Reseñas

“Scary Movie” (2026) es una jugosa masterclass de la naturaleza vulgar, paródica y provocativa que puedes esperar dentro de su disruptiva saga de comedia. Tanto lo bueno. Como lo malo. Y lo incorrecto. Abraza con pasión su estigma de "legacy sequel" para crear su propio estilo. En otras palabras, busca generar discordia con ciertas convenciones narrativas, a su conveniencia personal en nombre de hilarantes remates. No respeta el pase de antorcha a una "nueva generación" de actores, se burla del choque generacional que "atraviesan" los personajes de antaño y crea una falsa ilusión de presentar una capa más introspectiva de terror.

Con unas ingeniosas declaraciones que arden en llamas, la película abraza esta segunda oportunidad para la familia Wayans, regresando con sus personajes y para la producción de la secuela. Conscientes de su salida desde la tercera película, el final es una absoluta desinhibición del rencor y un deseo desquiciado para seguir siendo vigentes hasta los noventa años. Así, la química y atmósfera en los reencuentros de los cuatro protagónicos (Cindy Campbell, Brenda Meeks, Shorty Meeks y Ray Wilkins) resultan ser sorprendentemente emotivas, apasionadas, contagiosas. Es su momento. Es su retorno. Demostrar que son las estrellas. Que son irremplazables. Y se asegurarán de dejar sus nombres en alto.

De esta manera, el nuevo elenco añadido tiene el rol de poner en perspectiva el factor nostálgico y la necesidad corporativa de traer nuevas audiencias a la franquicia como negocio. Asimismo, hacer burlas hacia los nativos digitales: la imposición de inclusión en la sociedad, los memes modernos, las redes sociales, la concientización de la salud mental, las "nuevas pandemias" de ansiedad o depresión. Como resultado, se enaltece la comedia de la saga y le permite ser relevante en esta época contemporánea. Aparte de ello, la química entre ambas generaciones en colisión fue sorprendentemente espontánea. Además de estar unidos por el objetivo conjunto, existe una lucha silenciosa por ver quién se queda con el protagonismo de la película. Los “originales” contra la “sangre joven”.

Entre sketches, parodias al cine moderno y un montón de sinsentidos, llega la cuestión si el manejo del humor es demasiado exclusivo para ciertos nichos, sobre todo durante el tercer acto. Considero que existe un balance medianamente equilibrado entre las referencias cinéfilas, la cultura pop y su trama más subliminal relacionada con la cuarta pared. Durante la mayoría de la función, la comedia está sujeta a si el espectador ha consumido demasiadas películas (incluso más allá del terror). Además, el entendimiento del punto central de la cinta depende totalmente de que uno tenga contexto previo sobre la producción detrás de la franquicia. De esta forma, queda la cuestión de si las audiencias podrán captar el sentido detrás del sinsentido.

A fin de cuentas, eso dependerá de cada espectador por individual. Además, en cualquier época, siempre es liberador reírse un poco de la realidad. Tirándole el dedo medio a toda coherencia, valor íntegro o asuntos tabú. Disruptiva con los propios clichés en los que está “cayendo”, “Scary Movie” (2026) me parece un hermoso caos, que me anima a darle una oportunidad a todas sus antecesoras. Si me lo preguntan, esa es la sensación que debe quedar en el espectador para saber distinguir una gran película.

buena

A esta altura sería ilógico desconfiar de un genio como Steven Spielberg. Aún en los últimos años de su longeva carrera nos ha deleitado con algunas de sus obras más fuertes en mucho tiempo, dato no menor si tenemos en cuenta el nivel su obra: Tiburón, Jurassic Park, Rescatando al soldado Ryan, solo por nombrar algunas.


Ahora bien, como suele suceder con estos directores que logran trascender la barrera de la cinefilia y dejan una marca importante, no se tarda en petrificar esa imagen: muchos fueron esperando encontrarse con algo como Tiburon, Jurassic Park, Rescatando al soldado Ryan. Ciertamente, Disclosure Day, juega a otra cosa.


Su última película es tan humanista como provocativa, juega con las reglas del fantástico y pone bajo reflectores la idea del milagro y la fe; razón que no ha tardado en levantar quejas sobre un guión simplista, especialmente entre aquellos que iban con la idea de ver guerras o mas precisamente lo que sucedía con la llegada de los aliens.


Lo cierto es que a Steven Spielberg le importan poco los aliens (al menos en esta película), le importa más ver como actuamos cuando todo nos obliga a ir por un lado mientras creemos que lo correcto está en sentido opuesto. Y ahí el contexto de invasión, ocultamiento, ciberseguridad o agencias poderosas terminan funcionando como activadores.



La película nos muestra el milagro y luego nos pregunta si creemos, pero no es tramposa, antes nos mostró las vicisitudes que implica "creer". Siguiendo su tono espiritual: "la fe sin obras está muerta"


Disclosure es una película hermosa en el mejor de los sentidos, rebelde pero profundamente humana. Al mismo tiempo espectacular: Spielberg pasa del drama a la acción, y de la acción al terror como si fuera lo más simple del mundo.


Él nos propone escuchar, yo les propongo ver. Saque su entrada la antes posible y asista a una función Disclosure Day

Buena pelicula

buena

Vista el 06/06/2026.
"¿Acaso no merecemos una vivienda digna?"
La usaré para un trabajo, de verdad que esta película me hace creer -absolutamente- que el Neorrealismo es el movimiento más importante en la historia del cine.
La escena final es perfecta en todo el ámbito de la palabra.
Perfecta.

Buena

La verdad hermosa pelicula!!!

El día de la revelación (2026) no es un 10, ni pretende ser la nueva obra maestra de Spielberg en comparación con sus grandes clásicos. Sin embargo, sí es un evento cinematográfico relevante, construido con una intencionalidad precisa: recordarnos la importancia de saber recibir información que contrapone nuestras creencias sin cerrarnos a ella.
Los aspectos técnicos del filme son impecables. En el terreno de la ciencia ficción, resulta casi injusto juzgar a Spielberg, pues se mueve con la maestría que lo ha distinguido en 50 años.
Si eres amante del género, es prácticamente un hecho que disfrutarás la experiencia.
A nivel narrativo, la película no sufre por falta de elaboración en el guion. Al contrario, su aparente sencillez es deliberada. Spielberg opta por una propuesta digerible, que evita la sobreestimulación del espectador. Lejos de ser una debilidad, este es un gesto noble: sabe que un mensaje tan importante como el que quiere transmitir necesita llegar con claridad cristalina.

La trama contrasta dos fuerzas opuestas. Por un lado, instituciones gubernamentales que buscan impedir que el mundo conozca la verdad, reservando sus beneficios para unos pocos. Más allá del temor al caos social, hay actores políticos que únicamente piensan en mantener su poder y la concentración de la información. Por el otro, dos pasajeros dotados de dones por entidades alienígenas, cuya misión es transmitir un conocimiento que pertenece por derecho universal a toda la humanidad y a la vez, la relevancia de mantener la empatía como ventaja evolutiva.
Emily Blunt entrega uno de los trabajos más fregones de su carrera en su papel de Margaret. No solamente interpreta con solvencia varios idiomas, también complejos dialectos alienígenas, y por ende, entiende y carga con el protagónico sin temas. Nos hemos acostumbrado a verla en comedias, no obstante en esta película nos muestra nuevamente que es una actriz dramática de primer nivel capaz de liderar cualquier proyecto.

Disclosure Day no pasará desapercibida. Spielberg, una vez más, nos hace notar algo más allá del entretenimiento: nos está preparando, o al menos adelantando, sobre un posible acontecimiento futuro. ¿No crees?

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buena

Hay películas que se sienten como un monumento de mármol, perfectas y frías. Tesla (la de Michael Almereyda con Ethan Hawke) no es una de esas. Es, más bien, una habitación desordenada en la mente de un genio que se está quedando a oscuras.
​Si vienes buscando la típica biografía de Hollywood con música épica y momentos de "eureka" bajo la lluvia, esta película te va a desconcertar por completo. Y creo que ahí radica su mayor belleza y, a la vez, su mayor trampa.
​Aquí mi visión de lo que nos deja esta obra:
​El hombre detrás del rayo
​Lo que más me conmovió de la interpretación de Ethan Hawke es que no intenta pintarnos a un dios de la electricidad. Nos muestra a un Nikola Tesla profundamente incómodo en su propia piel. Es un hombre que puede ver el futuro de la humanidad entera en su cabeza, pero que no sabe cómo pedir un café sin que le tiemblen las manos por la fobia a los gérmenes. Es una actuación contenida, silenciosa, casi fantasmal. Te da una tremenda ternura ver cómo un tipo tan brillante fue, en tantos sentidos, un huérfano del mundo real.
​Un desorden extrañamente tierno
​La película es rara, no te voy a mentir. Rompe la cuarta pared a cada rato. De pronto, la narradora (Eve Hewson) saca una laptop moderna en pleno siglo XIX y te dice cuántas búsquedas en Google tiene Thomas Edison en comparación con Tesla. Al principio te vuela la cabeza y te saca de la historia, pero luego entiendes el punto: el legado de Tesla sigue en construcción, y el tiempo es solo una línea difusa.
​El momento cumbre de este delirio —que a algunos les parecerá ridículo y a mí me pareció de una vulnerabilidad poética brutal— es ver a Ethan Hawke cantando "Everybody Wants to Rule the World" de Tears for Fears con un micrófono ochentero, vestido de época. Es el grito desesperado de un hombre incomprendido atrapado en el siglo equivocado.
​Lo que se queda corto
​A pesar de su valentía, a veces la película se siente tan distante como el propio Tesla. Se enfoca tanto en los conceptos y en la atmósfera melancólica que se olvida de dejarnos conectar con el fuego de sus descubrimientos. El ritmo se vuelve lento, casi pesado, como si camináramos por el lodo de la Nueva York de 1890.
​Evaluación Final
​💫💫💫 (3 de 5 estrellas)
​Tesla no es una obra maestra, pero tiene alma. Es imperfecta, fragmentada y un poco excéntrica, tal como el hombre en el que se inspira. Vale la pena verla si estás dispuesto a perdonarle sus rarezas a cambio de un retrato íntimo sobre la soledad que cuesta ser un visionario.

¡Qué peliculón de la infancia! Si creciste en los 80 o los 90, es imposible que no te acuerdes de Johnny Cinco, el robot más carismático y parlanchín de la historia del cine. Mientras que la primera película era una aventura rural y más de ciencia ficción, Cortocircuito 2 (1988) se trae al robot a la caótica jungla de asfalto de Nueva York, y el resultado es una mezcla divertidísima, nostálgica y, para qué mentir, un poco lacrimógena.
​Aquí te dejo mi repaso de este clásico de las tardes de domingo.
​Lo que la hace un peliculón (El "Input" bueno)
​Johnny Cinco es puro corazón: Lo mejor de la película sigue siendo su protagonista. El trabajo de marionetas y animatrónica es brutal; Johnny tiene más expresividad en sus ojos de cámara que muchos actores de Hollywood hoy en día. Su inocencia descubriendo la gran ciudad, leyendo libros a toda velocidad y descubriendo los "chistes callejeros" es una delicia.
​Ben y Fred, una pareja dispareja: Fisher Stevens vuelve como Ben Jahveri (el científico despistado con un acento bastante cuestionable para los estándares actuales, todo hay que decirlo), y se le une Michael McKean como Fred, un buscavidas de la calle que al principio solo ve a Johnny como un signo de dólar andante pero que termina queriéndolo como a un hermano. La química funciona de maravilla.
​Ese clímax final a ritmo de Bonnie Tyler: La escena en la que Johnny Cinco, tuneado con estética punk y medio destrozado, persigue al villano mientras suena "I Need a Hero" de fondo es, sin exagerar, cine en su máxima expresión de entretenimiento. Pura adrenalina ochentera.
​Lo que no envejeció tan bien
​El nivel de violencia (para ser una peli familiar): De niño no te dabas cuenta, pero de adulto impresiona un poco la paliza que los malos le dan a Johnny en el banco. Verlo perder líquido hidráulico, tartamudear y rogar por su vida te rompe el corazón. ¡Es un trauma infantil desbloqueado!
​Tramas un poco simplonas: Al final del día, los villanos son los típicos malos de caricatura que quieren robar diamantes, pero se lo perdonamos porque la película no pretende ser El Padrino, sino hacerte pasar un buen rato.
​Evaluación Final
​Cortocircuito 2 es de esas secuelas que, para muchos, superó a la original gracias a su ritmo más urbano y dinámico. Es divertida, es tierna, te hace reír y te toca la fibra sensible. Si quieres una dosis de nostalgia pura de la buena, esta es tu película.
​Mi puntuación:
💫💫💫💫 (4 de 5 estrellas)
(Le quito una estrella solo por el sufrimiento que me causó ver a Johnny herido, ¡con el robot no se metan!)

Si creciste en los 90, seguro te acuerdas de esa tarde en la que pusiste un casete de VHS y te topaste con Pequeños Guerreros (Small Soldiers, 1998). Dirigida por el maestro Joe Dante —el mismo genio detrás de Gremlins—, esta película es una joya de la infancia que, vista hoy en día, tiene capas que de niño uno ni masticaba.
​Aquí te dejo mi repaso honesto por este clásico de culto:
​¿De qué va la locura?
​La premisa es una genialidad de la época: una multinacional de juguetes decide meter chips militares de última generación (literalmente robados al ejército) en dos líneas de figuras de acción. Por un lado están los Comandos Élite, unos tipos hipermusculados, xenófobos y obsesionados con la guerra. Por el otro, los Gorgonitas, unas criaturas monstruosas pero pacíficas que solo quieren encontrar su hogar. El caos empieza cuando los muñecos cobran vida propia y los Comandos deciden que el patio de una casa suburbana es el escenario perfecto para un exterminio.
​Lo que de verdad funciona (y muy bien)
​Efectos que envejecieron como el buen vino: En una era donde el CGI actual a veces da pena, la mezcla de animación digital de Industrial Light & Magic con los animatrónicos reales de Stan Winston es una maldita maravilla. Sientes el peso del plástico, el ruido de los engranajes. Los juguetes se ven reales.
​** Una sátira ácida disfrazada de película infantil:** De niño te ríes con los golpes, pero de adulto te das cuenta de que Joe Dante se estaba burlando descaradamente del complejo militar estadounidense, del consumismo salvaje y de cómo las corporaciones lavan el cerebro de la gente.
​El diseño de personajes: El Comandante Chip Hazard es un villano icónico, y Archer es el héroe noble que todos queríamos tener en la repisa. Mención de honor para las muñecas "Gwendy" mutadas, que parecen sacadas de una pesadilla de Toy Story pero en versión turbia.
​Lo que no cuaja tanto
​El ritmo a mitad de la película se atropella un poco y las actuaciones de los humanos (salvo un joven Kirsten Dunst y el carismático Gregory Smith) son bastante planas. Los adultos de la película son los típicos tontos útiles de las comedias noventeras que solo están ahí para estorbar o poner caras de asombro.
​Evaluación Final
​Puntuación: 💫💫💫💫 (4 de 5 estrellas)
​Pequeños Guerreros no es perfecta, pero tiene una personalidad arrolladora que ya casi no se ve en el cine familiar actual. Es divertida, un pelo violenta para los estándares de hoy (esos pasadores y herramientas eléctricas usadas como armas dejan huella), y rebosa nostalgia pura. Si quieres pasar un domingo nostálgico, sigue siendo un planazo.

Solida película de un maestro que ya nada tiene que probar.
Spielberg regresa al tema de los ovnis pero esta vez a diferencia de sus anteriores incursiones en el tema, ya no es el tema principal alrededor del cual gira la trama, sino que más bien encuentra su centro en la sociedad, en las personas y en el poder de la empatía en tiempos cada vez más cínicos y divisorios.
No es la mejor película de Spielberg en veinte años, eso me parece una falacia cuando tiene grandes títulos como Lincoln, Bridge of spies, West side story y The Fabelmans, pero es un gran añadido a la lista. Diría que no termina de alcanzar la grandeza debido a un guión que podría haberse pulido más, le cuesta arrancar de forma prolija y acabar igual, pero el maestro y su gran elenco llevan a buen puerto este intenso viaje.

Flubber y el invento del siglo (1997): Nostalgia verde, rebote eterno y el alma de Robin Williams
​Hay películas que no necesitan ser obras maestras del séptimo arte para quedarse grabadas a fuego en el hipotálamo de toda una generación. Flubber (1997) es exactamente eso. Si creciste en los noventa, es imposible que no recuerdes ese moco verde gelatinoso, hiperactivo y con un ritmo endiablado que desafiaba todas las leyes de la física.
​Vista hoy, con los ojos de un adulto que ya peina alguna cana (o que al menos ya paga facturas), la película es un viaje de nostalgia puro y duro, pero también un recordatorio de lo mucho que extrañamos a Robin Williams.
​Lo que funciona (y por qué nos encanta)
​Robin Williams es el motor de todo: Interpretar al profesor Philip Brainard —el típico genio despistado que se olvida de su propia boda por tercera vez— no era un reto actoral digno del Óscar, pero Robin le inyecta una ternura y una humanidad que solo él podía dar. Su química con la pantalla, incluso cuando habla con la nada, es magnética.
​Efectos visuales con encanto noventero: Para 1997, el CGI de Flubber era una locura. Hoy en día se le ven las costuras por todos lados, no nos vamos a engañar, pero tiene ese "no sé qué" de la era dorada de los efectos digitales que resulta sumamente simpático. La escena de la coreografía de los pequeños Flubbers en la cocina sigue siendo un subidón de energía.
​Slapstick puro y duro: La comedia física de la película, especialmente en el tramo final con los matones y el partido de baloncesto, es de la vieja escuela. Es humor tonto, de caídas, golpes en las zonas nobles y rebotes imposibles, pero funciona perfectamente para desconectar el cerebro y sonreír un rato.
​Lo que no envejeció tan bien
​El guion es predecible a más no poder: Es un remake de Un sabio en las nubes (1961), y sigue la fórmula Disney de manual sin salirse un milímetro de la línea. Chico conoce chica, chico pierde a chica por culpa de su obsesión científica, chico recupera a chica gracias a un milagro verde.
​Weebo y el drama romántico robótico: La subtrama de Weebo, la robot asistente que está secretamente enamorada del profesor, siempre me ha parecido entre un poco triste y bastante bizarra. Su destino en la película es el único momento genuinamente dramático, y se siente un pelín fuera de lugar en una comedia tan ligera.
​Veredicto final
​Flubber no va a ganar un lugar en la lista de las 100 mejores películas de la historia, pero tampoco lo pretende. Es una película hecha para entretener a los niños del '97, vender juguetes y hacernos pasar un rato divertido en familia. Cumple lo que promete con creces, apoyada en los hombros de un actor irrepetible. Ideales para una tarde de domingo lluviosa en la que solo quieras un chute de nostalgia.
​Evaluación en estrellas:
💫 💫 💫 (3 de 5 estrellas: Buena, entrañable y con el corazón en el lugar correcto).