Reseñas

excelente

Cualquier parecido con la realidad, ¿es pura coincidencia?

Esperaba un película más de la Hammer, pero me sorprendió para bien. La trama toma giros extraños (pasa del horror al melodrama metafísico) que no me esperaba. Cushing, como siempre, hipnótico en cada escena.

Esta entrega final de la trilogía cierra el ciclo de supervivencia de Maya con un desenlace bastante digno y que, aunque intenta profundizar en el origen de los atacantes (que no era necesario), pierde la tensión y el misterio que caracterizaba a la obra original.

Cuando el Estocolmo pega fuerte. Me encontré llorando con el final, ¿cómo puede ser esto posible? Grandísimos Andrea Riseborough y Steven Graham.

La idea es buena y la ambientación de los setenta está muy bien lograda, pero le pierde tiempo en situaciones que por momentos hacen lenta la trama y el uso de la cámara subjetiva se siente fuera de lugar en muchas escenas, lo que le quita credibilidad al relato. También gira en torno a una temática que, llegando a los últimos 7 minutos, termina siendo otra.

Magnífico trabajo de Alfred Hitchcock con una historia de espionaje como transfondo. Sin quererlo, el protagonista se ve envuelto en una espiral de sucesos resultado de las luchas que tras las bambalinas mantienen dos facciones opuestas de agentes secretos.

En esta ocasión Hitchcock no contó con James Stewart como protagonista, pues le responsabilizaba del poco éxito comercial que el año anterior había tenido con “Vértigo”. El elegido para caracterizar a Roger Thornhill fue otro gran actor de aquellos años, Cary Grant.

Hitchcock maneja como pocos la creación de momentos de tensión máxima. La trama está sólidamente construída aunque en muchos aspectos no resulte demasiado verosímil. Ante todo, “Con la muerte en los talones” es una película de aventuras sumamente entretenida, ambientada en el contexto de la guerra fría, con dos facciones de espías que tratan de hacerse con un importante microfilm. Peripecias varias, emocionantes persecuciones, intriga creciente, romance y un simpático toque humorístico son los ingredientes de este film – cuya estructura y estilo recuerda al que Hergé solía emplear para sus cómics sobre el reportero Tintín (Especialmente “El asunto Tornasol” viene aquí a mi memoria).

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Lo que comienza como una especie de “comedia romántica”, con la chica de buena familia que se inventa enrevesadas y rocambolescas historias para estar junto al hombre del que se ha enamorado, va convirtiéndose progresivamente en un thriller de suspense con atmósfera cada vez más tensa y opresiva.

La sensación de peligro se va dosificando; primero son sólo unos pájaros sueltos los que atacan a los humanos, después serán bandadas inmensas de todo tipo de aves las que ejecutarán un asalto implacable contra los moradores de Bodega Bay. Parece efectivamente “el Apocalipsis” del que habla el borracho en el bar del pueblo. ¿Quién iba a pensar que unos inofensivos pajaritos emprenderían una guerra sin cuartel contra la Humanidad? ¿Por qué iban a hacerlo? – Todos allí se preguntan eso, también la señora Bundy, la anciana ornitóloga.

Es interesante ver “Los pájaros” después de tantos años, pues ahora me resulta obvia la forma en la que esta película influenció a Narciso Ibáñez Serrador para su obra maestra “¿Quién puede matar a un niño?” (1976). Si “La residencia” (1969) tiene paralelismos importantes con “Psicosis” (1960), el segundo largometraje de Chicho sin duda le debe mucho a “Los pájaros”. Ambos son films con un ambiente de “terror diurno”. Es más difícil provocar angustia y sofoco cuando la acción se desarrolla durante el día (como es el caso en la mayor parte del metraje de las dos películas). Por otro lado, tanto en “Los pájaros” como en “¿Quién puede…?” los seres amenazadores, la fuente del terror para los protagonistas, son seres que en circunstacias normales resultan inofensivos. En la propuesta que hoy nos ocupa, las bandadas de gaviotas, cuervos o gorriones que atacan sistemáticamente a las personas; en la película de Chicho son “inocentes y angelicales” niños amotinados contra los adultos. En ambas ocasiones, tanto los pájaros como los niños parecen estar poseídos o teledirigidos por alguna maligna inteligencia colectiva que los maneja como instrumentos. Para sumar más similitudes, la acción transcurre en sendos pueblos costeros. Y asimismo, en “Los pájaros“ juegan un rol importante los niños, si bien como víctimas. Siempre ha funcionado en las películas de terror incluir niños o elementos relacionados con ellos (memorable la escena de Melanie esperando a las puertas del colegio mientras que suena una cancioncilla infantil y los cuervos se van amontonando, preparándose para atacar).

También hay similitudes, en la estructura y en la atmósfera, con las películas de zombies. Los pájaros tienen aquí el mismo rol que los muertos vivientes. Los humanos deben atrincherarse en sus casas.

Hay quien ha interpretado „Los pájaros“ como una clara muestra de la misantropía hitchcockiana. El orondo director británico estaría “vengándose de la humanidad”, usando a los pájaros para castigar a unos personajes “detestables”: La heredera consentida, el abogado prepotente, la madre insoportable, la ex-amante celosa, etc. La escena de Melanie que se protege del ataque de los pájaros en una cabina telefónica se supone que es una metáfora: Ahí los papeles están invertidos, ahora los pájaros son libres y tienen el control de la situación, mientras que la impotente humana está “enjaulada”.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Hace mucho no le decía "nooooo" a la pantalla. La experiencia es tan inmersiva que es como si hubiera estado ahí con ellos, sin poder hacer nada.

Tomando como eje argumental un suceso criminal y su investigación, así como las divagaciones de los testigos, Kurosawa nos muestra las muy distintas percepciones del mismo acontecimiento por parte de los implicados. Se explora la tendencia humana de ocultar o maquillar detalles, ya sea con el afán de quedar mejor o ya sea por miedo.

El contenido filosófico de esta película, basada en un relato corto de Ryunosuke Akutagawa, lleva al espectador a preguntarse qué es la verdad. Existe un solo hecho objetivo y neutral, pero al mismo tiempo cada uno de los que participan en el evento tiene una visión subjetiva del mismo… que al contarse provoca que la verdad se deforme. De ese modo, la delgada línea entre verdad y mentira se difumina. Igual que las delgadas líneas entre realidad y ficción, entre lo material y lo imaginario, entre lo tangible y lo etéreo – Para muestra de ello tenemos incluso un testimonio „de ultratumba“, el del samurai muerto que habla desde el plano astral por boca de la médium shintoísta.

(...) Como vemos, el contenido es muy filosófico, y su forma (la puesta en escena y la atmósfera) resulta sumamente poética. El manejo de la cámara realza el poderío visual de la película, confiriéndole incluso un cierto carácter hipnótico. Para narrarnos la historia desde sus distintas perspectivas, Kurosawa recurre a saltos temporales. La mayor parte del metraje está rodado en el bosque (que representa el laberinto y la confusión de los hechos) y en las ruinas de un templo bajo la inclemente lluvia (un lugar de reflexión donde los testigos repasan los hechos y tratan de sacar conclusiones). En cuanto a la banda sonora, llama poderosamente la atención su semejanza con el famoso „Bolero“ de Ravel, en el cual el compositor Fumio Hayasaka sin duda se inspiró. De hecho Hayasaka se enfrentaría por ello a acusaciones de plagio musical. Ello resulta curioso teniendo en cuenta que más adelante el propio Kurosawa denunciaría por plagio a Sergio Leone cuando éste filmó „Por un puñado de dólares“ (1964) – con una historia muy similar a su «Yojimbo» (1961) pero en clave western.

Otro detalle llamativo es la diferencia existente con otras películas „de samuráis“ en lo que a vestimentas, peinados y armas respecta. Y es que la historia de Rashomon acontece en una época muy anterior la de la mayoría de películas del género. Las chambara suelen estar ambientadas en la era Tokugawa, alrededor del s.XVIII y sobre todo XIX, mientras que Rashomon se desarrolla en el periodo Heian, unos 800 años antes.

Felix Hahlbrock Ponce
fhpbooks.com/es

Hepl.

Me reí varias veces; el gore y el humor, muy Raimi. Lo único que no me gustó fue el uso del CGI en ciertas escenas; todo lo demás, un sí rotundo.
Cuando terminé de verla, pensé: parece una reversión de Office Killer.

Esta película no es solo un ejercicio de suspenso; es una radiografía de la vulnerabilidad. Lo que más impacta de Te van a matar no es la amenaza externa, que por momentos se siente asfixiante, sino el peso emocional que cargan sus protagonistas. Se aleja de los clichés del género para enfocarse en esa fragilidad tan nuestra cuando nos sentimos acorralados, donde el miedo deja de ser una reacción y se convierte en un personaje más.
​La dirección logra algo difícil de encontrar hoy en día: un ritmo que respeta los silencios. No necesita recurrir a estridencias constantes para mantenernos tensos. Al contrario, utiliza la mirada y los gestos mínimos para contarnos que el verdadero peligro, a veces, está en lo que no se dice. Es una obra que se siente artesanal, hecha con una sensibilidad que prioriza la atmósfera sobre el efecto visual fácil.
​Al terminar de verla, te queda esa sensación extraña en el pecho, una mezcla de alivio y reflexión sobre hasta dónde llegaríamos por instinto. Es cine que te habla de tú a tú, que te incomoda de forma necesaria y que, por encima de todo, se siente profundamente honesto.
​Mi evaluación:
​💫💫💫💫
​(Cuatro estrellas. Una pieza sólida que logra conectar con la fibra más íntima del espectador sin perder el pulso narrativo).

Muy buena

Dos millones de años después de un holocausto nuclear, la Tierra se convirtió en el hogar de androides, magos y mutantes. Un hechicero junto a su grupo de aliados usa la magia para enfrentarse contra un hechicero malvado que se hace de la tecnología, para disputarse el control de Montagar, la tierra donde todos conviven. Los antiguos dictadores usaban la tecnología para esclavizar a las masas. Reza un hechicero contando la historia a sus discípulos antes de ser amedrentado por un androide. Los símbolos se repiten millones de años después, el hechicero malvado se sienta en una esvástica. Los amos del tecnofeudalismo se sientan en esvásticas. Uno de los mejores recursos estilísticos y conceptuales de la película es cuando la animación principal convive con el archivo histórico del régimen nazi. El ejército de energúmenos pareciera volverse idiota cuando se le proyecta imágenes de Hitler. Otro recurso atractivo es el de la rotoscopia sobre los caballeros cabalgando, parte de las batallas son con esta técnica y supone ser de lo más vistoso del filme, al igual que los colores sólidos sin sombras de las figuras en primer término, colores muchas veces saturados, como el rojo de los androides. El miedo al invierno nuclear del siglo pasado se ha enaltecido en lo que va de la década, solo la magia (organización) de las masas puede vencer a la tecnología opresora de los tiranos feudales.

“TE VAN A MATAR” (They Will Kill You), producida por los hermanos Muschietti (It de 2017, It: Capítulo Dos, Flash), es una comedia de terror con una sencilla narrativa que inesperadamente se torna en un engrendo de acción y gore. Básicamente, si la si la saga de John Wick, Kill Bill y la filmografía de Sam Raimi (Evil Dead) hubiesen tenido una cría truculenta. Inyectándole nuevas emociones al tablero de juego y dejándote con dos opciones. ¿O te sales del barco o te dejas llevar por la locura?

La película se concentra en el uso de dobles y acrobacias para batallas sangrientas con un sorpresivo comodín macabro que añade una estresante complejidad en medio de la masacre. Si nos concentramos en las escenas de menor intensidad por comparación, las protagonistas (Zazie Beetz y Myha'la) son el núcleo emocional en el cual se sostiene la película.

Pero además de ellas, algunos de los personajes únicamente funcionan como piezas para que la trama principal avance, con los discursos explicativos necesarios para introducir el contexto. Asimismo, otros miembros del elenco básicamente se pierden en medio de toda la persecución.

De hecho, esa misma idea de personajes que sirven como peones en un juego, también afecta a la sustancia de la historia. Incluso, el montaje y la escritura genera más preguntas que respuestas respecto a las transformaciones de los personajes principales, así como restarle impacto a los giros dramáticos cuando el subtexto estaba arrojando pistas desde hace un tiempo.

Probablemente se espera que el espectáculo de gore sea suficiente estilo para maquillar la tenue sustancia. Porque, sí, en ello “TE VAN A MATAR” tiene un montón por ofrecer. El concepto del desorden de clases sociales en colisión, tanto abstracto como físico. Una Zazie Beetz que se roba la pantalla a machetazos. Acción inmunda, con un estilo de horror exagerado. Aunque sigo en debate personal sobre algunos efectos especiales, que a veces parecen de plastilina o pendientes de refinar, también gozan de su lado divertido porque la película no tiene miedo en verse ridícula en guion, elementos aleatorios y poderes diabólicos.

Tras una vida de maltratos, dinámicas familiares tóxicas y un sistema de carcome a los débiles, emana una energía catárquica tanto poderosa como contagiosa. Si eres aficionado a la sangre, las coreografías de pelea y muertes creativas, estás en el lugar correcto.

Un espectáculo notable en un tablero soberbio, que decora una escalofriante propuesta con buen potencial por explotar (y reconstituir). Seguramente, en un fin de semana a gusto, “TE VAN A MATAR” te va a divertir.

Si quieres descubrir secretos está película es perfecta para ti, tiene escándalos, intrigas, el chisme es gordo.

10

Jóvenes brujas en latam, sangrienta y asfixiante.

Mira, sentarse a ver Babe (o Babe, el chanchito valiente, como la conocimos muchos) es, curiosamente, una de las experiencias más desarmantes que podés tener frente a una pantalla. Pero ojo con el año: la película que todos llevamos en el corazón es de 1995, no de 1975. En los setenta, la tecnología —y quizás nuestra sensibilidad— todavía no estaba lista para hacernos creer que un cerdo podía hablar con el alma.
​Aquí te dejo mi sentir sobre esta joyita:
​Un espejo con hocico
​Lo que hace que esta película sea inmensa no son los efectos visuales (que, para la época, fueron una locura), sino esa vulnerabilidad cruda. Babe llega al mundo como una mercancía, un premio de feria destinado a terminar en una fuente con una manzana en la boca. Y, sin embargo, su "rebeldía" no es violenta; es una rebeldía basada en la extrema cortesía.
​Es imposible no sentirse identificado con ese sentimiento de ser el "extraño" en un lugar que ya tiene todas las reglas escritas. La película nos pega donde duele porque todos hemos sido ese cerdito tratando de encajar en un mundo de perros pastores que nos dicen: "Vos no servís para esto".
​La belleza de lo simple
​Hay algo en la actuación de James Cromwell (el granjero Hoggett) que me vuela la cabeza. Su silencio, esa parquedad tan de campo, comunica más amor que cualquier discurso motivacional moderno. Cuando al final le dice a Babe: "Eso es suficiente, cerdo. Eso es suficiente", se me sigue haciendo un nudo en la garganta. Es el reconocimiento máximo: no necesitás ser más de lo que sos para ser valioso.
​Lo que nos deja
​La empatía como superpoder: Babe no se impone por la fuerza, sino pidiendo "por favor". En un mundo tan cínico, eso se siente como un acto revolucionario.
​La estética: Tiene esa atmósfera de cuento de hadas un poco oscuro, casi Dickensiano, que te envuelve y no te suelta.
​Evaluación: ⭐⭐⭐⭐⭐ (5/5 estrellas)
​Es de esas raras películas perfectas. No le sobra ni un fotograma y te deja el corazón un poquito más blando de lo que lo tenías antes de darle al play. Es un recordatorio de que, a veces, la grandeza viene en el envase más inesperado.
​

Hay películas que no se ven con los ojos, sino con la memoria del corazón, y Milagro (2004) —o The Miracle of Marx— es precisamente ese tipo de experiencia. No es una obra de grandes artificios técnicos, pero tiene esa honestidad brutal y luminosa que a veces solo el cine turco logra transmitir con tanta pureza.
​Aquí te comparto una mirada muy personal sobre esta historia:
​El eco de lo que no se dice
​La película nos sumerge en una atmósfera donde el tiempo parece detenerse. No se trata solo de la trama de un maestro que llega a un pueblo remoto para cambiar vidas; se trata del encuentro entre dos mundos. Por un lado, la educación y la "civilización" urbana; por el otro, la sabiduría ancestral, a veces ruda y a veces mágica, de quienes viven pegados a la tierra.
​Lo que más duele y sana de esta película es cómo trata la soledad y la diferencia. Cuando vemos a Aziz, el personaje con discapacidad, no vemos una caricatura de la tragedia. Vemos a un hombre que es el espejo de todos nuestros miedos al rechazo. La película te obliga a preguntarte: ¿Quién es realmente el que no puede ver o caminar? ¿Él, o nosotros, que estamos paralizados por nuestros prejuicios?
​Lo que te queda en el pecho:
​La mirada del "otro": La transformación de Aziz es uno de los viajes más conmovedores del cine contemporáneo. No es un milagro divino, es el milagro de la paciencia y el amor humano.
​La fotografía: Esos paisajes áridos pero vibrantes funcionan como un personaje más. Hay una belleza cruda en la pobreza que el director captura sin caer en el morbo, sino en la dignidad.
​La sencillez: No busca darte lecciones de moral con un megáfono; te las susurra a través de una sonrisa o un gesto compartido en medio de la nieve.
​Un abrazo necesario
​A veces buscamos en el cine explosiones y giros de guion imposibles, pero Milagro nos recuerda que el mayor espectáculo es ver a un ser humano recuperar su lugar en el mundo. Es una película que te deja con un nudo en la garganta, pero de esos que te hacen sentir más vivo, más empático y, sobre todo, más agradecido por las pequeñas bondades que solemos pasar por alto.
​Evaluación:
💫 💫 💫 💫 💫 (5 de 5 estrellas)
​Nota: Si terminas de verla y sientes que tienes que llamar a alguien a quien hace tiempo no le dices que le quieres, la película cumplió su propósito.