Reseñas
La hora de la desaparición (2025)
I
Isaaa💫18 de octubre de 2025
Isaaa💫18 de octubre de 2025Una película de terror que se sale de lo convencional brindándonos una historia aterradora llena de suspenso pero muy original en su estilo y en la forma de narrar los acontecimientos ya que nos muestra la historia a través de la imagen subjetiva de cada uno de sus personajes logrando ahondar en la psicología de ellos mostrando que el terror esta en nosotros mismos. También podemos encontrar otros subtextos muy interesantes. Recomendada.
El conjuro: El diablo me obligó a hacerlo (2021)
J
Jesús Iván De la cruz alfaro18 de octubre de 2025
Jesús Iván De la cruz alfaro18 de octubre de 2025Muy buena
Superman (2025)
V
Variados 2918 de octubre de 2025
Variados 2918 de octubre de 2025No me gustó mucho la verdad, la esencia del Superman de Henry se perdió, además este Superman es muy infantil, no sé cómo que le falta más madurez, es buen súper man pero le falta algo!
Jesús de Montreal (1989)
R
Rodrigo Javier Nava LOBO18 de octubre de 2025
Rodrigo Javier Nava LOBO18 de octubre de 2025La historia detrás de un gran maestro, así sin la historia que normalmente cuentan, más apegada al tiempo en el que vivió y encarnar esa pasión que llevó a Jesús a la cruz, a su vez la hermandad formada por sus discípulos que siempre lo siguieron
Terminator 2: El juicio final (1991)
Á
Ángelesk18 de octubre de 2025
Ángelesk18 de octubre de 2025Terminator 2: Judgment Day no es solo una secuela; es la perfección del cine de acción. James Cameron eleva la apuesta con efectos visuales que cambiaron la industria para siempre, encarnados en el aterrador T-1000. Pero la verdadera genialidad de la película reside en su inesperado corazón. Arnold Schwarzenegger transforma al villano icónico en una figura paterna improbable, explorando temas de humanidad, destino y sacrificio. Su viaje, junto al de una formidable Sarah Connor, crea una obra maestra que es tan emocionalmente devastadora como visualmente espectacular. Una película simplemente perfecta.
Dragon Ball Z: Goku es el legendario Super Saiyajin (1991)
U
User-148176576918 de octubre de 2025
User-148176576918 de octubre de 2025Contiene spoilers
Fina
La máscara (1994)
R
RianaD2518 de octubre de 2025
RianaD2518 de octubre de 2025El baile del protagonista ,estilo magia he encanto con una flexibilidad única
me divertía mucho viendo esta pelicular.............................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................
me divertía mucho viendo esta pelicular.............................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................
El umbral (2005)
L
leila Guiñazú18 de octubre de 2025
leila Guiñazú18 de octubre de 2025La película El Umbral es una producción que me gustó, aunque no me fascinó. Aun así, logró darme ese gusto de disfrutarla.
Al principio, la verdad me mareé un poco y me confundí, ya que había escenas que se repetían, y eso me tomó por sorpresa. Sin embargo, más adelante pude comprender el porqué de esa decisión narrativa.
El final fue lo que más me shockeó, porque me tomó completamente desprevenida. Me esperaba cualquier otra cosa, menos ese tipo de desenlace. Aun así, gracias a ese final, logran resolver varias dudas que surgen a lo largo de la película.
Al principio, la verdad me mareé un poco y me confundí, ya que había escenas que se repetían, y eso me tomó por sorpresa. Sin embargo, más adelante pude comprender el porqué de esa decisión narrativa.
El final fue lo que más me shockeó, porque me tomó completamente desprevenida. Me esperaba cualquier otra cosa, menos ese tipo de desenlace. Aun así, gracias a ese final, logran resolver varias dudas que surgen a lo largo de la película.
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba Castillo Infinito (2025)
F
Fernando Aguilar pavon18 de octubre de 2025
Fernando Aguilar pavon18 de octubre de 2025Uno de los mejores animes saludos del manga su animación es fenomenal su trama genial
Atrapado robando (2025)
G
Gerardo Tudares18 de octubre de 2025
Gerardo Tudares18 de octubre de 2025El director de esta película nos tenia acostumbrados a cintas muy diferentes a esta, siendo Requiem por un sueño una de las cuáles aun recordamos a escuchar su nombre. Ahora imaginen un Réquiem un poco suavizado sin drogas pero con mafias, carteles y corrupción. Eso es Atrapado Robando. Actuaciones impecables de todos sus actores, punto extra por tener varios actores que usualmente no trabajan juntos. Un ritmo que no que atrapa de una vez, te hace reir, te intriga, te hace pensar. Película bien hecha
Una batalla tras otra (2025)
K
Karla Canepa huayhua18 de octubre de 2025
Karla Canepa huayhua18 de octubre de 2025A mi parecer, Una batalla tras otra es una película ambiciosa, que logra combinar lo personal con lo político, lo emocional con lo visual, con momentos realmente poderosos. No es perfecta, pero su grandeza radica en ese desequilibrio entre la furia revolucionaria y el desgaste humano.
Si te gusta el cine que te hace cuestionar, que no solo entretiene sino que deja pensando, esta película vale mucho la pena. Aún con sus fallas, logra generar empatía, indignación, ternura, rabia… todo eso junto.
Si te gusta el cine que te hace cuestionar, que no solo entretiene sino que deja pensando, esta película vale mucho la pena. Aún con sus fallas, logra generar empatía, indignación, ternura, rabia… todo eso junto.
El transportador 3 (2008)
R
Redmi Doce18 de octubre de 2025
Redmi Doce18 de octubre de 2025El transportador 3 (2008), dirigida por Olivier Megaton, ofrece una nueva entrega de la fórmula que hizo popular a Frank Martin, interpretado una vez más por Jason Statham. La trama de acción se enfoca en el viaje de Frank a través de Europa, con intensas secuencias de lucha, persecuciones de autos y un riesgo constante.
Sinopsis
Tras negarse a aceptar un trabajo, Frank Martin es forzado a transportar un paquete en su Audi. Para asegurar su "colaboración", él y la joven ucraniana que lleva como pasajera, Valentina (interpretada por Natalya Rudakova), son equipados con brazaletes explosivos. Esto los obliga a seguir un camino preestablecido y a mantenerse a una distancia determinada de sus vehículos para no estallar. El viaje, desde Marsella hasta Odessa, se convierte en una carrera mortal para sobrevivir mientras Frank se enfrenta a su antagonista, Jonas Johnson (Robert Knepper).
Aspectos destacados
La acción: La película se adhiere a la fórmula de la saga, con coreografías de combate y persecuciones de alta adrenalina. La lucha entre Statham y Knepper es uno de los momentos más elogiados por los críticos.
Elenco: Jason Statham vuelve a encarnar al protagonista con su habitual carisma y estilo. Su coprotagonista, Natalya Rudakova, fue descubierta por el guionista Luc Besson y se preparó durante meses para el papel. El villano, interpretado por Robert Knepper, es otro punto fuerte para los espectadores.
Vehículos y tecnología: Como es habitual, los autos de lujo, en este caso el Audi A8 W12, tienen un papel central en la acción. El uso de los brazaletes explosivos agrega un elemento de urgencia a la trama.
Crítica
Las opiniones sobre la película fueron mixtas, pero generalmente reconocen que cumple con las expectativas de los seguidores del género.
Lo positivo: Los seguidores de la saga valoran la acción ininterrumpida y las habilidades de combate de Jason Statham. La película es ideal para los amantes del cine de entretenimiento puro.
Lo negativo: Algunos críticos señalan que el ritmo frenético de las peleas, en ocasiones, puede resultar excesivo. La trama, aunque sirve como excusa para la acción, se considera secundaria.
En resumen, El transportador 3 es una película para los amantes de la acción que buscan una dosis de adrenalina sin complicaciones. Quienes aprecian el estilo de Jason Statham y las persecuciones de autos encontrarán en ella una experiencia entretenida y visualmente impactante.
Sinopsis
Tras negarse a aceptar un trabajo, Frank Martin es forzado a transportar un paquete en su Audi. Para asegurar su "colaboración", él y la joven ucraniana que lleva como pasajera, Valentina (interpretada por Natalya Rudakova), son equipados con brazaletes explosivos. Esto los obliga a seguir un camino preestablecido y a mantenerse a una distancia determinada de sus vehículos para no estallar. El viaje, desde Marsella hasta Odessa, se convierte en una carrera mortal para sobrevivir mientras Frank se enfrenta a su antagonista, Jonas Johnson (Robert Knepper).
Aspectos destacados
La acción: La película se adhiere a la fórmula de la saga, con coreografías de combate y persecuciones de alta adrenalina. La lucha entre Statham y Knepper es uno de los momentos más elogiados por los críticos.
Elenco: Jason Statham vuelve a encarnar al protagonista con su habitual carisma y estilo. Su coprotagonista, Natalya Rudakova, fue descubierta por el guionista Luc Besson y se preparó durante meses para el papel. El villano, interpretado por Robert Knepper, es otro punto fuerte para los espectadores.
Vehículos y tecnología: Como es habitual, los autos de lujo, en este caso el Audi A8 W12, tienen un papel central en la acción. El uso de los brazaletes explosivos agrega un elemento de urgencia a la trama.
Crítica
Las opiniones sobre la película fueron mixtas, pero generalmente reconocen que cumple con las expectativas de los seguidores del género.
Lo positivo: Los seguidores de la saga valoran la acción ininterrumpida y las habilidades de combate de Jason Statham. La película es ideal para los amantes del cine de entretenimiento puro.
Lo negativo: Algunos críticos señalan que el ritmo frenético de las peleas, en ocasiones, puede resultar excesivo. La trama, aunque sirve como excusa para la acción, se considera secundaria.
En resumen, El transportador 3 es una película para los amantes de la acción que buscan una dosis de adrenalina sin complicaciones. Quienes aprecian el estilo de Jason Statham y las persecuciones de autos encontrarán en ella una experiencia entretenida y visualmente impactante.
Una batalla tras otra (2025)
J
Javier Manriquez17 de octubre de 2025
Javier Manriquez17 de octubre de 2025La cinematografía de Una batalla tras otra es de una precisión y belleza impactantes. Cada plano está pensado al detalle, y la cámara se mueve con una energía que te mete de lleno en la acción. Es un ejemplo claro de cómo la puesta en escena y el lenguaje visual pueden contar tanto como los diálogos.
El guion, pese a la larga duración, mantiene el ritmo y la tensión sin perder profundidad. La historia fluye con naturalidad y logra sostener el interés hasta el final.
Las actuaciones son impecables y llenas de matices. Leonardo DiCaprio y Sean Penn están excepcionales: ambos logran una química intensa y una presencia que eleva cada secuencia. DiCaprio, especialmente, brilla con un papel complejo y emocionalmente cargado, que confirma una vez más por qué es uno de los actores más completos de su generación.
La fotografía y la edición son espectaculares, y la banda sonora —presente casi todo el metraje— encaja perfectamente con el tono de suspenso y tensión constante. Jonny Greenwood entrega otro trabajo brillante, donde el piano y la música no solo acompaña, sino que dialoga con las imágenes y amplifica la atmósfera.
El único punto que me impide darle cinco estrellas es el guion, que en algunos momentos se siente excesivamente inclinado hacia una postura política de izquierdas. Aun así, si se la mira desde otro enfoque, permite explorar las contradicciones internas de los personajes: sus dilemas éticos, morales y personales, más allá de cualquier ideología. Esa tensión es, sin duda, uno de los aciertos de Anderson.
La película también tiene claros tintes tarantinescos, con escenas que combinan acción, humor y violencia de forma estilizada. Destaco especialmente la secuencia de la ruta: una joya visual, con una mezcla perfecta de montaje, música y ritmo narrativo.
En conjunto, Una batalla tras otra es una experiencia cinematográfica potente, visualmente impecable y llena de carácter. Pese a ciertos excesos ideológicos, sigue siendo una obra de gran nivel, sostenida por dos actuaciones memorables. Recomiendo ir al cine a verla si estamos dispuestos a prestar atencion 3hs
El guion, pese a la larga duración, mantiene el ritmo y la tensión sin perder profundidad. La historia fluye con naturalidad y logra sostener el interés hasta el final.
Las actuaciones son impecables y llenas de matices. Leonardo DiCaprio y Sean Penn están excepcionales: ambos logran una química intensa y una presencia que eleva cada secuencia. DiCaprio, especialmente, brilla con un papel complejo y emocionalmente cargado, que confirma una vez más por qué es uno de los actores más completos de su generación.
La fotografía y la edición son espectaculares, y la banda sonora —presente casi todo el metraje— encaja perfectamente con el tono de suspenso y tensión constante. Jonny Greenwood entrega otro trabajo brillante, donde el piano y la música no solo acompaña, sino que dialoga con las imágenes y amplifica la atmósfera.
El único punto que me impide darle cinco estrellas es el guion, que en algunos momentos se siente excesivamente inclinado hacia una postura política de izquierdas. Aun así, si se la mira desde otro enfoque, permite explorar las contradicciones internas de los personajes: sus dilemas éticos, morales y personales, más allá de cualquier ideología. Esa tensión es, sin duda, uno de los aciertos de Anderson.
La película también tiene claros tintes tarantinescos, con escenas que combinan acción, humor y violencia de forma estilizada. Destaco especialmente la secuencia de la ruta: una joya visual, con una mezcla perfecta de montaje, música y ritmo narrativo.
En conjunto, Una batalla tras otra es una experiencia cinematográfica potente, visualmente impecable y llena de carácter. Pese a ciertos excesos ideológicos, sigue siendo una obra de gran nivel, sostenida por dos actuaciones memorables. Recomiendo ir al cine a verla si estamos dispuestos a prestar atencion 3hs
Psicosis (1960)
T
Teresa cambero17 de octubre de 2025
Teresa cambero17 de octubre de 2025Contiene spoilers
Psicosis 1960: “Una ducha de historia”
La escena de la ducha de Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock es, sin duda, una de las más estudiadas en la historia del cine. Su fama no solo está en la violencia que insinúa, sino en la manera en que esa sugerencia va de la mano con su época, la técnica cinematográfica y la creación de un nuevo modo de entender al director como productor del miedo. A continuación, les traigo un análisis que aborda tanto su alcance histórico como la manera en que define a nuestro protagonista: Alfred Hitchcock.
Contexto del Año en que se estrenó-1960: En ese momento, el cine de terror y suspense trabajaba entre la fascinación por lo prohibido y las restricciones formales impuestas por la productora y la censura. El Código Hays (que regía la industria estadounidense) imponía límites explícitos sobre violencia, sexo y sangre en pantalla. Psicosis rompe esas ´´reglas´´ sin abandonar del todo la normativa de la época: no muestra sangre explícita, no exhibe cuerpos mutilados al detalle y evita la desnudez; sin embargo, transforma la experiencia de ver una película de terror al desplazar el centro de atención de lo visible a lo sugerido, a la insinuación y al montaje. En otras palabras, Hitchcock aprovecha las limitaciones para forzar una inmersión psicológica: la cámara y el montaje sustituyen lo gráfico por lo sensorial y lo simbólico.
La escena como rompimiento de las expectativas: La ducha es, dentro de la película, el momento en que la seguridad narrativa del relato de Marion Crane es traicionada. Marion, que parecía encarnar las virtudes de la protagonista tradicional (mujer prudente, moralmente recta, con un secreto que la condena), es eliminada de forma abrupta y definitiva. Esa muerte temprana de la figura central desarma al espectador y define un nuevo curso de toda la película. Hitchcock, al hacer de la ducha el escenario de la violencia, subraya una idea fundamental de su cine: la seguridad del espectador —tanto en el género como en la escala de valores que lo sostiene— no es sagrada. El director se atreve a “matar” a la protagonista en un momento que parece garantizarle un regreso seguro de inversión emocional y narrativa. Este acto no sólo sorprende; cuestiona la ética de la identificación y del deseo del público, y coloca al cine como una experiencia que puede cambiar de eje en un instante.
Edición y ritmo: La escena se compone de una secuencia de cortes extremadamente rápidos y fragmentados. Aunque la acción transcurre en unos minutos, la puesta en escena utiliza decenas de cortes para construir una sensación de fricción, desorientación y debilidad. El ritmo del montaje —con saltos de una toma a otra, a veces apenas sugeridos por un corte-continua— genera una sensación de asfixia y desprotección que no podría lograrse con planos largos o explícitos. La multiplicidad de puntos de vista (primeros planos de Marion, planos de detalle del agua, del cuchillo, de la cortina de la ducha) crea una escalada de inmediatez que empuja al espectador a completar la violencia en su imaginación.
Sonido y música: Bernard Herrmann desarrolla una obra musical que se convierte en un elemento narrativo libre. Los ruidos agudos, las cuerdas que se elevan en tensión, los silencios y la alteración del sonido ambiental de la ducha generan una asociación entre lo que se ve y lo que se oye que intensifica la sensación de violación y miedo. Hitchcock sabe que la violencia en pantalla no necesita ser mostrada para sentirse por completo; el sonido puede hacerla real en la imaginación del espectador.
Qué significa para Hitchcock y como lo define a el:
Maestría en el control del suspense: La escena ilustra con claridad la forma en que Hitchcock entiende el terror como experiencia subjetiva más que como espectáculo visible. El suspense, para él, no es la distancia entre el peligro y el personaje; es lo que ocurre cuando el público llega a conocer la debilidad de alguien y la violencia entra por la puerta de lo que se está acostumbrado.
Innovación técnica como ética del cine: Hitchcock demuestra que el poder del cine se encuentra en la edición, el sonido y la sugestión: herramientas que permiten vulnerar límites sin recurrir abiertamente a lo explícito. Este enfoque convirtió a Hitchcock en un modelo para futuras generaciones de directores que buscaban en la técnica un modo de liberar una experiencia emocional difícil.
Desafío a los códigos de la época: Más allá de la creatividad formal, la escena marcó un cuestionamiento a las normas morales y a la confianza del público en la seguridad de los valores representados en la pantalla. Este cuestionamiento abrió espacio para el desarrollo de una cinematografía de terror más confusa, donde el mal puede filtrarse en lo cotidiano y la culpabilidad no siempre cae en un personaje claramente definido.
Básicamente, la escena de la ducha en Psicosis define lo que puede ser una experiencia cinematográfica de miedo: no depende de la ex
La escena de la ducha de Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock es, sin duda, una de las más estudiadas en la historia del cine. Su fama no solo está en la violencia que insinúa, sino en la manera en que esa sugerencia va de la mano con su época, la técnica cinematográfica y la creación de un nuevo modo de entender al director como productor del miedo. A continuación, les traigo un análisis que aborda tanto su alcance histórico como la manera en que define a nuestro protagonista: Alfred Hitchcock.
Contexto del Año en que se estrenó-1960: En ese momento, el cine de terror y suspense trabajaba entre la fascinación por lo prohibido y las restricciones formales impuestas por la productora y la censura. El Código Hays (que regía la industria estadounidense) imponía límites explícitos sobre violencia, sexo y sangre en pantalla. Psicosis rompe esas ´´reglas´´ sin abandonar del todo la normativa de la época: no muestra sangre explícita, no exhibe cuerpos mutilados al detalle y evita la desnudez; sin embargo, transforma la experiencia de ver una película de terror al desplazar el centro de atención de lo visible a lo sugerido, a la insinuación y al montaje. En otras palabras, Hitchcock aprovecha las limitaciones para forzar una inmersión psicológica: la cámara y el montaje sustituyen lo gráfico por lo sensorial y lo simbólico.
La escena como rompimiento de las expectativas: La ducha es, dentro de la película, el momento en que la seguridad narrativa del relato de Marion Crane es traicionada. Marion, que parecía encarnar las virtudes de la protagonista tradicional (mujer prudente, moralmente recta, con un secreto que la condena), es eliminada de forma abrupta y definitiva. Esa muerte temprana de la figura central desarma al espectador y define un nuevo curso de toda la película. Hitchcock, al hacer de la ducha el escenario de la violencia, subraya una idea fundamental de su cine: la seguridad del espectador —tanto en el género como en la escala de valores que lo sostiene— no es sagrada. El director se atreve a “matar” a la protagonista en un momento que parece garantizarle un regreso seguro de inversión emocional y narrativa. Este acto no sólo sorprende; cuestiona la ética de la identificación y del deseo del público, y coloca al cine como una experiencia que puede cambiar de eje en un instante.
Edición y ritmo: La escena se compone de una secuencia de cortes extremadamente rápidos y fragmentados. Aunque la acción transcurre en unos minutos, la puesta en escena utiliza decenas de cortes para construir una sensación de fricción, desorientación y debilidad. El ritmo del montaje —con saltos de una toma a otra, a veces apenas sugeridos por un corte-continua— genera una sensación de asfixia y desprotección que no podría lograrse con planos largos o explícitos. La multiplicidad de puntos de vista (primeros planos de Marion, planos de detalle del agua, del cuchillo, de la cortina de la ducha) crea una escalada de inmediatez que empuja al espectador a completar la violencia en su imaginación.
Sonido y música: Bernard Herrmann desarrolla una obra musical que se convierte en un elemento narrativo libre. Los ruidos agudos, las cuerdas que se elevan en tensión, los silencios y la alteración del sonido ambiental de la ducha generan una asociación entre lo que se ve y lo que se oye que intensifica la sensación de violación y miedo. Hitchcock sabe que la violencia en pantalla no necesita ser mostrada para sentirse por completo; el sonido puede hacerla real en la imaginación del espectador.
Qué significa para Hitchcock y como lo define a el:
Maestría en el control del suspense: La escena ilustra con claridad la forma en que Hitchcock entiende el terror como experiencia subjetiva más que como espectáculo visible. El suspense, para él, no es la distancia entre el peligro y el personaje; es lo que ocurre cuando el público llega a conocer la debilidad de alguien y la violencia entra por la puerta de lo que se está acostumbrado.
Innovación técnica como ética del cine: Hitchcock demuestra que el poder del cine se encuentra en la edición, el sonido y la sugestión: herramientas que permiten vulnerar límites sin recurrir abiertamente a lo explícito. Este enfoque convirtió a Hitchcock en un modelo para futuras generaciones de directores que buscaban en la técnica un modo de liberar una experiencia emocional difícil.
Desafío a los códigos de la época: Más allá de la creatividad formal, la escena marcó un cuestionamiento a las normas morales y a la confianza del público en la seguridad de los valores representados en la pantalla. Este cuestionamiento abrió espacio para el desarrollo de una cinematografía de terror más confusa, donde el mal puede filtrarse en lo cotidiano y la culpabilidad no siempre cae en un personaje claramente definido.
Básicamente, la escena de la ducha en Psicosis define lo que puede ser una experiencia cinematográfica de miedo: no depende de la ex