Reseñas

'Spider-Man: Brand New Day' es una grandísima película de superhéroes, que reinventa el género, a su vez que concluye el primer capítulo de la saga de Tom Holland, iniciando de excelente manera el segundo. La película se construye más inteligentemente que sus predecesoras, dándole más profundidad al personaje principal y al antagonista de esta entrega. A su vez, toca temas como la soledad del héroe, el viaje específico del Peter Parker de Holland a su meta de recuperar a sus amigos y aborda la correlación de sus personalidades, la común y la heróica. Excelente actuación por parte de Tom Holland, que nos regala su mejor interpretación del héroe arácnido, hasta ahora. Encarna el rol emocional y físicamente de una forma pocas veces vista en el UCM. Gran aporte de Jon Bernthal, en línea con su personaje, y buen acompañamiento por parte de Zendaya. Minutos limitados pero valiosos para Jacob Batalon y Florence Pugh. Acertada incorporación de Sadie Sink y su personaje a la trama del UCM, abordando el aislamiento y los traumas, así como agregando la dosis correcta del poder de la amistad. Buen regreso de Hulk e interesante el personaje de Tramell Tillman. Sobresaliente dirección por parte de Destin Daniel Cretton, con un movimiento de cámara veloz y dinámico, una asombrosa fotografía, muy buena iluminación, y enormes secuencias de acción y peleas. También, muy buenos efectos especiales y prácticos, así como una interesante banda sonora. La película se diferencia de la anteriores, al contar con una trama profunda y algo investigativa, con giros argumentales bien construidos y muy buen ritmo, generando emociones reales en la audiencia, a pesar de que se prolonga un tanto más de lo necesario.

MUY BUENA PELICULA,

bn

muy buena

muy buena

muy buena

me encanta

Para hacer una película lo único que se necesita es una cámara, sea una película experimental o una película de género. Farsa Producciones revolucionó el cine de género en Argentina, siendo del grupo de personas que previeron la llegada del nuevo cine argentino (Plaga Zombie es de 1997) y de algunos de sus modos de producción, por el hecho de filmar entre amigos, con los equipos que haya -esta película fue filmada con una cámara vhs-, en locaciones en donde tengan acceso inmediato. La singularidad de estas primeras películas de Farsa es el habla, Nunca asistas a este tipo de fiestas es del 2000 y se habla de una manera que ya no existe, había algo en la dicción del acento de la provincia de Buenos Aires que hoy se ha vulgarizado, basta con ir a Palermo y escuchar hablar a la gente, donde parecen una traducción de Saturday Night Live accidental. Plaga Zombie está hablada en un español neutro argentinizado, lo que genera una comicidad casi inmediata, sobre todo escuchándolo en un actor como Berta Múñiz, donde su porte lo exacerba. Si bien hay un cine que accidentalmente el tono casi que convierte a lo argentino en algo americanizado, aquí en las películas de Farsa, sucede al revés, no podría ser más argentino, sobre todo sabiendo lo forzoso que debe ser para un actor buscar ese acento de traducción al español por doblaje latino y a la vez preservar aspectos del tono de Buenos Aires, más de provincia -si bien tengo entendido los directores y actores del grupo vienen de Haedo- que de capital. A la vez en la película hay otro juego con respecto a los acentos que es aún más complejo que es el del personaje que interpreta Walter Cornás, que a diferencia del resto, él es español, lo que genera una contradicción mayor en la lengua y el habla de la película, hecho que a mi parecer es de lo que guarda mayor comicidad. Las películas de Farsa son una experiencia en sí misma que todo cinéfilo argentino debería de presenciar alguna vez.

El hijo de Anthony Perkins, tal vez el rostro más memorable del cine de terror, se dedicó al cine de terror. Según la wikipedia Osgood se basó en la historia de su padre y su sexualidad reprimida, Anthony fue una persona homosexual o bisexual que se sometió a la terapia de conversión para dejar de lado su instinto homosexual. Este hecho parece fascinante y de alguna manera recuerda a Psycho de Alfred Hitchcock, donde casi que el personaje de Norman Bates está basado en Perkins padre. Más allá de la fascinación que puedan generar estos datos, en la película impera el desorden y la pretensión. Hay autores/guionistas que creen que sus obras son tan sofisticadas que para que la audiencia las entienda tiene que decirse o mostrarse, a través del diálogo de los personajes por ejemplo, la estructura narrativa de la película, tomando por idiota a la audiencia y creyendo ciegamente en la propia sofisticación de escritura, cuando la realidad demuestra que en esa pretensión inicial de creer que hay un gran relato, en realidad solo hay baches o lagunas, y no adredes. Otra falencia es la del tono de la película, tal vez daría más miedo si el tono fuera más realista y menos teatral, pero incluso en esa teatralidad no hay una exageración, más allá de la del personaje de Longlegs, pero que sin embargo no logra ser un despliegue actoral que denote la gran construcción del personaje que el director pretende que haya. Así también la construcción espacial del filme me abrumó bastante, sobre todo los planos y contraplanos estáticos con un punto de fuga que más que proponer una dinámica espacial que despierte interés, hace pensar de nuevo en las carencias de la narración. El neo-folk alternativo que impera en el cine de terror de estos últimos años pareciera que agotó sus posibilidades apenas fueron pretendidas.

La película comienza con una escena de pelea excelentemente bien narrada desde cámara, una escena que podría ser la envidia de todo provocateur moderno. Aún así, si bien la maestría de Spielberg narrando en planos es indiscutible a esta altura, la película no presenta grandes momentos de dirección, o si están, aparecen aislados y no como parte de la unidad total, o la totalidad tiene pequeños vestigios de excelencia de la dirección del maestro. La historia de por sí no genera suspenso alguno, la idea de revelar información a la humanidad sobre vida inteligente de otro planeta que se encuentra entre los humanos llama la atención de por sí, y más en los tiempos de desclasificación de archivos UAP en los que nos encontramos. Pero la construcción del relato y de los personajes, más allá del tema o motivo principal que es candente y actual, no presenta ninguna excelencia y se vuelve redundante. Me parece insostenible la idea de dos protagonistas que son los elegidos para decodificar el lenguaje extraterrestre, motivo que me recuerda a Arrival, que es una obra maestra, y su historia gira en torno a la decodificación de un lenguaje, pero se aproxima a ello a través de procesos lingüísticos, aquí el lenguaje o la decodificación que conlleva solamente se lo propone pero no se indaga en ello, solamente es una pincelada de información más para hacer avanzar la trama. También la construcción del villano o la evil corp fastidia un poco y no presenta dotes narrativos que ayuden a engrandecer al malo de la película. De las películas de Spielberg de extraterrestres me parece de las peores en su cimentación, teniendo en cuenta la actualización del tema, que es recurrente en la filmografía de este director, y como hoy toda esa concepción en torno a los extraterrestres ha cambiado y un relato mucho más fascinante en cuanto al tema podría ser más creíble incluso en su parte más ficticia.

Una de las mejores características del cine de Lars von Trier es su capacidad para subvertir los preceptos que se tienen sobre la temática y las reglas de los géneros. En Riget por ejemplo, toma como base las series de hospitales y las sitcoms estadounidenses pero lo lleva al terreno de los fantasmas. Aquí en Anticristo establece las bases de la película de terror de posesión demoníaca en una cabaña, pero lo trastoca llevando la función psicológica de los personajes al extremo, haciendo que el espectador olvide que hay una posesión demoníaca o incluso confundiéndola con una enfermedad mental. El genre-bending de von Trier está presente en toda su obra y creo que fundamenta la ambigüedad de sensaciones que el espectador siente a lo largo de la visualización de sus obras, sensaciones que se contradicen por el hecho mismo que el cerebro del espectador universal construye un relato con ciertas características genéricas y patrones reconocibles que hacen que se anticipe a las sensaciones esperadas de determinado género, pero que haya más de un género determina que distintos tipos de sensaciones se solapen y por lo tanto creen una sensación de inseguridad y desconcierto a lo largo de todo el filme. También como añadidura a la interpolación de sensaciones está el hecho de que el estilo de la película tampoco es uniforme, conviven momentos, por un lado están los planos largos abiertos y espirituales que dialogan con Tarkovsky, así como los planos erráticos hechos con cámara en mano y concatenados por un montaje más veloz y de índole televisiva, que por cierto no respetan espacialidad alguna, ya que no se respeta el eje de 180 grados que se utiliza habitualmente, lo que genera una alteración en cómo el ojo percibe la integridad de la película. Podría pensarse al cine de este grande como una perversión estilística.

m,.n,m

La Odisea funciona como película Hollywoodense, está hecha para agradar al público de nuestros días. Creo que funcionaría mejor como serie o dividiendo la entrega por partes. Lo anterior porque eliminan algunos pasajes del poema épico que ayudan a entender mejor la trama. Quienes hicieron drama por Lupita Nyong'o como Helena desconocen que en La Odisea tiene una intervención muy incidental. Todo va bien hasta que le meten el discurso pacifista woke que desvirtúa la obra original. Zendaya está entre azul y buenas noches, ya que le dan otro sentido a Atenea. Las actuaciones cumplidoras, pero sobresalen más los secundarios: Leguizamo y Samantha Morton, su Circe le quedó de 10. La producción está impecable. El trabajo de adaptación es lo que me quedó a deber.

Obsesión es un churro con suerte. Una película muy simplona con una premisa desaprovechada.

De esas películas que no sabes si son una tomadura de pelo o realmente están proponiendo algo.
Puede ser vista como una historia absurda o una metáfora del psicoanálisis. Por momentos me recordó a El cubo, Dimensión desconocida y hasta El resplandor.

muy buena

BB

'Las ovejas detectives' (2026) logra lo que parecía imposible: transformar una premisa disparatada sobre lana y misterio en una de las sorpresas más cálidas y conmovedoras del año.
​Calificación: 💫💫💫💫 (4/5 estrellas)
​Lo que sobre el papel sonaba a un chiste alargado de noventa minutos —un rebaño de ovejas intentando resolver el asesinato de su pastor (Hugh Jackman) usando el conocimiento que heredaron de las novelas policiacas que él les leía— termina funcionando con una honestidad sorprendente.

​Corazón por encima del chiste: Detrás del humor absurdo y las situaciones ridículas de ver a unos animales tratando de interpretar pistas humanas, la película tiene un poso sobre el duelo, la lealtad y la comunidad extrañamente maduro. Las ovejas no investigan solo por jugar a ser detectives; investigan porque extrañan a su amigo.

​Voces que sostienen la historia: El trabajo de voz de Julia Louis-Dreyfus, Bryan Cranston y Chris O'Dowd le da una textura tremenda a cada miembro del rebaño. No son meras caricaturas; cada una reacciona a la tragedia y al miedo a salir de la pradera desde un lugar muy reconocible.

​El equilibrio narrativo: Craig Mazin en el guion demuestra que sabe tratar al público con respeto. La película jamás se burla de su propia historia ni cae en la parodia barata; se toma en serio a sus personajes, y eso hace que te preocupes genuinamente por el destino de este grupo de lana.

​No es una obra maestra del misterio puro (algunos giros se ven venir desde la pradera de al lado y el ritmo decae un poco en el segundo acto cuando los humanos toman el protagonismo), pero tiene un encanto tan honesto que es casi imposible no salir con una sonrisa.