Reseñas

Tercera película de Dario Argento como director, tras “El pájaro de las plumas de cristal” (1970) y “El gato de las nueve colas” (1971). Esta “4 moscas de terciopelo gris” que hoy reseñamos forma parte, como las dos previamente mencionadas de la llamada “trilogía de los animales”, por tener en sus respectivos títulos los simbólicos nombres de ciertos animales. Y en mi opinión es la mejor de las tres.

Estamos ante un giallo sumamente memorable, lleno de intensos momentos e intriga in crescendo, hasta llegar a un final impactante y explosivo. Para relajar la tensión y el agobio claustrofóbico de ciertas secuencias también se incluyen momentos un tanto humorísticos (...)

Como suele ser habitual en Argento, la historia (y la motivación del asesino) se retrotrae a algún episodio traumático de la infancia (manicomio incluído). Ello se deja entrever en algunos momentos de flashback en los que se oye la voz de un padre muy severo. Durante el metraje van sucediéndose giros de guión que sorprenden al espectador, pues no todo es como parece desde el primer momento.

Tras uno de los asesinatos, los especialistas del tanatorio deciden realizar un experimento con los ojos de la víctima, pues según ciertos avances científicos, en ocasiones lo último que ve alguien antes de morir queda plasmado en la retina. Tras fotografiar los ojos con unas máquinas especiales, esperando ver en ellos la cara del asesino, los investigadores ven algo harto extraño: Cuatro moscas sobre un fondo gris (De ahí el título de la película). ¿Qué significará esa incógnita?

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Estamos ante una muestra arquetípica del terror psicológico: Familia acosada por un peligro concreto y real (a la vez que escurridizo); pero también por sus propias paranoias.

Aquí el miedo impregna todo el metraje, e incluso está presente en el título.
Ante la amenaza que representa el peligroso Cady, el más leve rumor, una misteriosa sombra o incluso una inofensiva silueta son suficientes para desencadenar el pánico… Max Cady puede aparecer en cualquier momento, y está dispuesto a convertir la vida de su enemigo en un infierno. Su mayor motivación es la venganza. Y para ejecutarla, está provisto de una mente fría y calculadora, así como de un sadismo bestial. Contra él resultan inútiles tanto las civilizadas autoridades oficiales como los rudos detectives privados… E incluso los matones portuarios. Tal vez sólo unos métodos más contundentes, condimentados con buenas dosis de astucia, serán útiles para frenarle… y así sobrevivir. Cady no teme a la muerte, pero como veremos al final, sí existe algo a lo que incluso él tiene miedo…

Basada en una novela de John D. MacDonald, esta película es el original que inspiró el remake del mismo título dirigido por Martin Scorsese y protagonizado por Robert DeNiro en 1991.

La paranoia y la tensión son transmitidas con maestría, llegando a atravesar la pantalla. El título resulta más que apropiado. Se juega con la confusión y la deformación de las percepciones, tanto para los personajes como para los espectadores. Todo ello recrea una atmósfera de pesadilla, que recuerda bastante al terror gótico. A ello contribuye la magnífica fotografía en blanco y negro, rica en contrastes y visualmente cercana al expresionismo alemán. Además de su carga simbólica y metafórica el título hace también referencia a un lugar real, pues „el Cabo del Miedo“ o Cape Fear, es un río (y su zona colindante) en Carolina del Sur.

Llaman poderosamente la atención las similitudes tanto estéticas como temáticas con el cine del también británico Hitchcock. El hostigamiento por parte de un psicópata viene a ser aquí el tema central, lo que le confiere su estructura a la trama. También en la recientemente reseñada „Extraños en un tren“(1951) de Hitchcock el acoso es el principal ingrediente. Además, para „Cape Fear“, Thompson contó con dos importantes colaboradores habituales de su (más famoso) colega cineasta y compatriota: el compositor de la banda sonora es Bernard Herrmann – que trabajó con Hitchcock en „Vertigo“ (1958), „Psicosis“ (1960), o „Marnie la ladrona“ (1964). Y el montaje fue realizado por George Tomasini, que además de en esas tres trabajó en „La ventana indiscreta“ (1955) y „Con la muerte en los talones“ (1959).

Sin embargo, cabe destacar que „Cape Fear“ está desprovista de la nota de humor característica de Hitchcock, y viene a ser una película más dura y oscura, con un terror psicológico más puro. Si bien el humor de Hitchcock tiende hacia lo macabro, sirve como mecanismo de distensión, aligerando ciertas escenas de su crudeza.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Full recomendada

“HOPPERS” es una hermosa carta de amor a las maravillas de la naturaleza. Detrás de una capa de comedia con una publicidad que invita a una locura hilarante de casi dos horas (con divertidos guiños a cintas de Disney), existe un mensaje sobre la destrucción humana hacia los animales. Tanto en proyectos grandilocuentes como en pequeños actos o palabras sin que nos demos cuenta. Nuestra protagonista tiene difícil la consideración de si existe bondad en la humanidad por el mundo al que pertenece. Aquí es cuando el factor silvestre entra en juego. Gracias a su premisa fantástica (que definitivamente no es nada como Avatar), conocemos una perspectiva inocente (honorable) de los animales respecto al ser humano.

Mabel y el Rey George estelarizan esta aventura que aboga por la confianza, la fe y el equilibrio de dos mundos. Aunque haya conflictos más grandes que uno mismo, se puede aprender mucho de otro en la comunicación interespecie. Aquí, el fruto de ello es una cálida amistad, puesta a prueba a niveles de comunicación, comprensión y temperamento, que salta de la ternura a la tragedia de maneras improbablemente conmovedoras. Pasando de humanos a animales, las cómicas transiciones entre puntos de vista de los personajes sustraen en esencia el “factor predecible”.

De ahí yace otra maravilla de la cinta: su particular humor. Sacado de contexto podría parecer un trauma para un sector de la audiencia, pero “Hoppers” maneja la cadena alimenticia animal y el asunto de la muerte como una ocurrencia cotidiana. Bajo esta idea de la supervivencia del más fuerte, en un territorio donde prácticamente todos somos mamíferos, la película escala a una epicidad caricaturesca, impredecible y reflexiva con la idiosincrasia humana.

Hubo, hay y habrán más historias como esta. Siempre serán necesarias, porque en este medio, tenemos artistas que desean ser agentes de cambio en aquello que valoran y protegen. Si nos damos la oportunidad, las películas nos pueden enseñar a ser cada día un poco más bondadosos. Dentro como fuera de la pantalla, todavía hay buenas personas.

Si me lo preguntan, el equipo de Pixar, en sus “victorias" y “fracasos”, continúa fabricando magia. Fácil “Hoppers” pasa como una excelente comedia absurda de locuras extremas (lo cual ya la hace especial), que me atrevería a decir que rompe más estándares que la vibra juvenil que “Turning Red” en varios aspectos. Asimismo, en lo profundo, esconde un llamado a la acción, desde donde sea que podamos. Un pedido de colaboración, para que todos los que habitamos este planeta tengan su hogar donde vivir.


Suena inocente, lo sé. Pero para un castor optimista y una tenaz humana, nada es imposible. Definitivamente no es nada como Avatar.

muy buena!!

Simple pero mordaz. Un buena representación de las diferentes dimensiones que implica una guerra, estableciendo lo más general y externo para poco a poco ir develando los efectos internos. También nos recuerda que durante esa época todos eran víctimas del nazismo, sin excepciones.

Puedes encontrar mi crítica completa en mi perfil donde me explico más a fondo.

"Las catadoras del Führer" (Le assaggiatrici), dirigida por Silvio Soldini. Es una obra que, más allá de la frialdad del contexto histórico, logra entrar en lo más íntimo y frágil de la condición humana.
​Aquí te comparto una reflexión sobre la experiencia de verla.
​Una mirada humana sobre el horror silencioso
​Ver esta película no es una experiencia de acción vertiginosa ni de grandes batallas; es, ante todo, un estudio sobre la resiliencia y la asfixia moral.
​Lo que realmente golpea es cómo la película traslada el horror de la guerra a algo tan cotidiano y básico como comer. Imagina la tensión de sentarte a la mesa, no por placer ni por nutrición, sino como una pieza de ajedrez en el tablero de un dictador. Cada bocado se convierte en una ruleta rusa silenciosa, y esa espera de una hora, tras cada comida, es donde la verdadera historia sucede: en las miradas, en las alianzas inesperadas y en esa lucha interna por mantener la propia humanidad mientras se vive en el epicentro de la deshumanización.
​Es una historia sobre cómo el miedo nos obliga a convertirnos en extraños incluso para quienes tenemos al lado. No hay héroes de manual aquí, solo mujeres tratando de sobrevivir a un día más, atrapadas en un dilema ético imposible. Es una película que te deja una sensación de pesadez en el estómago, no solo por la trama, sino por la profunda empatía que terminas sintiendo por esas mujeres cuya vida valía, para el sistema, menos que la digestión de un tirano.
​Evaluación
​Si buscamos una calificación que refleje tanto su calidad narrativa como su impacto emocional, yo le daría:
​💫 4 / 5 estrellas
​Lo mejor: La construcción de la atmósfera. La opresión no viene de los discursos, sino del silencio y de la desconfianza constante. Las actuaciones son sutiles y logran transmitir mucho sin necesidad de diálogos excesivos.
​Lo que invita a pensar: Es una película que no busca "entretener" en el sentido tradicional; es un recordatorio necesario de las zonas grises donde la supervivencia obligaba a tomar decisiones que nunca habríamos imaginado.

​La ciencia del corazón (o por qué nos enganchamos tanto)
​Hay algo fascinante en Bones. A primera vista, es el típico procedimental policial: una antropóloga forense brillante y un agente del FBI con mucho instinto resolviendo crímenes. Pero, siendo sinceros, nadie se queda 12 temporadas solo por los cadáveres (que, honestamente, a veces daban un poco de impresión).
​Lo que realmente hacía que te sentaras frente a la pantalla semana tras semana era la química. La Dra. Temperance "Bones" Brennan es un personaje extraordinario: directa, a veces dolorosamente lógica y profundamente humana a pesar de su coraza científica. Verla aprender a navegar las emociones humanas junto a Seeley Booth —quien aporta ese lado intuitivo, cálido y, a veces, terco— es una de las dinámicas más gratificantes que nos ha dado la televisión.
​No es una serie perfecta; hubo casos que se sentían repetitivos y algunos giros de guion que desafiaban la realidad, pero se convirtió en una "zona de confort". Era ese lugar seguro al que volver después de un día difícil, donde, sin importar lo oscuro del caso, al final siempre había una pequeña victoria, una broma en el laboratorio o un momento de crecimiento personal entre amigos.
​Evaluación 💫
​Si tuviera que puntuarla, le daría:
​💫💫💫💫 (4/5)
​¿Por qué cuatro y no cinco? Porque, siendo justos, el formato procedimental a veces puede cansar y no todos los episodios tienen la misma calidad.
​¿Por qué no menos? Porque su corazón, la evolución de los personajes y la conexión entre Brennan y Booth son oro puro televisivo que dejó una huella difícil de borrar.
​

Hablar de Los sospechosos de siempre (The Usual Suspects, 1995) no es hablar de una película; es hablar de una traición absoluta a tu propia capacidad de deducción.
​Esta cinta es un ejercicio magistral de manipulación narrativa. Bryan Singer y Christopher McQuarrie nos sientan a la mesa, nos sirven una historia que parece un rompecabezas policial estándar —cinco criminales de poca monta reunidos en una rueda de reconocimiento— y, mientras nosotros estamos ocupados tratando de encajar las piezas, nos están cambiando la mesa entera por debajo.
​Lo que la hace verdaderamente "extrema" y humana es Verbal Kint. La actuación de Kevin Spacey es una clase maestra de vulnerabilidad fingida. Te hace querer protegerlo, empatizar con su tartamudez, con su supuesta debilidad física, todo mientras el espectador promedio está gritando internamente: "¡Algo no cuadra!". La atmósfera es opresiva, gris, cargada de ese humo de cigarrillo noventero que ya casi no se ve, y el personaje de Keyser Söze ha pasado a la historia no solo por ser un villano, sino por ser un concepto abstracto del mal: una leyenda urbana que camina entre nosotros.
​Es la película que te enseña la lección más dura del cine: el truco más grande del diablo no es convencerte de que no existe, es convencerte de que el tipo débil que tienes enfrente es solo un testigo asustado.
​Sales de verla sintiéndote un poco tonto, un poco estafado y, sobre todo, desesperado por volver a verla inmediatamente para ver en qué momento exacto perdiste el hilo. Es cine puro, de ese que te golpea en la mandíbula y te deja con una sonrisa cínica en el rostro.
​Evaluación
​Calificación: 💫💫💫💫💫

«Edén» es una de esas películas que te dejan pensando días después, no porque sea perfecta, sino porque toca una fibra muy cruda sobre lo que significa, irónicamente, vivir con otros.
​Dirigida por Ron Howard, la película nos traslada a la década de los 30 en las Islas Galápagos. Imagínate esto: un grupo de personas, cada una con sus propios traumas, ideales y huidas, deciden dejarlo todo atrás para crear su propia utopía en una isla deshabitada. ¿Suena idílico, verdad? Pues, como te imaginarás, la realidad les da un golpe de realidad brutal.
​Lo que más me atrapó no fue el entorno salvaje, que ya es un personaje más, sino la dinámica entre ellos. La película funciona mejor cuando se olvida de ser un thriller tradicional y se convierte en un estudio de comportamiento humano. Es fascinante —y a ratos incómodo— ver cómo estas personas, que vinieron buscando paz, terminan construyendo su propio infierno personal. El elenco es un despliegue de talento impresionante (Jude Law, Ana de Armas, Vanessa Kirby, Sydney Sweeney), y es precisamente ese choque de personalidades lo que mantiene la tensión. Algunos críticos dicen que la película no termina de decidir si es un drama o un thriller, y quizá tengan razón, pero esa misma indecisión le da un aire caótico que se siente, extrañamente, muy humano.
​No es una película fácil de digerir porque no te ofrece respuestas cómodas ni héroes claros; te muestra, con bastante cinismo, que el «paraíso» no es un lugar, sino una cuestión de actitud, y que a veces, nuestro peor enemigo es nuestra propia humanidad.
​Evaluación: 💫 3.5 / 5
​Es un viaje intenso, con una factura técnica impecable y actuaciones sólidas, aunque quizás le falte un poco de cohesión para ser una obra maestra. Aun así, merece la pena verla si te gustan las historias que exploran la fragilidad de nuestra "civilización".

Bueno

En efecto es cine

Sublime

Una película épica y emocionante

BUENISIMAA

XD

esta muy buena la peli

Esta película supuso el comienzo de una fructífera colaboración entre el director Umberto Lenzi y la actriz norteamericana Carrol Baker, a la que convertiría en la musa de varias de sus propuestas en los últimos años sesenta y primeros setenta.

Es discutible que ésto pueda siquiera considerarse un giallo (al menos durante la mayor parte del metraje). Aunque oficialmente así está catalogado el film. Una de las pocas cosas que acerca el largometraje a los cánones del género es la omnipresencia de las botellas de whisky J&B.

Película completamente sobrevalorada. Aburrida, soporífera, difícil incluso de soportar sin bostezos o momentos de vergüenza ajena, y que ha envejecido espantosamente mal. Sin suspense ni intriga por ninguna parte, pese a lo interesante que podría ser la premisa. Lo hedonista y decadente de la mayoría de los personajes despertará las antipatías y el hastío del espectador. Ni por la viuda millonaria ni por la pareja de sinvergüenzas que se instala en su casa logra desarrollarse ninguna empatía, sólo la más pura indiferencia (cuando no directamente una aversión). Durante la mayor parte del tiempo, el film es flojo y muy decepcionante. Sólo resulta salvable el tramo final de la película, con el momento sorpresa, y un giro de guión que hay que reconocer como muy acertado e inteligente. La interpretación de Carrol Baker en su papel de Catherine también es notable, con su declive físico y mental mientras avanza la historia.

En general, muy inferior a otras películas de Lenzi que vendrían después (algunas de ellas también protagonizadas por Carrol Baker, como “El cuchillo de hielo”, que en mi opinión resulta muchísimo más recomendable).

El film recibió inicialmente el título de “Paranoia”, lo que incita a la confusión; teniendo en cuenta que al año siguiente salió otra película de Lenzi con Carroll Baker que se llama “Paranoia” y nada tiene que ver con ésta.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Si bien la película que hoy comentamos no tiene relación argumental alguna con «El extraño vicio de la Sra. Wardh», sí puede decirse que conserva el mismo estilo y también cuenta con Edwige Fenech (musa del director) en uno de los papeles principales. La conexión que hay entre ambos films, curiosamente, es de hecho el interesante título (original) del largometraje que nos ocupa: «Tu vicio es una habitación cerrada y sólo yo tengo la llave» es una frase que dice uno de los personajes en la película anterior.

Aquí Sergio Martino se inspiró vagamente en el relato de Edgar Allan Poe «El gato negro» (pues el gato “Satán” tiene un rol clave en todo el desarrollo argumental del film, así como también el detalle del emparedamiento y la pérdida de su ojo), añadiendo toques de intenso drama matrimonial (también presente en «El extraño vicio de la sra. Wardh») y una atmósfera gótica muy bien lograda, a la cual contribuye la excelente banda sonora de Bruno Nicolai. Ernesto Gastaldi, entre otros, escribieron el guión.

La estructura del film es distinta a la del giallo habitual. La identidad del asesino (o al menos la de uno de ellos) ya se desvela a la mitad del largometraje. La ejecución de los crímenes, por otro lado, es muy similar a la del giallo promedio, viéndose la silueta misteriosa y los guantes negros del homicida, así como su arma; una especie de hoz o daga curva. También tenemos presente, aunque de modo tangencial, el fetiche de las muñecas (ya visto, por ejemplo, en “I corpi presentano tracce di violenza carnale” / “Torso”, asimismo de Martino y de 1973).

Hacia su último tramo la película adquiere gran suspense e interés, gracias a varios acontecimientos imprevistos y giros de guión (que echan por tierra lo que dábamos por sentado acerca de ciertos personajes).

Es muy interesante el detalle del escritor loco que escribe una frase amenazadora repetidas veces en su máquina de escribir de forma compulsiva. Podemos ver pues de dónde sacó Kubrick la idea para esa famosa escena de su célebre “El Resplandor” (1980). La película de Sergio Martino que hoy comentamos no sólo es anterior al taquillero film protagonizado por Jack Nicholson, sino también a la novela de Stephen King (publicada en 1977).

Edwige Fenech interpreta a Floriana, la sobrina de Oliviero. La muchacha, criada en Francia, es una joven emancipada, muy libertina, astuta, calculadora, sin escrúpulos y sobre todo (como ya indica el título), viciosa.

Su interpretación resulta muy convincente. Como también lo son las de Luigi Pistilli en la piel del decadente, atormentado y sádico escritor-aristócrata, y la de Anita Strindberg como su mujer. Ambos están magistrales en sus respectivos roles.

Como ya vimos en “I corpi presentano tracce di violenza carnale” (“Torso”), Martino apuesta por una ambientación en los alrededores de un pueblo; donde los lugareños son retratados de una forma más simpática de lo habitual (es común en el cine de suspense y terror presentar a los aldeanos como personajes hoscos y huraños). Para quien vea las dos películas (ésta y “Torso”) en italiano y esté familiarizado con esta lengua, notará que los pueblerinos hablan con marcado dialecto (veneciano en este caso).

“Il tuo vizio é una stanza chiusa e solo io ho la chiave”, además de ser un gran título es también sin duda una gran película; que no defraudará a los amantes del giallo y de Poe.

El detalle del emparedamiento con humor macabro de estilo Poe también puede verse en otro memorable giallo: “Sette note in nero” (Lucio Fulci, 1977).

Buenas dosis de misterio y suspense, sazonadas con una atmósfera gótica y toques libertinos. De visionado muy recomendable.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es