Reseñas

Si buscas una película para apagar el cerebro un domingo por la tarde, "Amor y Tesoro" (Fool's Gold) es como ese helado de oferta: sabes que no es nutritivo, pero entra solo.
​Aquí te dejo mi honesta opinión, de cinéfilo a cinéfilo:
​La trama: Sol, playa y química heredada
​La película intenta desesperadamente repetir la magia de Cómo perder a un hombre en 10 días, reuniendo a Matthew McConaughey y Kate Hudson. Él interpreta a Finn, un buscador de tesoros tan encantador como irresponsable, y ella a Tess, su exesposa que ya se cansó de sus promesas vacías.
​El conflicto es el de siempre: un tesoro español hundido (la dote de "La Reina"), un gánster que quiere cobrar sus deudas y una pareja que se pelea mientras se da cuenta de que todavía se quieren.
​Lo bueno, lo malo y lo "meh"
​Lo mejor: La química de los protagonistas es innegable. McConaughey está en su época dorada de "sin camisa y con arena en el pelo", y Hudson maneja la comedia física de maravilla. Además, los paisajes de Australia (que finge ser el Caribe) te dan unas ganas locas de irte de vacaciones.
​Lo peor: El guion es más predecible que el tráfico en hora punta. Hay personajes secundarios, como la hija del millonario, que rozan lo irritante, y la mezcla entre "comedia romántica" y "película de acción" a veces se siente un poco forzada.
​El toque humano: Lo que realmente sostiene la película no es el tesoro, sino esa dinámica de pareja que todos conocemos: dos personas que se sacan de quicio pero que no saben funcionar el uno sin el otro.
​Veredicto final
​No es una obra maestra del cine, ni pretende serlo. Es una aventura ligera, con chistes que a veces aterrizan y otros que se hunden, pero que te deja con un buen sabor de boca si lo que quieres es escapar de la realidad un rato.
​Evaluación:
💫💫💫 (3 de 5 estrellas)
​Nota: Ideal para verla con una cerveza fría o una limonada, sin esperar grandes giros de guion, solo disfrutando del sol y las persecuciones en bote.

good

Fff

Hablar de Belleza Americana (1999) es, en el fondo, hablar de ese nudo en el estómago que todos hemos sentido alguna vez al despertar y darnos cuenta de que nuestra vida se ha convertido en una coreografía vacía. No es solo una película sobre la crisis de los cuarenta; es un espejo incómodo puesto frente a la fachada del éxito suburbano.
​Aquí te comparto mi visión, de persona a persona:
​La tragedia de lo cotidiano
​La película nos presenta a Lester Burnham, un hombre que está "muerto" mucho antes de que la trama decida su destino. Lo que hace que esta historia duela —y fascine— es la honestidad con la que retrata la desconexión.
​Lester: Representa ese grito silencioso de quien quiere recuperar su pulso, aunque sea de forma errática y cuestionable.
​Carolyn: Es el retrato desgarrador de la ansiedad por la perfección. Su desesperación por mantener las apariencias es algo que, en la era de las redes sociales actuales, se siente más real que nunca.
​Ricky: El chico de la cámara nos recuerda que hay una belleza casi insoportable en las cosas más simples (sí, incluso en una bolsa de plástico bailando con el viento), si tan solo nos detuviéramos a mirar de verdad.
​¿Por qué nos sigue sacudiendo?
​A diferencia de otros dramas, esta cinta no busca dar lecciones de moral. Se mete en el barro de las obsesiones humanas, el deseo reprimido y la hipocresía. Sam Mendes (el director) logra que lo mundano parezca onírico. Las rosas rojas no son solo flores; son el símbolo de esa pasión que quema pero que también puede asfixiar.
​Lo más potente es su cierre. Ese monólogo final sobre la gratitud nos deja con una sensación agridulce: la idea de que solo entendemos el valor de la vida cuando ya no tenemos tiempo para vivirla.
​"Es difícil estar enojado cuando hay tanta belleza en el mundo."
​Veredicto personal
​A pesar de las controversias que han rodeado a sus protagonistas en la vida real con el paso de los años, la obra artística se mantiene como un estudio psicológico impecable. Es cruda, es cínica, pero al final, es profundamente conmovedora.
​Evaluación: 💫💫💫💫💫 (5 de 5 estrellas)
​Es de esas películas que terminas de ver, apagas la pantalla y te quedas un buen rato mirando el reflejo de tu propia cara en el televisor negro, preguntándote qué estás haciendo con tu tiempo. Imprescindible.

Vista el 16/04/2026.
¿Abandonarías tu vida perfecta y sin dolor, por sentir algo?
Creo que esta pregunta es muy importante para entender la óptica del ángel. Si bien la película es lenta, tiene un motivo, hacernos ver la vida en esa ciudad -partida en dos producto de la guerra-; hay frases memorables que no salen de mi cabeza como la reflexión del tiempo y de la paz.
Sin embargo, decae en el final, un romance que nace porque sí. Creo que no era la mejor manera de cerrar este film.

Vista el 14/04/2026.
La animación es correcta, pero solo eso.
El tema pudo ser explotado de mejor forma, ya que es un tema importante para las mujeres, pero siento que solo se conformó con ser "bonito".

yguuy7tiugiyguygtuygiygygiuhuhij

bb

esta super wow

En la cuerda floja (The Walk, 2015) de Zemeckis se siente como un regreso del director a ese estilo particular de contar historias con optimismo, como cuando hizo Volver al futuro (1985).
Acá no me parece que haya pretendido entregar una película complicada ni intelectual. Es dinámica, demasiado didáctica y, sobre todo, se nota que es más un capricho. Y no lo digo con una connotación negativa; simplemente Zemeckis quiso hacer esta película y la hizo porque ama el cine.
Lo que más llama la atención son los visuales. Los efectos especiales están muy bien logrados, especialmente las escenas de altura.
OJO: Si tienes vértigo, ni se te ocurra verla. Y si no, te recomiendo que la busques en 3D. El hecho de ver caminar a un equilibrista por una cuerda a más de 400 metros entre las Torres Gemelas se percibe supremamente real que es posible te suden las manos. Es cine espectáculo.

El filme habla de la pasión. Y sin decirlo, nos enseña que: no hay locura cuando amas de verdad. Philippe Petit no es un loquito de atar (le obsesiona la perfección), es un soñador que tiene un don y decide vivirlo hasta el final; es decir, materializar aquello que le hace sentido a su vida sin importar los qués y menos los para qué.

Muestra muy claro el amor por el arte. El filme es conciso: si estás metidx de lleno en lo que te apasiona, todo tiene belleza; aunque desde afuera parezca una locura. Me recordó incluso a la frase de la mejor película Argentina de la historia (y una de las mejores del mundo) El secreto de sus ojos (2009): "se puede cambiar todo, pero hay una cosa que no se puede cambiar... la pasión".

El único problema que detecté es que tiene un tono un infantil, insisto, es muy explicativa. Probablemente también haya sido como pensada para que los más jóvenes se enganchen y aprendan a valorar el arte y a soñar con ideas trazadas y concretas.
Joseph Gordon-Levitt rompe la cuarta pared varias veces y se dirige directo al público. Al principio y en ciertos momentos es fluido pero en otras cae en el exceso: explica de sobremanera y le quita un poco el sabor o disfrute natural a la historia.

Dura dos horas, no obstante, y honestamente, le sobran unos 25 minutos (si yo hubiera editado, cortaría los rellenos del segundo acto).
Ahora, los últimos 35 minutos son oro (o plata):
hay tensión pero no tan bien ejecutada (faltó mayor riesgo). La caminata por la cuerda es impresionante y el discurso final, (y repito) es un poco expositivo, cierra fuerte con esta idea de que el arte no tiene límites y que ningún sueño es grande.

Me encanta cómo termina, con esa frase que dice “para siempre”. Quien vio la película sabe a qué me refiero.
Al final, no es una cinta para todo el público. Creo que va más dirigida a los artistas, a quienes entienden la necesidad de crear arte más allá de lo establecido o si este rompe las cuadraturas.
Es entretenida, sí, visualmente espectacular y deja un mensaje propositivo sobre lo importante que es apreciar lo que amamos y atrevernos a ir por ello sin pedir perdón.

Zemeckis, con su capricho de director, armó una película que conmemora el arte como lo que es: disciplina y devoción.

Si te late el cine que te haga sentir cosquillas en el cuerpo y te recuerde que vale la vida soñar hacia las nubes, súbete a esta cuerda y déjate llevar: no tengas miedo de ser extraordinarix.

5 estrellas

xd

buena Pelicula

Si hay algo que me fascina de Zodiac (2007) es que, a diferencia de casi cualquier otro thriller de asesinos en serie, no se trata de la sangre ni del "monstruo". Se trata de la obsesión. David Fincher aquí no hizo una película para entretenernos un rato el domingo; hizo un testamento sobre cómo un misterio sin resolver puede pudrir la vida de una persona desde adentro.
​Aquí te cuento por qué me parece una obra maestra, sin filtros:
​La atmósfera: Un rompecabezas de papel y humo
​Lo que más me atrapa es lo táctil que se siente. Puedes casi oler el café rancio de las redacciones de los 70, el humo de cigarrillo y escuchar el rasgueo de las plumas sobre el papel. Fincher es un perfeccionista obsesivo (al igual que sus personajes), y eso se nota en cada fotograma. No hay persecuciones de coches explosivas; hay hombres revisando archivos en sótanos oscuros durante años. Y, extrañamente, eso es mucho más tenso.
​El trío protagonista
​Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal): Es el corazón de la película. Ver cómo pasa de ser un caricaturista curioso a un hombre que pone en riesgo su familia solo por "saber", es doloroso y real.
​Paul Avery (Robert Downey Jr.): Representa el cinismo y la caída. Su decadencia es el recordatorio de que, a veces, el Zodiaco ganaba simplemente destruyendo el espíritu de quienes lo buscaban.
​Dave Toschi (Mark Ruffalo): El inspector que tiene que lidiar con la burocracia y la frustración de tener al tipo frente a él y no poder arrestarlo por falta de pruebas técnicas.
​El terror de lo cotidiano
​La escena del Lago Berryessa, a plena luz del día, es de lo más perturbador que he visto en el cine. No necesita sombras ni música de terror estridente. El silencio y la luz del sol hacen que la violencia se sienta cruda, casi mecánica. Te deja con una sensación de inseguridad que te acompaña mucho después de que aparecen los créditos.
​Lo que duele (en el buen sentido)
​El final no es satisfactorio en el sentido tradicional de Hollywood. No hay un gran arresto ni un discurso heroico. Termina con una nota de ambigüedad y cansancio. Es la vida real: a veces los malos no pagan, y los buenos se quedan solos con sus carpetas llenas de recortes de periódico.
​Veredicto: ¿Vale la pena?
​Si buscas un ritmo frenético tipo Seven, quizás te desespere. Pero si te gusta perderte en una historia, analizar detalles y sentir el peso del paso del tiempo, Zodiac es imbatible.
​Evaluación:
💫 💫 💫 💫 💫
(5 de 5 estrellas. Es, para mí, la mejor película de Fincher).

Buenisima!!!!!

super buena

aes una propuesta interesante, al principio, sobre todo que te va contando las historias que se van concatenando una a una, y uno se esfuerza por ir atando los nudos, debo decir que el doblaje debe afectarle muchísimo y de seguro es mucho mejor en su versión original, el problema de esta película es que desencadena muy mal en un sinsentido y todo lo que se propone no tiene ninguna explicación, al final salí más confundido y sin entender el desenlace

Acabo de terminar de ver Dear Zoe y me dejó con un nudo en el estómago, pero de esos que se sienten necesarios. No es la típica película de "duelo de manual" donde todo se resuelve con un abrazo al final. Es mucho más cruda y, sobre todo, increíblemente real.



​De qué va (sin spoilers):

Tess (interpretada por una Sadie Sink que se come la pantalla, mucho más allá de su papel en Stranger Things) es una adolescente que está rota. Su hermanita pequeña, Zoe, murió en un accidente trágico justo el día del 9/11. Esa coincidencia es brutal: mientras el mundo entero lloraba por las Torres Gemelas, ella y su familia estaban viviendo su propio apocalipsis privado en casa [01:20].

​La historia nos lleva por el viaje de Tess intentando no ahogarse en la culpa. Se siente responsable de lo que pasó [01:30] y, al no encajar en la nueva "perfección" de su mamá y su padrastro, decide huir a vivir con su padre biológico, un tipo bastante desastroso pero que le da el espacio que necesita para gritar y ser ella misma.



​Lo que me hizo pensar (y aquí abro el debate):

Lo más fuerte de la película es ver cómo cada miembro de la familia vive su luto en un planeta distinto. La madre se refugia en las pastillas porque no puede con el vacío [01:14:14], el padre biológico intenta ser proactivo pero no sabe ni cómo llevar su propia vida [01:05:28], y Tess... Tess escribe cartas.

​Datos que me volaron la cabeza:

​Está basada en la novela de Philip Beard. Se nota que hay una base literaria porque los diálogos se sienten muy profundos, de esos que te guardas en una libreta.
​Sadie Sink demuestra que tiene una capacidad para transmitir dolor solo con la mirada que es de otro planeta.



​Pregunta para la comunidad:

¿Creen que para sanar una herida tan grande es necesario alejarse de todo lo que nos recuerda el trauma (como hizo Tess al irse con su papá)? ¿O huir es solo una forma de posponer lo inevitable?

​A veces la familia que "te toca" no es la que te ayuda a sanar, y me pareció valiente que la película mostrara eso sin filtros.

​¡Los leo en los comentarios! 👇

​Detalles de la cinta:

​Género: Drama / Coming-of-age
​Protagonista: Sadie Sink
​Vibe: Triste pero con una luz de esperanza al final.

Aquí la podrán ver en Youtube Gratis en Español:

​https://youtu.be/B_ulvk7lDmE

buena