el cual es capturada e interrogada por la presidenta de un país y por un poderoso empresario que busca dominar el mundo con un chip que se implanta directo al cerebro buscando el control total.
Es una película experimental guionada y dirigida por Gerard Marco de mas que fusiona el teatro con el cine en un entorno totalmente minimalista, filmando algunas escenas en blanco y negro transmitiendo nostalgia e inseguridad y otras en color como los videos que realiza la influencer en Instagram, representando a mi parecer a un mundo irreal.
En cuanto a las actuaciones solo voy a destacar a la de Clara Kovasic ya que hizo un excelente trabajo de interpretación aportandole fuerza a su personaje y dandole credibilidad a sus diálogos.
Sin extenderme demasiado quiero decirles que es un film recomendado para Cinéfilos y Cinéfilas de mente abierta que buscan ver algo diferente en la pantalla grande.

'The Dinosaurs' es una muy buena miniserie documental, que va contando el surgimiento, evolución y extinción de los dinosaurios, con una buena cantidad de detalle. Excelente recreación del planeta, la fauna y flora y los eventos de extinción, mediante efectos por computadora de mucha calidad. La narración de Morgan Freeman es imponente y acertada. Junto con un buen desarrollo de los sucesos, logran transportar a la audiencia a períodos de total supervivencia.

'Vladimir' es una serie de drama y comedia, que sabe bien como mezclar ambas con un toque adicional de erotismo, en una trama nada convencional. Acusaciones interesantes por parte de Rachel Weisz, Leo Woodall y John Slattery, con buen uso de la ruptura de la cuarta pared, en el caso de la primera. La serie, a pesar de tener un estilo poco común, logra revisionar posturas morales y sociales complejas, desde una perspectiva más interna, más cercana a lo académico. Punto alto ahí. Buen ritmo, dirección y duración de los capítulos. Se hace disfrutable y tiene un giro interesante al final.

Thriller de tintes melodramáticos y románticos protagonizado por Carrol Baker y Jean Sorel. Venganzas y resentimientos, traiciones y engaños, así como codicia y mezquinos intereses económicos se entremezclan en el cúmulo de motivaciones que impulsan a los personajes. Entre ellos también destaca Ida Galli como Susan, y Luigi Pistilli como Phillippe.

Sin embargo, la película a duras penas puede ser considerada un giallo al uso (como habitualmente viene siendo catalogada). No veremos aquí asesinos misteriosos de negros guantes ni una historia detectivesca como esqueleto argumental. Se pone mayor hincapié en el melodrama y las relaciones entre parejas que en el suspense y la intriga. Por ello puede resultar un tanto decepcionante para los adeptos más puristas del giallo.

Sin embargo, en su último tramo la película toma un giro argumental sorprendente y muy efectivo, a la vez que convincente. De ese modo, en su conjunto, el film resulta bastante aceptable.

Las película fue dirigida por Romolo Guerrieri, hermano de Marino Girolami y tío de Enzo G. Castellari (ambos a su vez también directores).

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Ambientado en un gris y nublado Londres otoñal, que por su atmósfera se presta de forma idónea para esta clase de películas, la co-producción italo-española «Todos los colores de la oscuridad» supone un cruce entre el giallo y el terror de corte satánico que tan de moda se pondría tras el éxito de «La semilla del Diablo» (Roman Polanski, 1968). Hay bastantes semejanzas estilísticas y argumentales entre el film de Polanski y la propuesta que hoy reseñamos. La ambientación, y la sensación que transmite el film al espectador, es muy similar en ambas producciones. Tal vez Kubrick se inspiró, décadas después, en la escena del “sabbat” para recrear los rituales en su “Eyes wide shut” (1999).

La película también tiene trazos de terror psicológico (además del terror paranormal), pues la protagonista se ve atormentada por ciertas realidades paralelas, por horripilantes visiones, y también tendrá lugar un déja-vu. Jane se siente próxima a la enajenación y a la fragmentación de su personalidad por trauma, un fenómeno muy explotado por las sectas. Se puede entrever aquí que la satánica secta en cuestión es “mucho más poderosa” de lo que podría pensarse, y que tiene bien estructuradas ramificaciones en centros de poder. (...)

Jane está interpretada por una habitual de Sergio Martino: La curvilínea y sensual Edwige Fenech. Magistral banda sonora del compositor Bruno Nicolai. El psiquiatra está encarnado por un habitual actor del género, el argentino George Rigaud, y para tranquilizar a su paciente dice una interesante frase: “Los verdaderos locos son los que piensan que no lo están”.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Es maravillosa

Hyn

Giallo-slasher de Lenzi con título zoomórfico como en aquellos años se estilaba (Me refiero al título original, que en italiano es "Gatos rojos en un laberinto de vidrio"). En su planteamiento nos recuerda a los “Diez negritos” de Agatha Christie, aunque los crímenes se desarrollan mayormente en lugares distintos y en espacios abiertos (no en una sola mansión como es el caso en la famosa novela). La co-producción italo-española fue rodada en Barcelona y Sitges.

En el elenco interpretativo destaca Ines Pellegrini como Naiba. Esta actriz, de origen eritreo, participó en “Las mil y una noches” (1974) y “Salò o las 120 jornadas de Sodoma” (ambas de Pier Paolo Pasolini). La argentina Mirta Miller, que en España participó en varias películas de la época del “destape” encarna aquí a la fotógrafa Lisa. También argentino era George Rigaud, quien aquí hace las veces del reverendo Bronson. Rigaud partició en numerosos productos españoles e italianos de la época.

El asesinato en el parque de atracciones recuerda a una situación muy parecida en el giallo “Muchacha desnuda asesinada en el parque” (Alfonso Brescia, 1972), que también está ambientado en España.

El asesino (o asesina), no lleva esta vez unos guantes de cuero negros, sino unos rojos de goma. Además, viste un impermeable también rojo que le oculta todo el cuerpo, incluída la cara. Por ello, cuando la policía interroga a una testigo que presenció la huída del criminal, ésta dice que (como la figura además era muy ágil) parecía “un gran gato rojo”. Lo del “laberinto de vidrio” tiene que ver con los ojos extraídos, y cobrará su sentido en la conclusión del film.

Buen suspense, giros de guión y escenas impactantes (que disculpan alguna que otra incoherencia). Digna de ser destacada es también la banda sonora de Bruno Nicolai, habitual colaborador de Ennio Morricone.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es
fhpbooks

En este enrevesado giallo (co-producción hispano-italiana) hay que estar bien atentos a lo que va sucediendo en pantalla, pues la historia se hace en ocasiones bastante compleja y difícil de seguir. Las apariencias engañan. No obstante la trama fluye sin resultar aburrida ni hastiar, pues está muy bien hilvanada. Los detalles cuadran al milímetro. El suspense mantiene el interés del espectador, pese a estar en ocasiones semioculto bajo alguna capa de ñoña romanticonería. El espectador avispado empezará a vislumbrar la realidad de la historia, antes de que llegue la gran sorpresa del clímax.

La investigación se realiza a tres bandas (que en ocasiones confluyen y otras veces divergen), por un lado la policía griega, y por los otros el investigador del seguro Peter (con la reportera Cléo) y el agente de la Interpol John. Este piensa inicialmente que el asesino es un maníaco sexual, pero al parecer hay otras motivaciones aún más oscuras (aunque no menos psicopáticas).

Martino logra con gran acierto crear tensión en los momentos de los crímenes (como haría también en su muy recomendable “I corpi presentano tracce di violenza carnale” (“Torso”), de 1973.

Veremos varias de las señas de identidad típicas del giallo, a saber: Misteriosos asesinos con guantes de cuero negros, afilados cuchillos de hojas relucientes, pistas falsas, estilizada violencia con sangre artificial a tutiplén, y hermosas mujeres en peligro.

El título del film hace referencia a unos gemelos con forma de escorpión que pierde el asesino en una de sus incursiones. Podría ser una pista… o un elemento destinado a despistar. Los investigadores deberán averiguarlo.

En el elenco destacan las bellas Ida Galli como Lisa, y Anita Strindberg como la reportera Cléo. También los argentinos George Hilton (como Peter) y Alberto de Mendoza ( este último lo vimos en “El hombre más venenoso que una cobra” de Bitto Albertini, también rodada en 1971). Luigi Pistilli, rostro habitual de spaghetti-westerns, gialli y polizzieschi interpreta aquí al inspector Stavros.

Uno de los guionistas fue el hábil Ernesto Gastaldi (director a su vez de la maravillosa «Líbido», de 1965). También es digna de mención la banda sonora de Bruno Nicolai, colaborador del gran Ennio Morricone.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Excelente

Hablar de Luces de la ciudad (1931) es, en el fondo, hablar de lo que nos queda cuando nos quitan todo lo demás. No es solo una película "muda" —aunque Chaplin ya desafiaba al mundo con su silencio en plena era del cine sonoro—; es un testamento sobre la dignidad de los que no tienen nada más que un corazón demasiado grande para sus bolsillos.
​La tragicomedia de existir
​Lo que más me conmueve de esta historia no es el humor físico (que es brillante), sino la vulnerabilidad absoluta. Charlot, el vagabundo, se enamora de una florista ciega que lo confunde con un millonario. Y ahí reside la magia: él no intenta engañarla por vanidad, sino por una devoción casi religiosa. Quiere que ella crea en un mundo mejor del que él habita.
​Hay escenas que te aprietan el pecho:
​La amistad intermitente: Ese millonario que solo reconoce a Charlot cuando está borracho es una metáfora perfecta de la hipocresía social. Somos visibles solo cuando el otro necesita compañía en su miseria.
​El sacrificio: Ver a Charlot recibir golpes, meterse en líos y terminar en la cárcel solo para pagar la operación de la vista de la chica, nos recuerda que el amor no es un sentimiento, es un acto de servicio.
​El final que todavía nos hace llorar
​Si hay un momento que define el cine es el reencuentro final. Ella ya ve; él acaba de salir de prisión, más andrajoso que nunca. Cuando ella le toca la mano y reconoce la textura de la bondad, no hace falta ni una sola palabra.
​"¿Puedes ver ahora?", pregunta él. "Ahora puedo ver", responde ella. Es una bofetada de realidad: ella ve al hombre, no al dinero. Es, posiblemente, el cierre más honesto y desgarrador de la historia de la pantalla.
​Veredicto personal:
Es un recordatorio necesario de que la riqueza es una cuestión de perspectiva y que la comedia, para que sea eterna, debe tener siempre una pizca de tristeza.
​Valoración: 💫💫💫💫💫

La película Incendies, conocida en español como La mujer que cantaba, es una obra profundamente conmovedora que demuestra el poder del cine para explorar la memoria, el dolor y las heridas que dejan las guerras. Dirigida por Denis Villeneuve, la historia avanza como un rompecabezas emocional que se arma lentamente, obligando al espectador a enfrentarse a verdades incómodas sobre la violencia, la identidad y el destino.

La trama comienza con la muerte de una mujer que deja a sus hijos gemelos una misión desconcertante: encontrar a un padre que creían muerto y a un hermano cuya existencia desconocían. A partir de ahí, la película se transforma en una investigación que cruza continentes y décadas, reconstruyendo la vida de su madre en medio de un conflicto civil brutal en Medio Oriente. Lo que inicialmente parece una búsqueda familiar se convierte poco a poco en una revelación devastadora.

Uno de los mayores aciertos de la película es su estructura narrativa. Villeneuve alterna entre pasado y presente con una precisión casi quirúrgica, permitiendo que cada descubrimiento tenga un peso emocional creciente. No es una historia que busque impresionar con giros gratuitos; cada revelación está cuidadosamente construida y golpea con una fuerza que deja al espectador en silencio.

La actuación también es clave para sostener el impacto de la película. La interpretación de la madre es intensa y llena de matices, transmitiendo la resistencia de una mujer atrapada en una realidad marcada por la guerra, el fanatismo y la pérdida. Su historia no es heroica en el sentido tradicional, pero sí profundamente humana. La película muestra cómo una persona puede seguir adelante incluso cuando el mundo parece empeñado en destruirla.

Visualmente, La mujer que cantaba es sobria pero poderosa. No recurre a excesos dramáticos; por el contrario, muchas escenas impactan por su crudeza y su silencio. Villeneuve demuestra aquí la sensibilidad narrativa que más tarde consolidaría en películas de gran escala, pero en esta obra mantiene una intimidad que la hace especialmente desgarradora.

Quizá el mayor mérito del filme sea su capacidad para hablar sobre el ciclo del odio y la violencia sin caer en discursos simplistas. La película no ofrece consuelo fácil ni moralejas evidentes. En cambio, plantea preguntas difíciles sobre la herencia del dolor y las consecuencias de la guerra en la vida de las personas.

El final, famoso por su intensidad, es uno de esos momentos cinematográficos que permanecen en la memoria mucho después de que aparecen los créditos. No solo cierra la historia: obliga a reinterpretar todo lo que se ha visto.

En conjunto, La mujer que cantaba es una película poderosa, dolorosa y profundamente reflexiva, que confirma el talento narrativo de Villeneuve y demuestra cómo el cine puede ser una herramienta para explorar las zonas más oscuras de la condición humana.

esta super

Es una de las mejores películas que he visto en mi vida es excelente en todos los aspectos.
La historia se apega a lo que realmente vivió Jim Morrison junto con sus amistades y grupo musical.
Es un film que realmente me hace sentir toda la emoción de presenciar al rey lagarto (I am the lizard king), decía el mismo.
Hacia el final de la película me siento como un lagarto en verdad🦎. Gozando de las canciones como fondo musical son maravillosas.
La disfruto un montón cada vez que la veo tuve suerte de poder comprar el DVD 📀. El contenido extra es alucinante 🤯, me encantan. Los Doors son mi tipo de música favorita en especial riders on the storm ha marcado mi vida he tenido muchas experiencias mientras esa canción ha estado sonando de fondo en múltiples situaciones. Recomiendo verla no sé dónde está pero voy a buscarla para revivir aquellos tiempos el fin de semana y si la encuentro la vere 6 veces, gracias

Es parte de un universo alternativo a todo lo que ha sido la historia de Bruce Wayne o Bruno Diaz, también es un universo paralelo a lo contado por lis comics de Batman.
Ha cambiado varias cosas, hay acción, romance, suspenso, plot twists que se cambian cuando nadie lo espera.
Es emocionante me cautivó desdé el primer episodio, las actuaciones están bien dirigidas, los encuadres me hacen formar parte de la historia, las secuencias me hacen sentir dentro de Ciudad Gótica y estoy ahí mirando la acción.
Me hicieron sentir parte de la pandilla.
Ha muchos secretos que develar y siento que no concluye como esperaba, no hay nada obvio ni predecible.
Si la recomiendo, aunque siento que me ha gustado por pertenecer al universo de Batman.