Cleo de 5 a 7 (1962)★ 8.1/10

Absolutamente adoro la cinematografía de esta película. Es muy elegante y vibrante, y sabe dónde y cuándo poner énfasis en ciertas cosas. Esta obra maestra, dirigida por Agnès Varda cuando tenía 34, captura hermosamente la liberación universal de la naturaleza humana a través de una perspectiva femenina delicada. Cada persona y cada escena de las calles de París tienen importancia significativa en los ojos de la protagonista. Sin embargo, a medida que la historia se desarrolla, la audiencia se dará cuenta junto a ella que la verdadera libertad yace en aceptar la esencia de la vida más allá de las representaciones simbólicas.

Este es el primer largometraje feminista de Agnès Varda. Con matiz y dualidad, maneja las ideas opuestas de la realidad objetiva y la conciencia abstracta, la vida y el arte, lo público y lo privado, el objeto y el sujeto. Luego de la escena inicial con las cartas de tarot, la película cambia a blanco y negro. Por dos horas, nos presenta escenas bulliciosas de las calles de París y captura momentos con una perspectiva distorsionada que refleja el miedo abrumador de la protagonista al cáncer.

Me gustó mucho la fotografía de esta película: estable pero vívida y centrada. Es la obra representativa de Varda cuando tenía 34 años. Desde una delicada perspectiva femenina, retrata algunos lados auténticos de la humanidad. Al final, el público se da cuenta, al mismo tiempo que ella, de que la libertad procede de la realidad de la vida, despojada de significados simbólicos. El cortometraje “En el puente”, enmarcado dentro de la película, también tiene un vívido significado filosófico.

Verdá es una de las cineastas más importantes de la historia del cine.
Esta es una de sus obras más importantes. Con una hermosa fotografía en blanco y negro y guiños a los grandes clásicos pero con su impronta feminista. Tenemos una bella historia donde Cloe, una cantante famosa, descubre que tiene cáncer y pasa todo un día esperando por los resultados finales para saber que va a ser de su vida.
Con actuaciones bellas y contundentes, tenemos un guión que nos habla sobre el miedo a la muerte, los vínculos, el amor y el humor para curar los diferente males cotidianos.
Una cinta femenina y feminista, donde la mirada de la calles parisinas está puesta desde el punto de vista de una mujer en los 60, lejos de cómo estaba representada en la mirada masculina esa cuidad.
Cleo nos habla del amor propio y de la autoestima y como nos aferramos al amor y al arte para no perdernos en la muerte.

Varda é bastante delicada. Ela retrata com precisão como uma mulher triste, amedrontada e quase em colapso chega ao autoconhecimento. Ela frequentemente usa cortes rápidos para mostrar a transformação de Cléo — de uma estrela a uma pessoa comum.

Eu adoro a cinematografia desse filme. É muito elegante e vibrante, e sabe onde e quando enfatizar certas coisas. Essa obra-prima, dirigida por Agnès Varda quando ela tinha apenas 34 anos, capta com beleza a liberação universal da natureza humana por meio de uma delicada perspectiva feminina. Cada pessoa e cena nas ruas de Paris tem um significado simbólico aos olhos da protagonista. Entretanto, à medida que a história se desenvolve, o público perceberá, junto com ela, que a verdadeira liberdade está em abraçar a essência da vida além das representações simbólicas.

Esse é o primeiro longa-metragem feminista de Agnès Varda. Com nuances e dualidade, ele lida com as ideias contrastantes de realidade objetiva e consciência abstrata, vida e arte, público e particular, e objeto e sujeito. Após a cena introdutória com as cartas de tarô, o filme muda para preto e branco. Ao longo de duas horas, ele nos leva a cenas movimentadas nas ruas de Paris e captura momentos com uma perspectiva distorcida que reflete o medo avassalador do protagonista em relação ao câncer.

Varda is delicate enough. She precisely portrays how a sad, fearful, and almost collapsing woman comes to know herself. She frequently uses jump cuts to show Cléo's transformation—from a star to a commoner.

I absolutely adore the cinematography in this film. It's so elegant and vibrant, and it knows where and when to draw emphasis on certain things. This masterpiece, directed by Agnès Varda when she was just 34, beautifully captures the universal liberation of human nature through a delicate female perspective. Every person and scene on the streets of Paris carries symbolic significance in the eyes of the leading lady. However, as the story unfolds, the audience will realize alongside her that true freedom lies in embracing the essence of life beyond symbolic representations.

This is Agnès Varda's first feminist feature film. With nuance and duality, it handles the contrasting ideas of objective reality and abstract consciousness, life and art, public and private, and object and subject. After the introductory scene with tarot cards, the film switches to black and white. Over two hours, it takes us through bustling scenes on the streets of Paris and captures moments with a distorted perspective that reflects the protagonist's overwhelming fear of cancer.