All About My Mother (1999)★ 8.1/10

Almodóvar is so obsessed with the human body, often using bizarre plots to explore the relationship between the body and the soul. His films feature characters who undergo organ transplants, sex change, or have plastic surgery, all set under an erotic overtone. Through the cutting and altering of bodies, the audience is made to question the boundaries of identity—who is she, who are you, and who am I? Ultimately, in our shared human suffering, we are all connected.

Almost every woman in the film has a standout moment that showcases her strength. The film highlights how far a woman's strength can be pushed, and how she can still hold onto unwavering love and tolerance, even in the most challenging circumstances.

Almodóvar is one of the few filmmakers who can handle the transgender theme with such emotional depth and dramatic impact. His use of bright, bold colors and compassionate storytelling work together to create a powerful visual and emotional experience. The light and shadow also emphasize the beauty of women.

All About My Mother offers the delightful pleasure of witnessing chaotic characters seamlessly intertwining their upended lives, blurring the lines between those in need of care and their caregivers. Rosa's attempt to find Manuela a job turns into Manuela becoming her unofficial doula. Huma extends a favor to Manuela, finding great comfort in her presence. Almodovar's trademark empathy blooms fully, suggesting that the simplest and most effective way to care for someone is just to be there.

Hablar de Todo sobre mi madre no es analizar una película; es sentarse a ver una herida abrirse y luego observar, con el corazón en un puño, cómo se va cosiendo poco a poco. Almodóvar aquí no solo dirige, sino que abraza.
​Es una obra que huele a perfume barato, a hospital y a escenario de teatro. Es, ante todo, un monumento a la resiliencia femenina.
​El dolor como punto de partida
​La historia arranca con el golpe más seco que puede recibir una persona: Manuela ve morir a su hijo el día que él cumplía 17 años. A partir de ahí, la película se convierte en una huida hacia adelante, un viaje de regreso a un Barcelona que es puro laberinto emocional.
​Lo que hace que esta película se sienta tan "viva" es que no teme al desorden de la vida. Mezcla la tragedia griega con el color chillón del pop español. Nos presenta a personajes que el mundo suele ignorar o juzgar —prostitutas, mujeres trans, monjas con secretos, actrices al borde del colapso— y los trata con una dignidad absoluta.
​Lo que nos queda en el alma
​La interpretación de Cecilia Roth: Su mirada es el ancla de todo. Es una mujer que está rota por dentro, pero que sigue caminando porque otros necesitan su ayuda.
​La sororidad: No es una palabra de moda aquí; es una estrategia de supervivencia. Ver a Agrado (interpretada con una humanidad arrolladora por Antonia San Juan) cuidar de Manuela, o a Manuela cuidar de Rosa, nos recuerda que a veces la familia no es la que te toca, sino la que te salva en un rincón oscuro de la calle.
​El monólogo de Agrado: Posiblemente uno de los momentos más honestos del cine. Esa frase de que "una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma" es una bofetada de verdad para cualquiera que alguna vez se haya sentido fuera de lugar.
​¿Por qué duele y sana a la vez?
​Almodóvar logra algo casi imposible: que lo artificial parezca natural. Los colores son demasiado rojos, los dramas son demasiado intensos, pero el sentimiento es 100% real. Es un recordatorio de que, aunque la muerte nos quite lo que más queremos, siempre queda alguien a quien cuidar, alguien a quien perdonar y, sobre todo, una función que debe continuar.
​Es una película sobre la capacidad de los seres humanos para reconstruirse con los pedazos que quedaron en el suelo. Es un "gracias" gigante a las madres, a las que quisieron serlo y a las que, sin serlo, acabaron siéndolo de todos nosotros.
​Evaluación
​No se le puede pedir más a una película que te deja con ganas de llamar a tu madre o de abrazar a tu mejor amiga.
​Puntuación: 💫💫💫💫💫 (5 de 5 estrellas)
​Es perfecta en su imperfección, como la vida misma.

Excelente melodrama. Me conmovió mucho, todas las situaciones que pasan todas esas mujeres y hombres, que están en búsqueda de sus identidades, en búsqueda de algo que no saben como definirlo.
Es muy dramatica. Me encantó

Almodóvar é obcecado pelo corpo humano, muitas vezes usando enredos bizarros para explorar a relação entre o corpo e a alma. Seus filmes apresentam personagens que passam por transplantes de órgãos, mudam de sexo ou fazem cirurgias plásticas, tudo sob um tom erótico. Com o corte e a alteração dos corpos, o público é levado a questionar os limites da identidade — quem é ela, quem é você e quem sou eu? Por fim, em nosso sofrimento humano compartilhado, estamos todos conectados.

Almodóvar é um dos poucos cineastas que consegue lidar com o tema transgênero com tanta profundidade emocional e impacto dramático. Seu uso de cores vivas e ousadas e a narrativa compassiva trabalham juntos para criar uma experiência visual e emocional poderosa. A luz e a sombra também enfatizam a beleza das mulheres.

Almodóvar es uno de los pocos cineastas que puede manejar el tema de los transgéneros con tal profundidad emocional e impacto dramático. Su uso de colores brillantes y audaces y la narración compasiva trabajan juntos para crear una experiencia visual y emocional poderosa. La luz y la sombra también destacan la belleza de las mujeres.

Almodóvar está tan obsesionado con el cuerpo humano, que a menudo usa tramas extrañas para explorar la relación entre el cuerpo y el alma. Sus películas presentan personajes que se someten a trasplantes de órganos, cambio de sexo o cirugías estéticas, todo bajo una tonalidad erótica. A través del corte y la alteración de los cuerpos, se hace que la audiencia cuestione los límites de la identidad: ¿quién es ella?, ¿quién eres tú?, ¿quién soy yo? En última instancia, en nuestro sufrimiento humano compartido, todos estamos conectados.

Es la segunda que veo de Almodóvar. Esperaba disfrutarla más, pero está buena, aunque personalmente creo que La piel que habito se amoldó mejor a mis gustos.

Hace 25 años estrenaba "Todo Sobre Mi Madre" del director Pedro Almodovar, un drama disparatado, barroco y con personajes extremos golpeados por la mala suerte. Almodóvar inventó el término “screwball drama” , haciendo referencia a la alocada screwball comedy americana, para encuadrar a esta película dentro de un género.
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Todo Sobre Mi Madre trata temas complejos como el SIDA, la identidad de género, la homosexualidad, la fe, la maternidad y el existencialismo. Los personajes mantienen un peso dramático contenidos en ciertos puntos y explotados en otros lo que hace a esta historia tener un ritmo excelente mientras habla doble temáticas muy taboo para la época de los 90.
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La dirección artística, fotografía y dirección es de lo mejor que vi en el cine europeo. Ganadora en los Oscars y Bafta como Mejor Pelicula de Habla no Inglesa y la Palma de Oro como Director en Cannes.